电子琴音乐教室5(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京环球音像出版社

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页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:30.0

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isbn号码:9787880588576

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• 电子琴
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键盘音乐的探索与实践：一部面向初学者的综合教程 《键盘音乐入门与基础技巧》 第一部分：开启键盘音乐之旅——基础认知与初步接触 本册教材致力于为零基础的键盘学习者搭建一个坚实、有趣且实用的入门平台。我们深知初学者的困惑与挑战，因此在内容编排上力求循序渐进，避免枯燥的理论堆砌，而是将理论知识融入到实际的演奏练习中。 第一章：认识你的乐器——键盘的结构与原理 本章将带领读者全面了解键盘乐器的基本构造。我们会详细介绍白键与黑键的排列规律，揭示八度的概念及其在键盘上的定位。通过清晰的图示和直观的解释，读者将迅速掌握如何准确找到中央C（Middle C）以及其他任何一个音符的位置。此外，我们还会简要介绍不同类型键盘乐器（如钢琴、电子琴、合成器）在发声原理和功能上的区别，帮助学习者建立对所使用的乐器有一个宏观的认识。理解了“地形图”，接下来的学习将事半功倍。 第二章：音乐的基石——音符、节奏与五线谱的初识 音乐世界由音高、节奏和力度构成。本章是理论学习的核心。我们将首先引入五线谱的基础知识，讲解如何识别五线谱上的音符位置，包括高音谱号和低音谱号下的基本音符。重点在于建立“音符名称”与“键盘位置”之间的即时对应关系。 在节奏方面，我们将从最基础的时值概念入手，讲解全音符、二分音符、四分音符和八分音符的分别代表的时值长度。通过配合节拍器的练习，学习者将培养起稳定的节奏感。我们引入了简单的拍号（如2/4、4/4），并设计了大量模仿日常步伐和心跳的节奏练习，让节奏学习不再抽象。 第三章：正确的开始——坐姿、手型与指法训练 正确的演奏姿势是长期学习的关键。本章将用大量特写照片和步骤指导，详细演示标准的坐姿：身体与键盘的距离、高度的调整，以及如何放松肩膀和手臂。 手型部分是重中之重。我们将重点训练“拱形手型”，强调手指的立体感和指尖触键的准确性。教程会配有针对性的手指独立性练习，例如“手指交叉练习”和“独立抬指练习”，这些练习旨在增强每个手指的力量和灵活性，为将来演奏复杂的和弦与音阶打下坚实基础。我们将引入标准指法标记（1-5指的标注）的概念，并要求学习者严格遵循。 第二部分：基础演奏技巧的构建与实践 掌握了基本乐理和正确的手型后，本部分将引导学习者开始真正的音乐实践，聚焦于单音的流畅演奏和基础音阶的掌握。 第四章：单音的连接——连奏与断奏的初步体验 本章开始实际的键盘触键练习。我们从最简单的同指重复（如两个八分音符用同一手指弹奏）开始，逐步过渡到连奏（Legato）的训练。连奏要求手指之间衔接得如丝般顺滑，气息连贯。我们将通过专门的乐句练习，教授如何平稳地换指，确保声音没有间断或重叠。 同时，我们将介绍断奏（Staccato）的基本概念，理解其如何通过手指的快速触键与抬离来实现。这两种基本触键方式是所有键盘音乐表现力的基础。 第五章：音阶与琶音的入门——构建音乐的“原材料” 音阶是音乐的骨架。本章将从最容易上手的C大调音阶开始，详细讲解其构成音和升降记号在键盘上的位置。我们提供的指法建议将是经过验证的最佳路径，确保在演奏时能够自然地“过指”或“穿指”。 学习者将分阶段练习：首先是单手音阶的稳定演奏，然后是双手同向、再到双手反向的对练。此外，本教程还会引入C大调三和弦的分解练习（即琶音的简化形式），帮助学习者熟悉和弦构成的内在逻辑。 第六章：简单的旋律与节奏组合练习 理论最终要落实到乐曲中。本章精选了大量专为初学者改编的短小精悍的练习曲和民谣片段。这些乐曲的特点是： 1. 音域集中：主要集中在中央C附近的几个八度内。 2. 节奏简单：多为二拍子或四拍子，节奏型不超过两个音符的组合。 3. 情感表达初步：通过对强弱（Forte/Piano）的简单标记，引导学习者体会力度变化对音乐情绪的影响。 例如，我们会分析一首简单的儿歌旋律，拆解其指法、节奏和对应谱号，让学习者体验“从看谱到演奏”的完整过程。 第三部分：扩展视野与自我提升 第七章：电子琴基础功能探索（以通用功能为例） 本章将侧重于电子琴（或带有基础伴奏功能的键盘）的初步操作。我们将讲解音色（Tones）的选择，如何从“钢琴音色”切换到“弦乐”或“管风琴”音色，理解不同音色对音乐氛围的塑造作用。 接着，我们将介绍节奏（Rhythms/Accompaniment）功能的启动与停止。学习者将尝试使用最基础的“节拍器”功能，并探索简单的“自动伴奏”功能，理解主旋律与背景节奏的配合，这是从独奏向合奏过渡的第一步。 第八章：视奏能力的培养与练习方法 视奏（Sight-reading）是键盘学习中最常被忽视却至关重要的一环。本章提供了一套系统的视奏训练方法： 1. 横向阅读：强调眼睛不跟随手指移动，保持对乐谱的整体把握。 2. 模式识别：识别常见的音符组合模式（如级进、跳进），而不是逐个识别音符。 3. 预读技巧：要求学习者始终比当前演奏的音符领先一到两个音符进行阅读。 我们提供了专门的“视奏小品”，这些小品故意设置了简单的技巧但要求快速阅读，以强化这种不看手的阅读习惯。 总结与展望 《键盘音乐入门与基础技巧》旨在为学习者提供一个全面、扎实且充满乐趣的起点。通过对基本功的严格训练和对乐理的逐步渗透，学习者将能够自信地应对更复杂的曲目。音乐的学习是一个持续探索的过程，本教程为您铺设了第一段坚实的道路。

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天哪，我最近沉迷于一本关于**古典钢琴演奏技法**的书，简直是打开了新世界的大门！这本书的作者对巴赫赋格的解析细致入微，每一个声部的处理都给出了非常独到的见解。特别是关于踏板的使用，书里详细对比了不同时期钢琴对延音踏板的适应性，还配有大量乐谱示例，手把手教你如何在浪漫主义作品中营造出那种如歌的旋律线条。我以前总觉得肖邦的夜曲弹得不够“呼吸”，读完这本书后才明白，关键在于对乐句重音和呼吸点的精准控制。它不是那种泛泛而谈的入门指南，而是真正深入到演奏核心的专业书籍。虽然有些理论部分需要反复研读，但一旦理解了，你会发现自己的演奏水平有了质的飞跃。我尤其喜欢它对“手指独立性”训练的讲解，提供了一套完整的练习序列，每天坚持下来，感觉手指的控制力变得前所未有的稳定和敏捷。这本书对任何想从“会弹”到“会唱”的钢琴学习者来说，都是不可多得的宝典。

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我最近为了准备一个关于**音乐市场营销和版权**的讲座，翻阅了大量商业书籍，但大多都过于聚焦于大众流行音乐的推广策略。然而，这本专门面向**独立古典音乐家和作曲家**的指南，为我们这些非主流领域的创作者提供了极具针对性的建议。它没有大谈特谈社交媒体的粉丝量，而是把重点放在了“利基市场”的开拓上。比如，如何有效地向大学音乐系、专业乐团的艺术指导、以及小型音乐节的策展人推介自己的作品，每一个步骤都写得极其详尽和务实。书中特别提到了“作品档案包”的制作标准，包括如何撰写引人注目的艺术家简介（Bio），以及如何选择最能代表自己风格的录音样本。它甚至还提供了一个关于“数字版权管理和授权使用费”的简明流程图，这对于不熟悉法律条文的音乐人来说，简直是雪中送炭。这本书的视角非常独特，它承认了古典音乐市场的特殊性，并提供了可操作的、低成本的推广方案，非常实在。

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说实话，我对**电子合成器音色设计（Sound Design）**的兴趣一直很浓，但市面上的教程很多都是针对某一特定软件或硬件的简单操作指南，缺乏系统性的、跨平台的底层原理讲解。这本关于**模块化合成器（Modular Synthesis）**的书简直是理论的集大成者。它没有直接教你如何扭动旋钮，而是从最基础的**振荡器（Oscillator）**波形产生原理开始，深入到**滤波器（Filter）**的各种拓扑结构（如梯形、状态变量）是如何影响音色的“个性”的。我最佩服作者的地方在于，他把复杂的数学概念（比如LFO的频率调制深度）用非常直观的类比方式表达出来，让你在脑海中能构建出一个清晰的信号流图。读完这本书，我不再是盲目地尝试组合，而是能带着明确的目的去设计声音——我想做一个更“金属感”的音色，我知道应该去调整哪个部分的共振峰值，或者如何使用包络发生器去塑造起音的速度。对于希望精通**ADSR包络**和**路由矩阵**的高阶用户来说，这是必备的“内功心法”。

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这本书，怎么说呢，简直就是我**现代爵士和弦理论**的救星！我一直对爵士乐那种即兴的、游刃有余的和声色彩很着迷，但传统的乐理书讲得太干巴巴了，公式一堆，听感上很难建立联系。但这本书的叙事方式非常“音乐化”，它不是直接给你一堆根音和三音五音的排列组合，而是通过分析迈尔斯·戴维斯和比尔·埃文斯那些标志性的乐曲片段，来“推导出”和弦的构成和功能。作者的功力深厚，他把复杂的延伸音（9th, 11th, 13th）和变化音（b5, #11, b13）的运用，讲得像是在调色一样，告诉你每一种音符的加入是如何给整体色彩带来微妙变化的。我最欣赏的是它对“和声进行”的哲学思考，强调和声服务于旋律和律动，而不是为了炫技。这本书的排版也非常注重实用性，很多例子都直接标注了指法和扫弦（拨弦）方式，让我能立刻上手在我的**电吉他**上尝试，那感觉，简直妙不可言！

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我最近在研究**早期音乐的演奏实践**，特别是文艺复兴时期的一些清唱和室内乐作品，找了好几本书，但很多都停留在文献梳理层面，缺乏实际操作指导。直到我发现了这本专注于**路特琴与维奥尔琴**演奏技巧的著作，我才感觉踏实了。这本书的重点在于重建那个时代乐器的演奏语感。它非常细致地讨论了指甲与弦的接触角度，对于演奏者来说，如何用最轻微的力量拨动出最干净的声音，书里有非常详细的图解。更棒的是，它花了一整章的篇幅讨论了当时记谱法的模糊性与演奏者的即兴自由度之间的平衡，比如关于装饰音的处理，提供了几种不同的历史语境下的演奏方案供参考。读起来感觉像是和一位经验丰富的老乐师在对谈，他不仅仅告诉你“怎么做”，更告诉你“为什么这么做”。对于希望深入理解巴洛克之前音乐的演奏者而言，这本书的价值是无法估量的。

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