具体描述
古典藝術與巴洛克藝術間之基本差異何在？不同文化、不同時代背景下，看來似乎混亂的藝術發展，是否有一基本模式可依循？本書即針對這些問題，由沃夫林教授以五組對立的概念，客觀地檢視畫像的型態、性質與模式；例如：從線性到繪畫性的發展；從平面性到後退性的發展；從閉鎖形式到開放形式的發展……等五組比較類型之轉變。閱讀此本劃時代的鉅著將增加您對藝術資產的瞭解與樂趣。
作者简介
目录信息
读后感
古代，发展节奏不快。一个集体风格渐变很久。 当下，这些风格可以彼此变化，彼此共存，平均一个风格只能消费一周，都要学习。
评分作者观点很有研究。翻译太不符合国人思维，读起来太累。加上很多例子没图，太不推荐了！ 这本书还是考研大纲要求的呢，编得这么挫。看了很多艺术史的书反正国外翻译过来的都讲得拗口生涩，推荐外文好的原著一读。
评分书是去年看的，那时候因为考中国美术学院的史论系研究生考纲中有要求这本书。不过说实话，我就看了个开头，现在回忆起来，其实什么都没看懂，都忘了，不知道你们看懂了吗？ 值得肯定的是，用风格来分析各种艺术作品，使其更加单纯，这样可以更好的暴露出有些艺术本质上的传承、...
评分风格在历史当中变幻着，人类的文明史就是这样在演化着，积累到当代，丰富而美好的时代，我们都在享受着这样的文明财富。 科技帮助艺术展开翅膀，变化着丰富的内容，所有的风格演化是非常难以总结的，有许多画家的意志，有许多科技带来的灵感，学科之间也在互相影响着，人与人...
评分最近正在读这本书，感触甚多，本人有几点想说的。 一是研究视角值得关注，本书几乎是纯粹从形式、风格上来解释艺术（包括绘画、雕塑甚至建筑），这点尤其值得国内学者学习。毕竟艺术从形式上有其独特的发展规律。对研究中国绘画的同仁们来说值得好好琢磨琢磨，自己国家的东西是...
用户评价
我特别欣赏作者在探讨**20世纪抽象表现主义**时所展现出的**严谨的结构主义批判视角**。他没有简单地将波洛克的技术视为“行动绘画的狂热”，而是将其置于**二战后美国文化霸权的确立**这一宏大背景下进行审视。作者引入了**福柯的话语权力理论**，细致剖析了评论家克莱门特·格林伯格如何通过一系列权威性的文本建构，将这一流派塑造成“**西方艺术的终极形态**”。他用**冷峻的学术批判语言**，层层剥开了商业赞助、博物馆收藏以及评论界合谋下形成的“神话外衣”。这种对**艺术史“权力运作机制”的解构**，是全书中最具**颠覆性**的部分。它教会了我，看待一件艺术品时，必须同时关注**“作品本身是什么”和“世界如何决定它成为什么”**。这种**批判性的距离感**，使得全书的论述具有极强的**当代反思价值**，让人在面对任何艺术运动时，都能保持一份**清醒的审视态度**。
评分这本书的叙事风格在后半部分展现出一种**极度个人化和感性的倾向**，仿佛作者在午夜时分，对着一盏昏黄的台灯，写下了他对**印象派及其后继者**的深刻体会。他摒弃了冗长的技术分析，转而采用**意识流的笔法**来描述莫奈的《圣拉扎尔火车站》系列。他描述的不是光线的折射角度，而是“**蒸汽和人群的焦虑**，如何在画布上被瞬间凝固成一种**模糊而又永恒的颤动**”。这种描写方式，非常有效地拉近了读者与作品间的情感距离。更值得一提的是，他对**塞尚的立体主义探索**的解读，采用了**哲学思辨的维度**。作者将塞尚对物体的解构视为对**笛卡尔式主体意识的瓦解**，认为这不仅仅是形式上的革命，更是对**现代人主体性危机的首次视觉回应**。通篇阅读下来，你会感觉到一种**强烈的智性上的共鸣**，它提供了一种**极富启示性的解读框架**，引导你去感受艺术作品**内在的“情绪能量”**，而非仅仅是知识的堆砌。
评分这本书的开篇便以一种近乎诗意的笔触，带领读者步入了一场跨越千年的视觉盛宴。作者似乎并不急于抛出宏大的叙事框架，而是选择了一种更为细腻、更具人文关怀的切入点——聚焦于几件**早期文艺复兴时期佛罗伦萨画作**的局部细节。我记得其中一段描写了波提切利《维纳斯的诞生》中，海风吹拂下维纳斯发丝的动态感，那份轻盈与灵动，简直像是能透过纸面感受到微咸的空气。更令人称奇的是，作者并非停留在对技巧的赞美，而是深入挖掘了这些细节背后所蕴含的**人文主义思潮的萌芽**。他用极为**古典且严谨的学术语言**，结合**考据学的严谨性**，对照了当时美第奇家族的私人信件和市政记录，揭示出这件作品如何从一个宗教符号逐渐转向对**古典理想美的致敬**。阅读过程中，我仿佛置身于佛罗伦萨的工坊，亲眼目睹颜料的调和与笔触的落下。这种将艺术品**“物质化”和“语境化”**的处理方式，让原本冰冷的艺术史知识活了起来，展现出一种**深沉的历史厚重感**与**对个体生命价值的关怀**。它不是简单地罗列“谁在哪一年画了什么”，而是探讨“在那个特定的时代背景下，为什么他们要以这种方式去描绘世界”。这种对**“观看”行为本身**的深入剖析，极大地丰富了我的审美体验。
评分读完这本书的**中段部分**，我有一种感觉，作者仿佛化身为一位**经验极其丰富的策展人**，他带领我们跳脱出传统欧亚大陆的线性叙事，转而进入一个**充满碰撞与融合的全球视野**。特别是在讨论17世纪的**巴洛克艺术**时，他并没有局限于罗马或西班牙的宫廷，而是笔锋一转，深入到**新大陆的殖民地艺术**。他详细分析了几幅受**耶稣会士影响的墨西哥教堂壁画**，这些画作在主题上依然是宗教性的，但在色彩运用和人物造型上，却明显带有**阿兹特克或玛雅的本土审美基因**。作者用一种**近乎人类学的考察口吻**，探讨了“文化挪用”与“风格杂糅”的复杂性，质疑了西方艺术史长期以来对“纯粹风格”的执念。他的论述逻辑跳跃性很强，但又总能被**精准的视觉证据**所锚定，让人不得不跟随他的思路去重新审视那些被主流叙事遗漏的角落。这种**跨文化、跨地域的比较分析**，极大地拓宽了我对“艺术”定义的边界，让人意识到，所谓的“史诗般的进步”，往往是在无数**地方性知识和边缘实践**的交织中诞生的。
评分全书的收尾部分，处理得**非常克制且留有余地**，这使得整部作品在宏大叙事完成后，依然保持了一种**开放性和对话性**。作者选择聚焦于**当代艺术中的“装置与体验”**这一领域，但他的切入点非常独特——他没有讨论主流的威尼斯双年展，而是花了大量篇幅分析了**特定城市空间中昙花一现的“非物质性艺术项目”**。他通过描述一个艺术家在**废弃工业区**进行的**声音景观装置**，探讨了艺术如何从“凝视对象”转向“**环境参与**”。作者的措辞在这里变得**极其简洁、富有禅意**，仿佛在强调，当所有的物质媒介和既有风格都被耗尽之后，艺术的本质可能回归到**“在场”与“消逝”的辩证关系**。这种处理方式，避免了对当代艺术做出任何武断的定性或预言，而是提供了一种**谦逊的观看哲学**，让读者在合上书本时，依然能感受到一种**对未来艺术可能性的无限期许**，而非被僵硬的结论所束缚。
评分台湾版的，看起来又点累。语法和句式有些拗口。还是坚持看完了。
评分台湾版的，看起来又点累。语法和句式有些拗口。还是坚持看完了。
评分台湾版的，看起来又点累。语法和句式有些拗口。还是坚持看完了。
评分沃尔夫林从结构出发把艺术分为文艺复兴式和巴洛克式两类。他认为前者是线条的，后者是绘画的（painterly）线条的意味着图形和艺术品的外部轮廓清晰，绘画的表示艺术品的外部轮廓在光线和色彩的掩饰下是模糊的，在这种情况下光线和色彩成为艺术品的主要因素。文艺复兴时期的绘画与雕塑使用封闭式结构，具有对称平衡的图形或层面的结合，而巴洛克式则喜欢用开放式结构，非对称，往往将重点放在一幅画的角落而不是中心，甚至放在画外。前者的绘画同时是扁平的（凹隐的平面），多元的（由许多清晰部分组成）后者是纵深的，将视线引入背景；统一的，高度完成的。总之，文艺复兴时期的艺术品是清晰的，而巴洛克艺术品则是相对模糊，不鲜明的。沃尔夫林将这种演进归因于"观察方式"的变化，但这种变化很难说是纯生理的，最终又回到了齐默尔曼的理论。
评分沃尔夫林从结构出发把艺术分为文艺复兴式和巴洛克式两类。他认为前者是线条的，后者是绘画的（painterly）线条的意味着图形和艺术品的外部轮廓清晰，绘画的表示艺术品的外部轮廓在光线和色彩的掩饰下是模糊的，在这种情况下光线和色彩成为艺术品的主要因素。文艺复兴时期的绘画与雕塑使用封闭式结构，具有对称平衡的图形或层面的结合，而巴洛克式则喜欢用开放式结构，非对称，往往将重点放在一幅画的角落而不是中心，甚至放在画外。前者的绘画同时是扁平的（凹隐的平面），多元的（由许多清晰部分组成）后者是纵深的，将视线引入背景；统一的，高度完成的。总之，文艺复兴时期的艺术品是清晰的，而巴洛克艺术品则是相对模糊，不鲜明的。沃尔夫林将这种演进归因于"观察方式"的变化，但这种变化很难说是纯生理的，最终又回到了齐默尔曼的理论。
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