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出版者:

作者:白煦

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-3

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787500306450

丛书系列:

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书法
白煦
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具体描述

翠竹清风：中国古代文人画的审美意趣与笔墨精神图书简介一、缘起：山水为师，胸臆为骨本书旨在深入剖析中国古代文人画，这一独特的艺术门类，如何从魏晋的超然遗世，历经唐宋的士人自觉，最终在元明清三代臻于炉火纯青的境地。文人画，区别于匠人技艺的追求，更强调“以书入画”，以笔墨作为抒发个人性灵、寄托政治抱负与人生哲思的媒介。它不求形似，而重神似；不以摹古为终极目标，而以开创个人面貌为追求。本书将首先梳理文人画的哲学基础——道家“自然无为”与儒家“修身齐家治国平天下”的张力与融合。文人画家往往在仕途受挫后，转而寄情山水，将自我放逐于笔墨的纯粹世界中。这种“退而为画”的姿态，成就了中国绘画史上最富文采与深度的篇章。二、笔墨的语言：线条的音乐性与墨色的哲学文人画的精髓，在于其对笔墨自身语言的极致开发。本书将详细探讨“十八描”的演变，以及文人画家如何将书法的用笔——如中锋、侧锋、藏锋、露锋——引入绘画之中，使线条本身具有了音乐般的韵律和节奏感。 1. 皴法与心象的建构：不同流派的皴法，如董源的披麻皴，李成的斧劈皴，黄公望的披麻皴与解索皴，已不再是单纯描绘山石的纹理，而是画家内心世界的投射。例如，董源的圆润湿润，体现了江南水乡的温润与平和；而元代倪瓒的折带皴和干笔皴，则直抒胸臆其孤高清冷的隐逸情怀。我们将逐一解析这些皴法的技法要点及其背后的情感密码。 2. 墨色的韵致：文人画对墨色的运用，达到了出神入化的境界。浓、淡、干、湿、焦，五色墨法，在单色的宣纸上创造出千变万化的层次感。特别是对“宿墨”的运用，强调墨色的自然晕化与渗透，追求“墨中有色，色中有墨”的微妙境界，象征着个体在复杂世界中对本真与纯粹的探求。三、题材的象征：松竹梅兰的“四君子”情结文人画的题材选择并非偶然，它们是画家人格的象征性载体。本书将专门辟章节，深入解析“四君子”——梅、兰、竹、菊——如何在不同的历史时期被赋予特定的文化内涵。梅：凌寒独自开，象征不畏强权、坚守气节的士人风骨。兰：空谷幽香，象征高洁脱俗、不与世俗同流合污的隐士情操。竹：中空有节，象征光明磊落、虚心有度的君子品格。菊：傲霜而立，象征陶渊明式的归隐情结与超然物外的态度。此外，对“水仙”“芭蕉”“石头”等主题的描绘，也无不蕴含着画家对自身处境的隐喻与反思。四、师承与开创：从“南宋四家”到“元四家”的艺术光谱文人画的发展脉络清晰，但其内部充满了继承与反叛的张力。本书将梳理几个关键的历史节点与艺术群体： 1. 宋代的萌芽与转折：重点关注苏轼、文同（墨竹）在理论上对文人画的奠基作用，以及对李公麟“白描”的推崇，确立了“尚意”的核心地位。 2. 元代的鼎盛与高峰：深入剖析“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术成就。他们彻底摆脱了院体画的规范，将山水画彻底推向了个人性情的表达。特别是倪瓒的“一 कोने一角”的经营，反映了元末文人阶层在政治压迫下的绝望与疏离。 3. 明清的承绪与变奏：分析董其昌如何总结前人经验，提出“南北宗论”，并在理论上将文人画推向了新的高度，强调“笔墨当随时代”。同时，探讨清代“四王”对古人笔墨的精研，以及石涛、八大山人如何以“笔墨游戏”的形式，表达对传统僵化的批判与个人情感的激烈释放。五、书画同源：题跋与诗文的互动文人画的完整性，在于其诗、书、画、印的“四绝”合一。本书认为，题跋不仅仅是对画面的注释，而是画家在完成绘画后，再次进行的情感升华和哲理深化。我们将分析不同书体（楷、行、草）在画面中的作用，以及诗句的选择如何补充、甚至颠覆了图画本身所传达的意境，使作品成为一个多维度的文化场域。结语：超越技法，直抵性灵《翠竹清风》力求通过详尽的案例分析和精妙的理论阐述，引导读者超越对传统国画技法的表层欣赏，进入文人画家复杂而丰富的精神世界。理解文人画，就是理解中国知识分子在特定历史语境下，如何通过最纯粹的艺术形式，完成对自我价值的坚守与对理想人格的塑造。这是一场关于线条、墨色与哲学思辨的深度对话。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书在选材和印刷质量上体现出一种对艺术本体的极致尊重。墨色的还原度简直令人惊叹，那些浓淡干湿的变化，细微到发丝般的线条边缘，都得到了忠实的再现。我甚至可以想象到，为了达到这样的印刷效果，出版方在制版和套印上投入了巨大的心血。有些作品的细节，在普通印刷品中是完全无法察觉的，但在这本书里，却清晰可见，仿佛创作者的笔尖刚刚离开纸面。这不仅仅是一本书，更像是一个高质量的“微缩展厅”，将原作的精髓浓缩其中。对于任何一个热爱这种艺术形式的人来说，拥有这样一本印刷精良的作品集，本身就是一种享受和收藏的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是太用心了。从封面到内页的纸张选择，都透着一股典雅的气息。特别是那个烫金的字体，在灯光下闪烁着低调的光芒，让人一眼就觉得这不是一本普通的书。装帧师傅的手艺没得说，书脊的粘合度和整体的平整度都堪称完美，捧在手里沉甸甸的，很有质感。翻开书页，那种油墨的香气混合着纸张的特有味道，让人心旷神怡。我特别喜欢它在细节处理上的考究，比如书签绳的材质和颜色，都和整体的版式风格高度统一，这种对细节的打磨，往往决定了一本书的“灵魂”。我记得我以前买过一些装帧粗糙的书，没看多久边角就卷了，这本的质感显然能经受住时间的考验，绝对是那种值得珍藏的艺术品级别的书籍。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧厚度与内容呈现的平衡做得极好。我通常不喜欢那些篇幅过大、过于笨重的画册，它们阅读起来很不方便，但这本书的尺寸拿捏得非常恰到好处，既保证了作品细节的展现，又兼顾了便携性，放在书架上错落有致，需要翻阅时也容易取用。内页纸张的光泽度选择也值得称赞，它不是那种高反光的铜版纸，而是带有一点哑光质感的，这使得光线在页面上反射得非常柔和，极大地提升了观看体验，尤其是在展示那些墨色层次丰富的作品时，这种处理方式更能凸显其韵味。这种对“阅读舒适度”的重视，远超许多仅仅追求“大场面”的同类出版物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局简直就是一场视觉盛宴。作者（或编者）对于留白的处理达到了炉火纯青的地步，每一页都有足够的呼吸空间，使得阅读过程非常舒适，丝毫没有拥挤感。字体的选择也极为考究，大小适中，行距疏密有致，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。我注意到，在作品的展示上，他们采用了非常高分辨率的印刷技术，即便是非常细微的笔触变化，都能清晰地再现出来，这对于欣赏那些精妙的细节来说至关重要。而且，在不同风格的作品之间进行切换时，版式的微调也处理得非常自然，没有突兀感，整个阅读体验如同在欣赏一场精心编排的音乐会，起承转合都恰到好处，体现了极高的专业素养。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容编排逻辑性非常强，它似乎不仅仅是简单地罗列作品，而是在构建一个清晰的艺术脉络。从早期的探索性作品到成熟期的风格确立，再到晚期对某种意境的极致追求，读者可以非常直观地感受到创作者的心路历程。每组作品之间似乎都存在着某种内在的对话和呼应，这使得整个阅读过程充满了发现的乐趣。我特别欣赏它对作品背景的介绍方式，没有冗长的大段文字，而是用精准而富有洞察力的文字点拨关键，引导读者去体会作品背后的情感和技术难度。这种循序渐进的引导，让即便是初次接触这类艺术形式的人，也能快速建立起自己的理解框架，而不是一头雾水地对着画面发呆。

评分☆☆☆☆☆