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出版者:厦门大学出版社

作者:郑兴三

出品人:

页数:671

译者:

出版时间:2003-6-1

价格:32.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787561520468

丛书系列:古典时期钢琴奏鸣曲研究系列

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海顿钢琴奏鸣曲研究：探索古典主义的精髓与钢琴艺术的萌芽 海顿，这位被誉为“交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”的作曲家，其对钢琴奏鸣曲的贡献同样不容忽视。他的钢琴奏鸣曲作品，数量庞大，风格多样，不仅是古典主义时期键盘音乐的瑰宝，更是理解海顿音乐语言及其发展演变的关键钥匙。本书旨在深入剖析海顿钢琴奏鸣曲的创作历程、音乐结构、风格特征以及在钢琴演奏实践中的意义，带领读者一同踏上这场探索古典主义音乐精髓与钢琴艺术萌芽的旅程。 第一章：海顿与钢琴奏鸣曲的时代背景 1. 古典主义音乐的曙光： 本章将首先回溯18世纪中叶欧洲音乐史的宏大图景。此时，巴洛克音乐的复杂精巧逐渐让位于更加清晰、均衡、旋律优美的新风格。这种向“自然”和“理性”的回归，深刻影响了音乐创作的方方面面。我们将探讨启蒙运动的思想如何渗透到艺术领域，强调清晰的结构、易于理解的旋律以及情感的适度表达。 2. 键盘乐器的变革与演进： 钢琴奏鸣曲的兴盛与键盘乐器的发展密切相关。在海顿的时代，大键琴（Harpsichord）和古钢琴（Clavichord）仍然占据重要地位，但钢琴（Pianoforte）以其能够控制音量和音色的独特能力，正迅速崭露头角。我们将详细介绍这些乐器的构造差异、音响特性以及它们对作曲家创作手法的影响。海顿早期作品中对大键琴风格的借鉴，以及晚期作品中对钢琴表现力的日益重视，都将是本章探讨的重点。 3. 奏鸣曲体裁的形成与确立： 奏鸣曲（Sonata）并非一蹴而就，它的发展经历了漫长的演变。从巴洛克时期的“教会奏鸣曲”和“室外奏鸣曲”开始，到海顿时期，以三个或四个乐章为基本结构，且第一乐章通常采用奏鸣曲式的形式，已经基本确立。我们将追溯奏鸣曲体裁从早期形态到海顿时期成熟的历程，分析其乐章安排、速度对比、调性布局等基本要素，为理解海顿奏鸣曲的结构奠定基础。 4. 海顿的音乐生涯与创作动机： 弗朗茨·约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn）的一生，几乎贯穿了整个古典主义时期。他的创作与他所处的社会环境、赞助人（尤其是埃斯特哈齐家族）的需求以及音乐界的发展潮流紧密相连。本章将简要回顾海顿的生平，重点分析他创作钢琴奏鸣曲的动机——既有作为音乐教育和家庭娱乐的需求，也有作为探索和创新音乐语言的艺术追求。 第二章：海顿钢琴奏鸣曲的早期创作（Hob.XVI:1-30） 1. 早期探索与大键琴遗风： 海顿早期的钢琴奏鸣曲，往往带有鲜明的大键琴风格痕迹。这些作品通常短小精悍，以清晰的和声、简洁的旋律和明快的节奏为主要特征。我们将在分析具体作品时，指出其旋律进行的特点、和声进行的简洁性以及对装饰音的运用，并与同期大键琴作品进行比较。 2. 结构上的试验与发展： 尽管是早期作品，海顿的钢琴奏鸣曲在结构上也展现出了不凡的创造力。一些作品依然遵循早期三乐章的模式，但他也开始尝试更灵活的乐章安排，甚至在少数作品中出现了四个乐章的结构。本章将关注这些早期作品在乐章数量、速度对比以及内部结构上的尝试，分析其结构上的演进轨迹。 3. 奏鸣曲式的萌芽与初步运用： 奏鸣曲式是古典主义音乐的核心结构之一。海顿的早期奏鸣曲已经开始运用奏鸣曲式的基本原则，尽管可能不如晚期作品那样成熟和复杂。我们将选取代表性的早期作品，分析其第一乐章在呈示部、展开部和再现部中的特点，探讨主题的呈现、对比以及调性关系的处理，揭示奏鸣曲式在海顿音乐中早期孕育的过程。 4. 情感表达的初步展现： 尽管早期作品风格相对明快，但海顿也开始在其中注入初步的情感层次。一些慢板乐章开始流露出淡淡的忧伤或抒情，快板乐章则充满活力和幽默感。本章将通过对具体乐曲的聆听和分析，探讨海顿如何在早期奏鸣曲中，用音乐语汇初步展现喜怒哀乐等基本情感。 第三章：海顿钢琴奏鸣曲的中期创作（Hob.XVI:31-50） 1. 风格的成熟与多样化： 进入中期，海顿的钢琴奏鸣曲风格日趋成熟，并呈现出更加丰富和多样化的面貌。他开始更深入地探索钢琴这一乐器的表现潜力，创作出更具对比性和戏剧性的作品。本章将分析其旋律线条的丰富性、和声的色彩感以及节奏的灵活性等方面的提升。 2. 奏鸣曲式的深化与扩展： 海顿在此阶段对奏鸣曲式进行了更加精妙的运用和发展。第一乐章的呈示部更加清晰地呈现对比性主题，展开部逻辑严谨，富有戏剧性，再现部则在调性布局和主题发展上有所创新。我们将详细分析几个代表性的中期奏鸣曲，深入剖析其奏鸣曲式的结构、主题发展的手法以及和声的张力。 3. 慢板乐章的情感深度与变奏技巧： 中期奏鸣曲的慢板乐章，往往更加富有歌唱性、抒情性和情感的深度。海顿开始运用更复杂的变奏手法，在保留主题轮廓的同时，通过节奏、和声、织体的变化，赋予主题新的生命和内涵。本章将着重分析慢板乐章的旋律特点、和声色彩以及变奏技法的运用。 4. 其他乐章的创新： 除了快板和慢板乐章，海顿在中期奏鸣曲中也对舞曲乐章（如小步舞曲）和回旋曲乐章进行了创新。他赋予小步舞曲更多的个性和幽默，让回旋曲的结构更加灵活多变。我们将探讨这些乐章的特色，以及它们在整体作品中的功能。 第四章：海顿钢琴奏鸣曲的晚期创作（Hob.XVI:51-62） 1. 创作的巅峰与个人风格的彰显： 海顿晚期的钢琴奏鸣曲，被认为是其键盘音乐创作的巅峰。这些作品不仅在技术上更为精湛，在情感表达上也更加深刻和成熟，个人独特的音乐风格得到充分彰显。本章将分析其旋律的精巧、和声的逻辑性、织体的细腻以及对音乐“惊奇”和“幽默”的运用。 2. 奏鸣曲式的精巧处理与艺术高度： 晚期奏鸣曲的奏鸣曲式结构堪称典范。海顿在保持清晰结构的同时，更加注重主题之间的内在联系，以及展开部中复杂的调性穿梭和逻辑推演。我们将深入研究其奏鸣曲式的每一个环节，分析主题发展、和声对比、动力学变化等元素如何共同构建出宏伟的音乐结构。 3. 深刻的情感表达与哲学思考： 晚期奏鸣曲不仅充满活力和幽默，也常常流露出深刻的情感和对人生的思考。一些作品中，我们可以感受到对苦难的隐忍、对生命的热爱以及对真理的探寻。本章将通过对具体乐曲的分析，解读海顿在晚期作品中更趋深沉和哲学化的情感表达。 4. “伦敦奏鸣曲”的辉煌： 海顿在伦敦创作的几部钢琴奏鸣曲，例如Hob.XVI:50、Hob.XVI:52等，更是其晚期创作的代表作。这些作品不仅篇幅宏大，结构严谨，而且在音乐的广度、深度和技术难度上都达到了新的高度。我们将重点分析这些“伦敦奏鸣曲”的艺术成就，以及它们对后世的影响。 第五章：海顿钢琴奏鸣曲的演奏实践与挑战 1. 不同时代乐器的影响： 海顿的作品创作于键盘乐器发生重大变革的时期。了解当时所使用的乐器（大键琴、古钢琴、早期钢琴）的音响特点、触键方式以及技术限制，对于理解海顿作品的演奏风格至关重要。本章将探讨不同乐器对演奏力度、音色、装饰音处理等方面的要求。 2. 速度、力度与表情的诠释： 海顿的作品中，速度标记（Allegro, Adagio, Presto等）和力度标记（p, f, crescendo, diminuendo等）提供了重要的演奏线索。然而，如何准确地理解和执行这些标记，如何在遵守音乐的整体框架下加入富有个人理解的表情，是演奏者面临的重要课题。我们将结合具体作品，分析这些演奏标记的实际意义。 3. 装饰音的处理： 在古典主义时期，装饰音（trill, mordent, appoggiatura等）的使用非常普遍，并且常常需要演奏者根据具体情况进行即兴发挥。海顿作品中的装饰音，如何演奏得既符合时代风格，又能展现音乐的清晰和美感，是演奏中的一大挑战。本章将探讨古典主义时期装饰音的演奏惯例及其在海顿奏鸣曲中的运用。 4. 技术与音乐性的平衡： 海顿的钢琴奏鸣曲在技术上具有一定的挑战性，特别是晚期作品。然而，技术永远是为音乐服务的。本章将强调演奏者如何在掌握技术难度的同时，充分展现作品的音乐性、逻辑性和情感深度，避免陷入纯粹的技术炫耀。 第六章：海顿钢琴奏鸣曲的历史地位与深远影响 1. 古典主义钢琴奏鸣曲的奠基者： 海顿的钢琴奏鸣曲，与莫扎特和贝多芬的作品共同构成了古典主义钢琴奏鸣曲的黄金时代。他不仅确立了奏鸣曲的基本结构和发展模式，而且为后世作曲家探索钢琴表现力提供了丰富的素材和创作范例。本章将梳理海顿在奏鸣曲体裁发展中的历史地位。 2. 对莫扎特与贝多芬的影响： 作为早一代作曲家，海顿对年轻的莫扎特和贝多芬产生了深远的影响。莫扎特在海顿的作品中学习到结构上的严谨和情感的清晰，贝多芬则在海顿的基础上，进一步拓展了奏鸣曲式的表现力和情感深度。我们将分析海顿的作品如何启发和影响了这两位伟大的作曲家。 3. 作为钢琴演奏曲目的价值： 时至今日，海顿的钢琴奏鸣曲依然是音乐学院教学和音乐会演奏的重要曲目。它们的音乐风格清晰、结构严谨、富于表现力，既适合初学者入门，也为经验丰富的演奏家提供了展示音乐理解和技术功底的平台。本章将阐述海顿钢琴奏鸣曲在当代钢琴演奏领域的价值。 4. 对后世音乐发展的启示： 海顿钢琴奏鸣曲中对主题发展、结构安排、情感表达等方面的创新，不仅对古典主义时期，也对后世的音乐发展产生了持续的影响。其对音乐“秩序”与“自由”的完美结合，以及对清晰逻辑与丰富情感的追求，依然是音乐创作的重要课题。 结论： 海顿的钢琴奏鸣曲，是一座宝库，蕴藏着古典主义音乐的智慧、钢琴艺术的萌芽以及作曲家不朽的创造力。本书通过对其创作历程、音乐结构、风格特征以及演奏实践的深入剖析，希望能够帮助读者更全面、更深刻地理解这位伟大作曲家及其在钢琴音乐史上的重要贡献。通过对这些作品的反复聆听和深入研究，我们不仅能欣赏到海顿音乐的独特魅力，更能感受到古典主义音乐的永恒价值。

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这本书的学术深度令人印象深刻，它显然是基于扎实的文献考据和对大量原始手稿的细致研究而写成的。对于那些想要深入研究十八世纪奏鸣曲体裁演变的历史学家来说，这本书无疑提供了一个极其宝贵的研究范本。作者在探讨海顿如何受到卡尔·菲利普·伊曼努尔·巴赫（C.P.E. Bach）风格影响时，引用的文献资料之广博，令人叹服。书中不仅有对作品首演背景的考证，还有对当时钢琴制造技术如何影响演奏风格的探讨，这种跨学科的视角，极大地丰富了我们对奏鸣曲创作环境的理解。尤其是在分析海顿后期作品中，如何微妙地预示了贝多芬的革命性手法时，作者的论证过程严密且逻辑链条清晰，没有半点牵强附会的痕迹。对我而言，最吸引人的是，作者对“奏鸣曲”这一形式本身的哲学思考——即在看似既定的结构中如何实现艺术个性的张扬。这本书的语言风格偏向于严谨的学术论述，但其深刻的见解和对细节的关注，足以让任何一个对音乐史有严肃态度的读者受益匪浅。

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这本书带给我的，更像是一场深入海顿内心世界的精神漫游，而不是一次例行的技术学习。作者的笔触充满了对海顿人格的深刻洞察，他不仅仅是音乐史上的一个符号，而是一个有着复杂情感和幽默感的个体。阅读过程中，我能清晰地感受到作者对海顿的喜爱与尊重，这种情感通过文字自然地流露出来，使得阅读过程充满了温暖的人文关怀。书中对于海顿在晚年，尤其是在旅居异乡期间，所创作的那些奏鸣曲的分析，尤其触动人心。作者细腻地描绘了那种成熟的、略带沧桑感的旋律线条，以及其中偶尔闪现的对往日时光的怀念。这不仅仅是音乐分析，更像是一篇对艺术家生命历程的致敬。书中的某些章节，几乎可以看作是哲学散文，探讨了艺术的永恒性与时代局限性之间的关系。读完之后，我不再仅仅将海顿视为“交响乐之父”或“奏鸣曲的奠基人”，而是将他视为一位真诚地通过键盘与世界对话的艺术家。这种由技术分析上升到精神共鸣的阅读体验，是这本书最宝贵的财富。

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这本关于海顿钢琴奏鸣曲的研究，着实让我眼前一亮。初翻开时，我本以为会是一本枯燥的学术论著，堆砌着大量晦涩难懂的乐理分析和历史考据。然而，作者以一种近乎亲切的口吻，将海顿这位“奏鸣曲之父”的创作脉络娓娓道来，仿佛一位经验丰富的钢琴家在与我们分享他的心路历程。书的结构安排极为巧妙，从早期作品的古典主义萌芽，到中期成熟时期的结构创新，再到晚期作品中展现出的更深层次的情感探索，层次分明，逻辑清晰。尤其是对某些特定奏鸣曲的深入剖析，不再仅仅停留在音符的堆砌上，而是结合了当时的社会背景和海顿本人的心境变化，让人对这些看似“简单”的作品有了全新的认识。比如，对第三十二号奏鸣曲中突然出现的戏剧性转折的处理，作者的解读就非常独到，不是简单地归因于风格的演变，而是探究了其背后可能蕴含的人文关怀。阅读过程中，我时常忍不住拿起琴，试着去感受作者笔下那些细微的情感波动和结构上的精妙设计，那种将理论与实践完美结合的体验，着实令人沉醉。这本书的价值，不仅在于其严谨的学术性，更在于它成功地拉近了读者与海顿音乐之间的距离，让古典音乐不再高不可攀，而是触手可及的艺术瑰宝。

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我是一个业余钢琴爱好者，对古典音乐有着持久的热情，但坦白说，对海顿的奏鸣曲一直抱有一种敬而远之的态度，总觉得它们不如莫扎特那般甜美灵动，也不似贝多芬那般气势磅礴。直到我读了这本书，我的看法被彻底颠覆了。这本书的叙事节奏感极强，不像传统乐理书那样死板，它更像是一部音乐侦探小说，带领我们一步步揭开海顿创作的“秘密代码”。作者在解读奏鸣曲的呈示部、发展部和再现部时，没有陷入参数化的分析泥潭，而是着重探讨了海顿如何运用“幽默感”和“意外性”来构建音乐的戏剧张力。我特别欣赏作者对“主题的变形”这一概念的阐述，他通过对比不同奏鸣曲中对同一动机的运用，展示了海顿如何在看似重复的框架内，不断地进行微小的、却意义重大的革新。书中的插图和乐谱示例都选取得恰到好处，没有过度拥挤，让人能够专注于文字的引导，然后自行去脑海中构建起声音的画面。读完此书后，当我再次弹奏那些久违的海顿奏鸣曲时，我发现自己不再只是机械地移动手指，而是开始真正“听见”海顿在和键盘对话，那种豁然开朗的感觉，简直难以言喻。

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我一直认为，学习任何一门古典艺术，最怕的就是“被剧透”，就是提前知道所有答案，从而失去了自己去探索和感受的乐趣。而这本书的高明之处在于，它提供的不是答案，而是一系列绝佳的“探索引导图”。它很少直接断言某个乐段的“正确”情感表达，而是通过详细分析该乐段的调性关系、和声进行以及旋律动机的逻辑发展，引导读者自己去发现其中蕴含的趣味和张力。比如说，作者在讨论海顿对“主题的冲突与解决”的处理时，所采用的类比手法非常新鲜，他将音乐的结构比作建筑的拱券，强调了中间段落如何支撑起整体的平衡与美感。这种引导式的阅读体验，极大地激发了我主动思考的欲望。我甚至会合上书本，重新聆听录音，尝试用作者提供的新视角去捕捉那些以前被我忽略的细节。这本书的排版和图表设计也非常人性化，使得复杂的乐理概念可视化，即便是初次接触严肃音乐分析的读者，也能通过视觉辅助理解复杂的结构变化。总而言之，它是一本能“教你如何听”的书，而不是“告诉你该怎么听”的书。

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