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出版者:上海科学技术出版社

作者:王连起 编

出品人:

页数:152

译者:

出版时间:2001-7

价格:320.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787532360918

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中国古代绘画史纲 第一章 绪论：从史前到先秦的艺术萌芽 中国绘画的历史源远流长，其发展脉络清晰地映照着中华民族审美观念的演变与社会生活的变迁。本章旨在为读者建立一个宏观的视角，理解绘画艺术在中国文化体系中的定位，并追溯其最初的形态。 一、 绘画在中国文化中的地位 绘画不仅仅是视觉艺术的再现，更是中国哲学思想、伦理观念与宇宙观的物化体现。与西方艺术强调对自然物象的精确摹写不同，中国绘画更注重“写意”——通过线条、墨色和笔触传达内在精神与气韵。本章首先概述中国艺术体系中“六法”等理论基石的形成背景，为后续深入探讨打下理论基础。 二、 史前遗迹中的色彩与符号 追溯至遥远的旧石器时代晚期，岩画便是人类早期视觉表达的初探。我们考察如月山、花山等地的岩画遗存，分析其内容多为狩猎、祭祀场景，色彩以红赭石和黑炭为主，展现出强烈的原始生命力与巫术色彩。新石器时代的彩陶，如仰韶文化、马家窑文化的几何纹饰与人形图案，标志着图案化、程式化的初步成熟，揭示了先民对自然秩序的初步认知。 三、 奴隶社会的初步规范：商周青铜器与漆画 商周时期，礼制成为社会的主导力量，艺术服务于政治和宗教。虽然纯粹的绘画材料保存稀少，但通过对青铜器铭文、纹饰以及考古发现的漆器残片分析，我们可以窥见早期绘画技法的端倪。青铜器上的饕餮纹、云雷纹等，虽然是装饰性的，但其线条的力度与结构安排，已经蕴含了高度的造型能力。漆画，作为色彩与线条的结合，在墓葬出土物中显示出对神怪世界的想象，预示着后来卷轴画中叙事手法的萌芽。 四章 轴承与奠基：秦汉的现实主义倾向与图像构建 秦汉时期是中国大一统王朝的建立期，中央集权的确立对艺术提出了新的要求——服务于宣扬国威与教化民众。 一、 汉代墓室壁画的勃兴 随着墓葬制度的完善和对来世的重视，壁画在墓室中占据了重要地位。本章详细分析了以马王堆汉墓、尹湾汉墓为代表的早期壁画。这些作品题材广泛，涵盖了宴饮享乐、出行仪仗、神话传说等。艺术风格上，汉代壁画呈现出朴拙而雄健的气度，线条简练有力，人物造型趋向于程式化和扁平化，注重平面装饰效果，这与同时期的画像石、画像砖的风格相互呼应，共同构建了汉代庞大的视觉叙事系统。 二、 帛画与早期山水意象 马王堆一号墓出土的T形帛画，是现存最早的、结构完整的中国绘画作品。它不仅是宗教信仰（升天图）的载体，其构图的层次感、对空间的处理，以及龙凤的生动描绘，被视为中国山水画和人物画的滥觞。本节深入探讨了早期图像学中“宇宙图式”的建立过程。 三、 书法与绘画的初步关系 在秦汉，文字书写与图画描绘在工具（笔、墨）和技法（线条）上日益趋同。本章阐述了隶书的结构美如何影响早期的人物衣纹处理，为后世“书画同源”理论的形成奠定了历史基础。 第三章 魏晋南北朝：气韵生动与文人精神的觉醒 这一时期，玄学兴盛，佛教艺术传入并融入本土文化，为中国绘画注入了深刻的哲学内涵和审美高度。 一、 佛教造像艺术的中国化进程 佛教的传入带来了外来的形象体系，但中国艺术家迅速地将其本土化。从云冈、龙门石窟的造像，到敦煌莫高窟的早期壁画，我们考察“褒衣博带”的审美取向如何取代了早期印度造像的写实主义，形成了飘逸、灵动的“魏晋风度”。这股风气深刻影响了世俗绘画的面貌。 二、 顾恺之与“传神写照”的理论确立 顾恺之被视为中国人物画的鼻祖。本章重点分析《女史箴图》（摹本）的艺术成就。其“以形写神”的创作主张，标志着中国绘画从单纯的记事转向对人物精神世界的深度挖掘。线条的运用不再仅仅是勾勒轮廓，而是具有了内在的生命力，形成了“春蚕吐丝描”等独特的线条语言。 三、 早期山水画的萌芽 尽管尚未形成独立的画科，但山水元素在魏晋壁画中已开始占据重要位置。谢赫“六法”中的“骨法用笔”与“随类赋彩”，在这一时期得到了实践和理论上的升华。艺术家开始关注自然景物在表达主体情志中的媒介作用。 第四章 隋唐盛世：富丽堂皇与流派的初现 隋唐是中国封建社会的鼎盛时期，艺术风格雄浑博大，题材内容空前丰富。 一、 人物画的集大成者：吴道子与阎立本 吴道子被誉为“画圣”，其“吴带当风”的衣纹画法，标志着线条表现力的巅峰。本章详细剖析了其动态美与生命力的特征。而阎立本则以其端庄、工整的人物造型，代表了宫廷画院的典雅风格。他们的并存，展示了唐代人物画兼具写实与写意、豪迈与细腻的双重倾向。 二、 盛唐的世俗化与装饰性 敦煌壁画在唐代达到高峰，其色彩的绚丽、构图的饱满，体现了盛唐气象。同时，唐代金银平脱、螺钿等工艺技术对绘画色彩和装饰性产生了深远影响。 三、 青绿山水的开端：李思训父子 隋代李思训开创的“金碧山水”，以石青、石绿为主色调，注重线条的勾勒与矿物颜料的敷色，虽然带有较强的装饰性，却是中国山水画独立发展的重要里程碑。 第五章 五代两宋：院体规范与文人画的崛起 宋代是中国绘画艺术的黄金时代，官方画院体系成熟，而士大夫阶层参与绘画，使得“院体”与“文人画”两大主流并行发展，互相影响，最终确立了后世中国画的基本格局。 一、 北宋：气象万千的巨制与写实精神的极致 本章重点聚焦于北宋山水画的成就。范宽的《溪山行旅图》展现了北方山川的雄伟与“可行、可望、可游、可居”的审美境界。郭熙的《早春图》则在空间处理和笔墨运用上进行了革新。此外，对院体画的规范化，如巨幅山水的严谨构图，进行了详尽的分析。 二、 宋徽宗与院体画的“格物致知” 宋徽宗赵佶本人是杰出的画家和艺术理论家。他推崇的“格物致知”理念，促使花鸟画和界画达到了前所未有的写实高度。本章将分析徽宗时期院体画对细节的精确捕捉，以及其所体现的理性精神。 三、 苏轼、文同与水墨文人画的奠基 文人画的兴起标志着绘画主体精神的转向。苏轼提出“论画以形似，见与鄙人”，将绘画的价值提升至个人修养和学识的层面。文同（石苍舒）以墨竹开创了水墨写意的新路径，强调“胸有成竹”，将自然物象转化为表达主体心境的符号。 第六章 元代：复古、标格与水墨的成熟 元代，汉族知识分子在异族统治下，绘画成为他们寄托气节和表达隐逸情怀的主要途径。 一、 继承与反思：赵孟頫的复古主义 赵孟頫主张“作画贵有古意”，他提倡回归晋唐传统，在用笔和设色上追求典雅和遒劲，强调书法入画，对后世的审美趣味产生了决定性影响。 二、 元四家：水墨山水的正宗 黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家，将水墨语言推向成熟。倪瓒的“逸笔简淡”，以疏简空寂表达孤傲，是文人画精神的极致体现。黄公望的《富春山居图》则以温润的笔墨，将“皴法”运用推向炉火纯青的境界，奠定了江南山水画的基本范式。 第七章 明清：流派纷呈与艺术的世俗化 明清两代，中国绘画进入了风格多元化、流派林立的阶段，艺术中心南移，市民阶层的崛起也使得绘画更贴近生活。 一、 明初的“院体”余绪与吴门画派 明初“戴进”代表的“浙派”延续了院体的写实与雄健风格。而以沈周、文徵明为代表的“吴门画派”则继承了元四家的文人笔墨，强调雅逸与学养。 二、 中晚明的变革与世俗化 松江派董其昌提出的“南北宗论”，虽然在理论上强化了文人画的正统地位，却也促成了对前代风格的体系化梳理。同时，以唐寅、仇英为代表的“浙、唐、文、仇”，展现了院体与民间审美需求的交融，尤其是仇英工整富丽的青绿工笔，深受欢迎。 三、 清代的两极分化：正统与反叛 清初，四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）在官方和理论上占据主导地位，他们以摹古为旨归，强调笔墨的内化与程式化。与此同时，以“四僧”（石涛、八大山人）为代表的个性化探索，则以强烈的形式感和反叛精神，为中国画的未来指明了新的方向。石涛“一画论”和对笔墨的自由挥洒，极大地拓展了传统水墨的表现力。 结语 中国古代绘画史是一部不断探索线条、墨色与精神的史诗。从岩画的神秘符号到魏晋的气韵生动，再到宋元的笔墨精神，直至明清的流派纷呈，每一阶段都凝结着特定时代下的哲学思考与审美追求。本书旨在提供一个清晰的脉络，使读者能够掌握中国绘画从起源到近代的关键转折点与核心艺术成就。

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拿到这本书的那天，正是周末，我迫不及待地抱着它窝进了沙发里。这本书的开篇引言部分就非常有吸引力，它并没有直接枯燥地罗列书家和作品，而是通过一个引人入胜的故事，点出了宋代书法“尚意”的根本特征。我尤其喜欢书中对“意”的解读，它不仅仅是作者的情感，更是一种对人生、对宇宙的理解和感悟，这种将哲学思考融入书法的态度，让我觉得非常震撼。书中收录的案例非常丰富，从大家耳熟能详的“三苏”（苏洵、苏轼、苏辙）到鲜为人知的文人士大夫，都有涉猎。作者在描述作品时，用了大量的文学性的语言，比如形容王安石的书法“似龙蛇起伏，似风雨变幻”，这种描绘方式比单纯的技术分析更能触动人心。我还发现书中对不同书体的发展演变有详细的梳理，比如从唐代楷书的严谨规范，到宋代行草的奔放洒脱，其中的过渡和联系都阐述得非常清晰。这本书不只是给了我视觉上的享受，更在思想上给予了我启迪，让我看到了书法艺术背后深厚的文化底蕴和时代精神。

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这本书的版式设计我很喜欢，字迹清晰，图片精美，而且每页的留白都很适度，读起来一点都不费眼。我最看重的是它在细节上的处理。比如，书中不仅有对书法作品本身的分析，还穿插了大量关于宋代文人生活、交游、诗文创作的介绍。这让我觉得，这些书法作品并不是孤立存在的，而是生活在那个时代的大背景下，与文人的生活方式、思想观念息息相关。我特别注意到书中对宋代不同地域的书法风格差异的探讨，比如南宋的书法是如何在北宋的基础上又发展出了新的特色。作者的叙述条理清晰，逻辑性很强，虽然涉及的内容非常广泛，但整体给人的感觉却是井然有序。阅读过程中，我仿佛穿越回了那个繁华昌盛的宋代，与那些才华横溢的文人墨客神交。这本书不仅仅是一本关于书法的工具书，更是一扇让我得以窥探宋代文化、了解宋代文人精神世界的窗口。它让我体会到，艺术的魅力不仅仅在于技巧的精湛，更在于其背后所蕴含的深厚文化底蕴和时代精神。

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这本书与其说是书法鉴赏，不如说更像是一本关于宋代文人生活和精神世界的百科全书。我被书中对各个时期、不同书家及其作品的解读深深吸引。例如，在谈到蔡襄时，书中不仅分析了他端庄秀美的楷书，还提到了他在政治上的抱负和生活中的情趣，让我觉得书家不再是遥不可及的艺术符号，而是活生生的人。我尤其欣赏作者对于不同书体之间联系的阐释，比如宋代行书的发展是如何受到草书的影响，又是如何为后世的草书创作提供了新的可能。书中的图片质量非常高，很多都是我之前从未见过的珍贵墨迹，清晰的放大细节让我们可以近距离观察每一笔每一画的走势。我喜欢作者对每个作品的解读角度都很独特，有时会从历史事件入手，有时会从作者的个人经历出发，有时甚至会从当时的美学思潮来分析。这种多维度的解读方式，让我能够从不同的角度去欣赏同一件作品，也让我对宋代那个充满创造力和人文精神的时代有了更深的理解。这本书让我感觉到，书法艺术与整个时代的文化气息是紧密相连的，是时代的精神在纸上的投影。

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这本书实在太厚实了，沉甸甸地拿在手里，就有一种知识的厚重感。我花了将近一周的时间才初步浏览完，但依然觉得意犹未尽。作者在引言部分就抛出了一个很有意思的观点：宋代书法的“尚意”之风如何打破了唐代以来的尚法传统，这一论述为我打开了新的视角。我一直以为书法就是遵循一定的法度，但这本书告诉我，到了宋代，书写者更加注重表达个人的情感和意趣，即使是略显“不合时宜”的笔画，只要能传达出作者的内心世界，也能被视为佳作。书中列举了大量生动的例子，比如黄庭坚的《松风阁诗》，那狂放不羁的笔势，那种超然物外的洒脱，让人读后心潮澎湃。还有米芾，他的“刷字”之说，以及他对古帖的喜爱和模仿，都展现了他独特的艺术个性和对书法的深刻理解。作者的语言风格比较严谨，但又不失生动，偶尔会穿插一些历史轶事，让阅读过程不至于枯燥。对于我这种非专业人士来说，虽然有些理论性的阐述需要反复咀嚼，但总体而言，这是一本非常有启发性的读物，它让我对中国书法的发展脉络有了更清晰的认识，也对宋代书法的独特魅力有了更深刻的体会。

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我最近入手了一本关于宋代书法的书籍，虽然我不是专业的研究者，但对中国古代艺术一直抱有浓厚的兴趣。这本书的装帧很典雅，封面上的宋体字设计就颇具韵味，让人一看便知其内容。拿到书后，我迫不及待地翻阅起来，首先映入眼帘的是精美的印刷品，许多宋代名家的书法作品被高清复刻，即使是细微的笔触变化，也能清晰地呈现出来。书中的排版也很用心，每个字帖的旁边都配有简要的背景介绍，包括作者生平、创作年代、作品的特点以及在当时的历史背景下的意义。这一点对于我这样的普通读者来说尤为重要，它能帮助我更好地理解这些古老的墨迹，而不仅仅是将其当作一幅幅漂亮的图画。我尤其喜欢书中对苏轼、黄庭坚、米芾等大家作品的详细解析，那些行云流水般的笔墨，蕴含着怎样的情感和哲思，在作者的解读下，我仿佛能窥见书写者当时的心境。这本书给我最大的感受就是，书法不仅仅是文字的载体，更是情感的宣泄和个性的张扬，而宋代的书法，恰恰将这一点展现得淋漓尽致，充满了士大夫的雅趣和文人的情怀。

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宋代书法居然只收了一篇赵构的！！还这么贵摆明了让我买不起么！不过里面蔡襄的蒙惠帖写的真好，天气暄和，体履佳安。矮油下雨天也有了好心情。

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宋代书法居然只收了一篇赵构的！！还这么贵摆明了让我买不起么！不过里面蔡襄的蒙惠帖写的真好，天气暄和，体履佳安。矮油下雨天也有了好心情。

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上图//京东

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此书虽成于90年代，图片质量颇佳，只有几张图糊了，网上流传的不少宋人法书图片多翻拍于此。新版的故宫藏品大系·书法编据说都用了重拍的图，草草翻过元代两卷，图片尚可，体例陈旧，鸡肋而已，定价更是无耻。

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居然还有辛弃疾的墨迹，很意外