潮州剪纸 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:汕头大学出版社

作者:杨坚平 编

出品人:

页数:206

译者:

出版时间:2004-12

价格:25.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787810368988

丛书系列:

图书标签:

• 潮汕
• 艺术
• 美术
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• 非物质遗产
• 剪纸艺术

岭南风物志：广府粤剧的流变与传承 本书聚焦于中国南方最具代表性的地方戏曲艺术——粤剧，深入剖析其从诞生之初的民间说唱，到近代融合吸收，直至今日成为国家级非物质文化遗产的完整发展脉络。 本书并非对某一特定手工艺的记录，而是对一个庞大、鲜活的舞台艺术体系进行结构化的梳理与阐释。我们将带领读者穿越历史的烟尘，探寻粤剧如何在岭南这片沃土上生根发芽，吸收了潮剧、梆子戏、乃至西洋歌剧的元素，最终形成其独树一帜的唱腔、表演程式与舞台美学。 第一部分：溯源与萌芽——岭南戏曲的土壤 本部分将详细考证粤剧的“前世今生”。我们追溯到宋元时期在广东一带流行的“说唱弹词”和“盲佬说书”等民间曲艺形式，这些是构成粤剧“腔调之母”的原始基因。重点分析了明清时期，随着人口流动和商业繁荣，不同地方戏班在广州、佛山等地的碰撞与融合，催生了最早期的“乱弹戏”。 我们将细致描摹早期粤剧班社的组织结构、演出环境（如竹棚戏、水上戏台）以及艺人的生存状态。通过对大量地方志、早期报刊记载的爬梳，还原出一部部失传剧目的片段性描述，揭示早期粤剧在题材和表演上如何深深植根于地方的民间故事与社会现实。 第二部分：黄金时代的辉煌——“人、艺、班”的系统建构（1920s-1950s） 本书认为，粤剧的艺术成熟期集中在二十世纪上半叶。本章将重点剖析“新旧派”的争论与融合。 名家辈出与流派纷呈： 深入研究如“盲公德”、“靓少爷”等早期名伶的演唱风格及其对后世的影响。着重分析了薛觉先、白驹荣等一代宗师如何通过改革唱腔、改良舞台布景、引入现代化灯光音响，将粤剧推向艺术高峰。我们将详尽分析“板眼”的运用，如“士腔”（偏文或书生气腔调）和“子喉”（花旦或小生常用腔调）的细微差别，以及它们在叙事中的功能。 剧目革新与社会反思： 粤剧在这一时期不再局限于历史演义和神怪传奇，开始大量改编时事剧目，如反帝反封建的现代剧。本书收录并分析了数个重要剧目（如《苦凤吟》、《搜书院》的前身版本）的剧本结构、人物塑造及当时的社会反响，展示了粤剧强大的社会批判能力。 商业运作与文化传播： 探讨了戏院制度的完善、电影技术的介入（如“电影戏”）对粤剧传播的影响，以及海外（香港、东南亚）粤剧社团对本土艺术的推动作用。 第三部分：转型与坚守——现代舞台的挑战与重塑（1950s至今） 新中国成立后，粤剧经历了剧目改革和体制变迁。本部分探讨了“革命现实主义”主题如何重塑传统粤剧的叙事方式和人物性格。 “十七年”的探索： 分析了如何将传统骨干（如武生、丑生）的表演技巧融入新的时代主题。特别关注了如何处理“旧戏禁演”与“新编历史剧”之间的张力，例如在《帝女花》等保留剧目中进行的“净化”与“现代化”改造。 表演程式的精细化： 详细解析了粤剧特有的舞台语汇，如“云步”、“靠把”、“抢背”、“踢枪”等武打和身段技巧，并辅以专业术语的解释，说明这些技巧如何服务于人物的内心世界和剧情的推进，而非单纯的杂技展示。 当代传承的困境与创新： 聚焦于当代粤剧艺术家的努力，包括对“正音”的追求、对传统音乐伴奏（如高胡、扬琴、彭锣的配置）的坚持，以及新一代创作者在数字化传播、小剧场探索中的实践。本书特别关注了“抢救性”挖掘整理濒临失传的剧目和曲谱的工作。 本书特色： 本书汇集了大量的舞台照片、历史档案记录、剧本手稿的局部影印件，旨在为戏曲研究者、文化爱好者提供一份扎实、深入且富含现场感的艺术史料。我们不着墨于任何与潮汕地域文化或剪纸艺术相关的描述，而是将全部篇幅献给粤剧的音乐本体、表演艺术和历史变迁。本书是一部关于“听觉与视觉的艺术盛宴”，而非关于“指尖上的工艺记录”。 通过本书，读者将能深刻理解粤剧作为“南国红豆”的复杂生命力，以及它如何在时代洪流中，坚守着岭南文化的独特光芒。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，初拿到手时，那厚实的纸张和温润的触感就让人爱不释手。尤其是封面那低调而富有质感的靛蓝色，衬托着烫金的标题“潮州剪纸”，既古典又透着一股沉静的力量。我尤其欣赏它内页的排版风格，那种留白的处理，恰到好处地让每一幅作品都有了呼吸的空间。记得翻开第一章，引入眼帘的是几张高清的彩图，那些繁复的图案，在光线下反射出微妙的光泽，让我立刻沉浸其中。它不仅仅是展示作品，更像是在搭建一个精致的艺术陈列馆，引导你一步步深入了解其背后的匠心。那些配图的说明文字，虽然不多，但字斟句妙，对光影、层次的描述精准到位，体现了编辑团队对传统艺术的深厚理解和尊重。读完第一遍，我合上书，脑海里挥之不去的，是那种被精美工艺温柔包裹的感觉，让人忍不住想再次翻开，细细摩挲那些纹理和细节。

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这本书的叙事结构非常新颖，它没有采用那种流水账式的编年史或者简单的流派划分，而是更侧重于“技法与精神”的交织。作者似乎花了大量的篇幅去解构那些看似简单的剪纸艺术背后所蕴含的哲学思考。比如，关于“阴刻”与“阳刻”的对比分析那一段，简直是茅塞顿开。他没有停留在工具和材料的层面，而是深入探讨了“有”与“无”在中国传统美学中的辩证关系，这让我意识到，手中的那张薄薄的纸片，其实承载了关于生命、虚实、得失的深刻见解。阅读过程中，我常常需要停下来，合上书，在脑海中反复咀嚼那些关于“取舍之道”的论述，感觉像是上了一堂关于生活智慧的微型讲座。文字的逻辑性极强，层层递进，从技法的小切口，最终汇聚成对传统文化精神内核的深刻洞察，这种由微观到宏观的推进方式，使得整个阅读体验层次分明，回味无穷。

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这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最难能可贵的是它成功地避免了陷入纯粹的象牙塔理论。作者在引用大量学术文献和历史考据的同时，非常巧妙地穿插了许多社会文化背景的分析。比如，它讨论了特定历史时期，剪纸图案在民间祭祀和婚丧嫁娶中所扮演的仪式功能，以及这些图案如何随着地域迁移和人口流动而发生微妙的变异。这种将艺术置于宏大历史叙事中的做法，使得原本局限于工艺层面的研究，瞬间拓宽到了人类学和社会史的范畴。我感觉自己不只是在看一本艺术史，更像是在翻阅一部活态的民间社会变迁史。阅读时，那种知识不断被串联和激活的愉悦感，是其他同类书籍难以比拟的。

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让我印象最深刻的是其中关于“传承人故事”的访谈记录部分。这些文字的笔触非常细腻、朴实，带着一种泥土的芬芳和时间的厚重感。与那些冷冰冰的学术论述不同，这些口述历史鲜活地展现了艺术家们在面对现代生活冲击时所经历的挣扎、坚守与创新。我特别喜欢其中一位老艺人谈到剪纸刀法的稳定性和心境的关系时流露出的那份坦然。他描述说，当心浮气躁时，刀口就会颤抖，剪出的线条就不够流畅，这种对自我状态与艺术表达的精确体察，远比任何理论分析都更有力量。这些真实的片段，让冰冷的艺术符号重新获得了温度和生命力，仿佛能听到那些剪刀落下时，带着岁月沉淀的“咔嚓”声，让人对“匠人精神”有了更直观、更感性的理解。

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从阅读的整体感受来说，这本书的节奏感把握得极佳，读起来毫不拖沓，但又足够深入。它不像某些工具书那样佶屈聱牙，也不像某些科普读物那样流于表面。作者的语言风格是介于学术的精准与散文的灵动之间的完美平衡点。特别是关于“色彩象征意义”的章节，作者没有简单地罗列“红为吉、黑为庄重”之类的常识，而是深入剖析了特定染料的稀有性如何影响了图案的地位，以及不同时期对“饱和度”的审美偏好是如何反映了当时的经济基础和社会思潮。这种深入浅出的阐释，让即使是对传统文化不甚了解的读者，也能轻松地跟上思路，并在脑海中构建起清晰、立体的知识框架。读完后，我感觉自己对“符号学”在民间艺术中的应用有了全新的认识，收获甚丰。

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