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出版者:石頭

作者:石莉

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005年05月24日

价格:NT$ 180

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isbn号码:9789579089548

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• 书法
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《烟波浩渺：宋代文人雅集与文化风尚探微》 内容提要 本书深入剖析了北宋中后期至南宋初年，以汴京和临安为核心的文人士大夫阶层所形成的独特文化生态与生活美学。全书不拘泥于传统的史传叙事，而是聚焦于精英群体在政治变动前后的精神转向、艺术追求以及日常交往模式，旨在还原一个立体、鲜活的宋代文人社会。 本书共分六章，由“雅集兴起”、“尚古之风与鉴藏热”、“书画的审美革命”、“诗文与笔记中的生活哲学”、“园林作为精神庇护所”以及“风尚的流变与士人的抉择”六个维度展开论述。 --- 第一章：雅集的勃兴：从政治沙龙到文化共同体 宋代，尤其是在徽宗朝前后，文人的社会角色发生了深刻的变化。随着科举制度的成熟和文官政治的巩固，士大夫阶层不再仅仅是治国平天下的工具，更成为了文化风尚的塑造者和生活艺术的实践者。本章探讨了“雅集”这一核心社交形态的起源与发展。 1.1 汴京的文化磁场： 详细考察了东京汴梁城内瓦肆、酒楼、私人府邸中定期或不定期举行的文化聚会。这些雅集不再仅仅是官员间的应酬，而是包含了诗歌唱和、书画观摩、古董品鉴乃至清谈玄理的复合型活动。我们通过对现存文献中对“觞咏之会”、“曲水流觞”等场景的描述，重构了当时的氛围，着重分析了这种集体创作如何推动了审美趣味的趋同与提升。 1.2 “清流”与“雅人”的身份构建： 雅集的参与者，即“雅人”，通过共同遵循一套隐晦的、高度程式化的行为规范来确立其圈层身份。本节分析了服饰、用具、谈吐中的“雅”与“俗”的界限，阐释了“风流蕴藉”如何成为衡量一位文人社会价值的重要标准，并探讨了这种身份构建对后来元明清文人社群的影响。 1.3 诗赋唱和的仪式感： 集中分析了雅集中的核心活动——即兴创作与相互评点。不同于唐代律诗的工整严谨，宋人的诗歌更注重个人情志的抒发和对日常细节的捕捉，并强调了“点染”和“意在言外”的技巧。通过对若干存世的雅集诗录进行比对，揭示了其集体创作中的相互启发与暗中较量。 --- 第二章：尚古之风与鉴藏热：对“古物”的迷恋与重塑 北宋中后期，文人对金石碑刻、青铜器、宋以前书画的推崇达到了前所未有的高度，形成了强大的“尚古”思潮。本章聚焦于这种文化怀旧主义的驱动力及其在艺术实践中的体现。 2.1 碑帖的政治哲学： 碑学（对古代石刻文字的研究）的兴盛不仅是书法艺术的回归，更是对周秦汉魏时代“淳朴”气象的向往，以此来影射和批判当时浮华的宫廷趣味。本节细致梳理了拓本的制作与流传，以及对特定碑刻（如《淳化阁帖》的意义）的权威化过程。 2.2 瓷器与器物的“人文精神”： 讨论了宋代文人对官窑（如汝、官、哥、定）的推崇，以及对“天青”、“秘色”等特定釉色的偏爱。这不仅仅是工艺的进步，更是一种对器物“自然之性”的尊重。本书通过考察文人笔记中对器物残损、窑变、光泽的描述，来解读他们如何将哲学的思考融入对物质的审美之中。 2.3 藏书楼的建筑与象征意义： 探讨了私人藏书楼（如岳阳楼、倦勤斋等）的形制与布局。藏书楼不再是单纯的储物空间，而是文人构建的“避世之所”和“精神内省空间”，是其文化资本最直观的展示。 --- 第三章：书画的审美革命：从“形似”到“写意”的跃迁 宋代绘画与书法领域发生了一场深刻的审美革命，即从追求客观物象的“形似”转向表达主体精神的“写意”。本章将这一转变置于文人自我意识觉醒的大背景下考察。 3.1 文人画的理论基石： 重点梳理了士大夫关于“笔墨趣味”、“应酬作画”的理论观点。着重分析了如何通过论述“诗中有画，画中有诗”来确立画家与匠人之间的区别，从而确立了“格调”高于技巧的评判标准。 3.2 水墨的语言学： 探讨了水墨媒介在宋代被推向极致的过程。水墨的晕染、浓淡干湿的变化，被视为最接近于中国哲学中“太极生两仪”的表达方式。本节通过分析山水画中树石皴法的象征意义，来解读文人对宇宙秩序的理解。 3.3 尺牍艺术的兴盛： 书法不再是单纯的实用工具，信札成为展示个人性情和学养的绝佳载体。本章分析了尺牍的结构、用纸、墨色的选择，如何成为一种微型的、私密的艺术作品。 --- 第四章：笔记与清谈：士人的日常生活哲学 宋代笔记的繁荣是文人阶层思想活跃的直接体现。这些文字记录了他们对政治、社会、风俗、乃至日常琐事的细致观察与深刻反思。 4.1 笔记体裁的多元性： 分类考察了宋代笔记的不同类型：如记载风俗见闻的《梦粱录》式记述，记录奇闻异事的志怪杂谈，以及大量反映士人日常起居的“闲笔”。 4.2 “清谈”的艺术与边界： 详细分析了在茶馆、酒楼中流行的“清谈”内容，主题往往围绕禅宗公案、易理推演或对前代贤哲的评判。这种谈话方式体现了文人在政治受限下，将智力活动转移至纯粹思辨领域的倾向。 4.3 饮食的仪式化： 宋人的饮食文化高度发达，但本书强调了士大夫阶层如何将“食”转化为一种修身养性的实践。从饮茶的器具、泡茶的步骤到对食物本味的追求，都渗透着对“简”、“雅”的执着。 --- 第五章：园林作为精神庇护所：人造自然的哲学空间 宋代私家园林的发展，标志着文人对自然与自我关系的深入探索。园林设计不再是宫廷的宏大叙事，而是高度个体化的精神投射。 5.1 “得一寸山水，便有一段性情”： 探讨了私家园林的设计理念，即如何通过有限的空间，模拟出无限的自然意境。重点分析了假山、理水、花木布局中蕴含的象征意义，例如对“幽深”与“曲折”的追求，是如何对抗外部世界的“开阔”与“直白”。 5.2 园林中的建筑： 分析了亭、榭、轩、斋等建筑的功能与名称。每一个空间都有其特定的文化指涉，例如“听雨轩”专为雨天冥想，“曲径通幽处”则强调了进入精神世界的艰辛过程。 5.3 园林与隐逸情结： 园林为士人提供了一个“半隐居”的场所，使其可以在不完全脱离社会的前提下，保持精神的独立性与高洁。 --- 第六章：风尚的流变与士人的抉择：靖康之变前后的文化心态 北宋末年，内忧外患加剧，这一剧变深刻地冲击了文人士大夫阶层。本章分析了文化风尚在“盛世的浮华”与“乱世的悲怆”之间的心态转变。 6.1 徽宗时期的文化巅峰与危机： 考察了宣和年间文化的高度繁荣（如艮岳的营造）与政治的衰败之间的悖论。这种极端的对美学的追求，在一定程度上是逃避现实危机的表现。 6.2 南渡后的文化重塑： 靖康之变后，原有的生活方式和文化中心彻底崩塌。本章探讨了南迁的士大夫如何将对故都的怀念融入新的艺术创作中，例如对“故国之思”的表达，以及在简朴中寻找新的审美支撑点。 6.3 坚守与变通： 讨论了不同群体在面对国破家亡时所做的抉择——是选择“高蹈远引”还是“出仕匡扶”。这些抉择最终塑造了南宋初年文人文化的不同面貌。 结语 本书旨在通过细致的文化剖析，为读者呈现宋代文人士大夫群体如何以其独特的生活哲学、艺术实践和审美趣味，构建了一个高度精致而又充满张力的文化世界，并探讨了这种文化风尚在历史转折点上所体现出的韧性与悲剧性。

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这套精装本的装帧实在太考究了，皮革的触感温润而沉稳，每一页的纸张都带着一股淡淡的墨香，仿佛能闻到那个时代的风雅气息。我特意在安静的午后，泡上一壶上好的龙井，慢慢翻阅。光是欣赏那些摹本和拓片，就足够让人沉醉。那些线条的起承转合，那种在宣纸上留下的飞白和浓淡变化，简直就是一场视觉的盛宴。特别是其中关于“刷书”技巧的详尽图解，那些关于笔锋的力度控制和墨量的拿捏，写得极其细致，即便是像我这样半路出家的书法爱好者，也能从中咂摸出不少平日里忽略的诀窍。这本书不仅仅是一部理论著作，它更像是一本可以被摩挲、被学习的艺术品。我甚至舍不得在上面做任何标记，只是小心翼翼地用铅笔在旁边的空白处记录下自己的临摹心得。它让我对中国传统美学中那种“不激不厉，自然天成”的境界有了更深一层的体悟，那种浑然天成的气韵，绝非一朝一夕的苦练所能企及，而是需要对生活、对自然有极高体悟的积累。这本书无疑为我提供了一扇直观感受古人精神世界的窗户。

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坦白说，我过去对很多关于古代艺术的书籍都有点敬而远之，总觉得隔着一层厚厚的“古董味儿”，读起来费劲。但这本书的语言风格却出奇地现代且富有感染力，它没有故作高深，而是用一种非常平易近人的口吻与读者对话。即便是涉及复杂的审美理论，作者也能通过贴切的现代比喻来阐释，让那些抽象的概念立刻变得具体可感。例如，当他描述一种“意在笔先”的状态时，用到了现代人理解的“心流”体验，一下子就拉近了与读者的距离。更难得的是，全书的论述充满了一种谦逊的探索精神，作者在展示自己深刻见解的同时，也始终保持着对历史的敬畏和对未知领域的开放态度。这种真诚的态度，使得阅读过程变成了一种愉快的、共同探索美的旅程，而不是单方面的知识灌输。读完后，我感到的是一种由内而外的满足感和被启迪的喜悦。

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我是一个非常注重实践反馈的人，单纯的理论对我来说总是有些空泛。这本书最让我惊喜的地方，就在于它对实践环节的重视程度。它不只是告诉你“应该怎么做”，更会告诉你“为什么这样做会产生那样的效果”。书中后半部分关于对不同载体（如绢、麻、竹简）进行创作时的应对策略，简直是实战宝典。它详细分析了材料的吸水性和韧性对笔法的影响，并且提供了大量的案例分析，展示了成功和失败的对比。我试着按照书中的建议，换了一种纸张进行练习，立刻体会到了那种“如履薄冰”的谨慎感，也明白了过去自己练习时总觉得别扭的原因所在——只是材料不匹配。这本书让我对“因材施艺”有了更深刻的理解，它教会我的不是一套固定的招式，而是一套灵活应变的思维框架。这对于希望真正将所学应用到创作中的读者来说，价值不可估量。

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这本书的结构安排非常有层次感，循序渐进，逻辑严密得像一座精心设计的园林。它首先从宏观上勾勒出那个历史时期的整体艺术脉络，让人对全局有所把握，不会一头雾水。紧接着，它才细致入微地深入到具体技法的探讨。最让我称赞的是，它对不同流派之间的异同进行了非常精妙的辨析，那种对细节的把控力，简直令人叹为观止。比如，对比甲、乙两家在用墨上的细微差别，普通人可能只会觉得“差不多”，但书中却能清晰地指出，正是这一点点差异，反映了他们人生哲学和处世态度的不同。这种将技术与哲学、艺术与人生深度结合的解读方式，极大地拔高了阅读的层次。我拿着书对照着其他一些零散的资料比对，发现这本书的考据工作做得极为扎实，很多细节都是第一次被如此系统地梳理出来。它真正做到了深入浅出，将复杂的艺术理论转化为了清晰可感的知识点。

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说实话，初看目录时，我有点担心它会不会过于学院派，充满了晦涩难懂的术语。但读进去之后才发现，作者的叙述方式简直像一位老茶馆里的说书人，娓娓道来，引人入胜。他没有生硬地堆砌典故，而是将那些历史事件、人物际遇和艺术风格的演变巧妙地编织在一起。比如，书中对某一时期文人雅士之间相互唱和、风格互相影响的描述，生动得仿佛能看到当时的场景。我尤其喜欢其中穿插的一些小故事，那些关于某位大家如何在困顿中坚持自己的艺术追求，或者如何因一场偶然的机缘而风格大变的情节，都极大地激发了我对历史和艺术的兴趣。它不像一本僵硬的教科书，更像是一部充满人情味的艺术史传记，让人在不知不觉中，对那个时代产生了强烈的代入感。读完后，我感觉自己不仅学到了知识，更收获了一份对那个时代士人精神风貌的深刻理解。

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