PHOTOSHOP画漫画·入门篇、进阶篇 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北方妇女儿童出版社

作者:游素兰

出品人:

页数:174

译者:

出版时间:2005-3

价格:18.00元

装帧:平装

isbn号码:9787538524468

丛书系列:

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创意无限：数字艺术与插画完全指南 第一卷：数字绘画基础与工具精通 引言：开启你的数字创作之旅 欢迎来到数字艺术的广阔天地。在这个快速发展的领域，工具和技术日新月异，但核心的艺术原理始终不变。本书旨在为所有对数字绘画、插画、概念设计以及视觉叙事充满热情的初学者和有一定基础的创作者，提供一套系统、全面且实用的入门与进阶指南。我们聚焦于如何将传统绘画的精髓与现代数字工具的强大功能完美结合，让你能够高效、精准地表达脑海中的每一个奇妙构想。 第一章：硬件与软件生态系统解析 数字艺术的起点在于选择合适的“画笔”和“画布”。本章将深入剖析当前主流的数字创作硬件和软件生态，帮助你做出最适合自己需求的配置。 绘图板的选择与优化： 从入门级的感压笔到专业级的手绘屏，我们将对比不同品牌（如Wacom、Huion、XP-Pen）的核心技术指标，如压感级别、倾斜识别精度、屏幕分辨率和色彩覆盖率。重点讲解如何设置和校准设备，以达到最自然的握持感和笔触反馈。 主流绘画软件深度对比： 市场上有众多强大的绘画工具，如Clip Studio Paint (CSP)、Procreate（针对移动平台）、Adobe Photoshop（作为图像处理的基石）以及Krita等开源软件。本章将详细分析每款软件在线条绘制、色彩管理、图层系统、滤镜应用以及专业工作流程方面的独特优势与局限性。 工作空间搭建与效率提升： 讨论如何优化你的电脑性能，确保软件运行流畅。涵盖快捷键的自定义设置、界面布局的个性化调整，以及如何利用快捷键面板和轮盘工具来最大限度地减少鼠标操作，保持创作的连贯性。 第二章：基础绘画原理在数字环境中的应用 无论使用何种工具，艺术的底层逻辑是相通的。本章将数字艺术的实践建立在坚实的传统艺术基础之上。 线条的艺术：动态、粗细与质感： 探讨如何利用数位笔的压感变化来赋予线条生命力。练习不同速度和角度下的线条，区分“结构线”、“表现线”和“细节线”。学习笔刷设置中的“抖动修正”和“平滑度”参数对最终线条质量的影响。 光影与体积的构建： 深入解析光线的来源、种类（硬光与漫射光）及其对物体形态的影响。重点讲解如何通过设定高光、亮部、暗部、反光和投影，准确地塑造出三维的体积感。数字工具在模拟“环境光遮蔽”（Ambient Occlusion）方面的应用技巧。 透视学的实战应用： 无论描绘宏大的场景还是简单的角色特写，透视是空间感的基础。复习单点、两点和三点透视的绘制方法，并介绍在数字软件中如何使用“透视网格”或“消失点辅助线”工具来快速搭建准确的场景骨架。 第三章：色彩理论与数字调色 色彩是情感的语言。本章将引导你从理论走向实践，掌握数字环境下的色彩搭配与氛围营造。 色彩心理学与氛围塑造： 分析不同色相、明度和饱和度组合所引发的情感反应。学习如何运用冷暖对比、互补色和邻近色来增强画面的视觉冲击力和叙事性。 数字色彩的混合与管理： 理解RGB与CMYK模式的差异，以及在数字绘画中“加色混合”的基本原理。探讨如何利用色相环、拾色器和色彩平衡工具进行精确的色彩选择和微调。 高级色彩应用：光效与环境色： 学习如何处理复杂的光源，如霓虹灯、火焰或月光，并精确地将“环境色”（环境光对物体表面的影响）融入到阴影和受光面中，使画面更具真实感和沉浸感。 第二卷：高级技法与专业工作流程 在掌握了基础操作后，本卷将专注于提升你的创作效率和作品的专业度，涉及角色设计、场景构建和后期精修。 第四章：图层系统的高效管理与混合模式 图层是数字绘画的骨架。本章将引导你超越简单的堆叠，将图层系统作为一种强大的非破坏性编辑工具。 非破坏性工作流程的建立： 强调“非破坏性”编辑的重要性，即在不改变原始信息的情况下进行修改。深入讲解图层编组、命名规范以及如何有效利用“参考图层”或“剪贴蒙版”来保持工作流的整洁有序。 混合模式的魔术： 详细解读“正片叠底”、“滤色”、“叠加”、“柔光”等常用混合模式的数学原理及其在不同应用场景中的效果。例如，如何使用“叠加”层快速增加画面对比度，或使用“柔光”层统一画面的光照基调。 调整图层与局部修改： 掌握色彩平衡、色相/饱和度、曲线和色阶等调整图层的用法。学习如何结合“图层蒙版”进行局部提亮、压暗或色彩替换，确保修改的精确性。 第五章：材质表现与笔刷定制 高质量的材质是区分专业与业余作品的关键。本章关注如何用数字笔刷模拟出丰富多样的表面纹理。 金属、布料与皮肤的质感模拟： 针对不同材质的物理特性（反射率、吸光性），分析其在光照下的独特表现。例如，金属的高光锐利、布料的褶皱细节和皮肤的光滑过渡。 笔刷的深度定制与管理： 告别预设笔刷的局限。本章教导读者如何根据自己的绘画风格，从零开始定制笔刷的形状、纹理、间距和动态属性。学习如何将照片或扫描的纹理导入并转化为可用的笔刷素材。 从线稿到上色流程优化： 探讨从“精细线稿”到“灰度铺色”再到“叠色”等多种上色流程的选择。重点介绍如何使用“填充工具”的优化设置，以及快速进行区域选区的方法，以提高上色速度。 第六章：场景设计与构图叙事 图像的吸引力很大程度上取决于其构图和叙事能力。本章将艺术理论与实际的场景绘制相结合。 经典构图法则的灵活运用： 讲解三分法、黄金分割、引导线、对称与非对称构图。更进一步，探讨如何打破这些规则以制造张力和视觉焦点。 景深与氛围营造： 利用“大气透视”（Aerial Perspective）原理，通过调整色彩的饱和度、对比度和细节清晰度，来表现物体与观察者之间的距离感，增强场景的立体感和空间深度。 叙事性视觉语言： 学习如何通过角色姿态、环境道具的摆放、光线方向等元素，在不使用文字的情况下，向观众传达故事的背景、情绪和冲突。 第七章：最终精修与输出标准 作品完成并非终点，恰当的后期处理和输出格式的选择至关重要。 锐化与降噪技术： 探讨在最终阶段如何使用“高反差保留”（High Pass）滤镜进行精准锐化，以增强细节清晰度，同时避免产生噪点。学习如何平衡画面细节与视觉平滑度。 色彩校正与风格统一： 使用“曲线”和“色彩查找表”（LUTs）对整幅作品的色调进行最终的微调，确保整体氛围的和谐统一。 专业文件准备与格式选择： 了解不同媒介（印刷、网络展示、动画/游戏贴图）对文件分辨率、色彩空间（sRGB vs Adobe RGB）和文件格式（TIFF, PNG, JPG）的具体要求，确保你的作品以最佳状态呈现给世界。 结语：持续学习与个人风格的形成 数字艺术是一个不断探索的过程。本书为你奠定了坚实的技术基础和理论框架，真正的进步来自于持续的实践、批判性的自我审视以及对新技术的开放态度。我们鼓励你将所学融会贯通，最终发展出独一无二的个人创作标识。

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说实话，我买过好几本号称是“Photoshop漫画教程”的书，但很多内容都停留在“如何使用橡皮擦工具”这种幼儿园级别的讲解上，要么就是直接跳到复杂的赛璐璐风格上，完全不考虑我的个人画风。而这套书，特别是《进阶篇》的部分，给我的感觉是“因材施教”的典范。它没有固守某一种特定的漫画流派，而是提供了一套灵活的“工具箱思维”。比如，它讲解了如何根据不同的线条粗细、边缘锐度，配合不同的笔刷设置，来实现日系、美漫乃至国漫中常见的不同线条风格。更让我惊艳的是关于“动态模糊与速度线”的章节，它不是简单地告诉你“画几条线”，而是结合了透视原理，教你如何通过图层混合模式和运动模糊滤镜，营造出符合物理规律的视觉冲击力。这种对细节的把控和对“为什么”的解释，远超出了普通操作手册的范畴，让我开始思考每一个技术选择背后的艺术意图。

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阅读完这两本，我最大的感触是，它们提供的是一套完整的“数字漫画创作工作流”，而不是零散的技巧集合。《入门篇》建立了流程的骨架——从草稿、线稿到上色基础，《进阶篇》则为这具骨架填充了血肉——精细的材质表现、复杂场景的光影处理以及最终的印刷输出准备。特别值得一提的是《进阶篇》最后关于“色彩管理和输出适配”的章节，这通常是很多教程会忽略的关键环节。书中清晰地解释了RGB和CMYK模式的区别，以及如何在PS中预设好漫画稿的色彩范围，确保最终印刷出来的成品不会出现色差过大的问题。这方面的知识对于想将作品实体化的创作者来说，简直是无价之宝。总而言之，这套书的价值在于，它不仅教会了“怎么做”，更重要的是教会了“为什么这么做”，让人在掌握技能的同时，也提升了对数字艺术的整体认知。

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相较于市面上很多动辄讲解上百种滤镜和复杂特效的书籍，《PHOTOSHOP画漫画·进阶篇》真正做到了“进阶”的精髓——它关注的是如何将技术服务于漫画叙事，而不是炫技。这本书的视角非常独特，它假设读者已经掌握了基础操作，转而深入探讨如何利用Photoshop的特性来提升漫画的专业度。我尤其欣赏其中关于“氛围感营造”的那几章。作者深入剖析了不同光照条件对人物情绪的影响，例如如何通过冷暖色调和对比度，微妙地传达出紧张、忧郁或欢快的气氛。这不再是简单的涂色，而是对视觉语言的精妙运用。此外，书中对网点纸效果的数字化处理技巧，简直是解放了传统漫画师的双手。它提供的不是生硬的现成素材，而是教你如何根据画面布局和透视关系，去创造出具有空间感的、符合原作风格的网点效果，这极大地提升了作品的质感和完成度。阅读这本书的过程，感觉就像是从一个“会画画的电脑用户”蜕变成了一个“懂得用工具讲故事的数字漫画家”。

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对于一个常年使用手绘板进行创作的人来说，我最担心数字绘画工具会让我失去“手感”。《入门篇》在这方面做得非常出色，它没有试图让你完全抛弃传统习惯，而是巧妙地搭建了数字平台与传统习惯的桥梁。比如，它详细对比了不同数位板的压感曲线在PS中的实际表现，并给出了微调建议，确保我能将手上的力道，准确无误地转化为屏幕上的线条粗细。它对“手绘扫描件优化”的流程讲解也极其实用，包括如何精准去除纸张纹理、如何调整线条的清晰度和灰度层次，使得扫描进来的草稿能迅速成为干净的线稿。很多教程会直接让你使用“钢笔工具”描边，但这完全扼杀了我的“笔触感”。这本书却推荐了利用特殊纹理画笔配合低透明度进行多次叠加，来模拟铅笔的自然堆叠效果，这让我找到了在数字环境下保留个人笔触的最佳平衡点。

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这本《PHOTOSHOP画漫画·入门篇》简直是为像我这样，对漫画创作心生向往却又对Photoshop这个庞大软件感到无从下手的新手量身定做的！我一直梦想着能把脑海中那些天马行空的点子变成清晰的线条和饱满的色彩，但每次打开PS，面对密密麻麻的工具栏和设置，我的热情立马就被浇了一盆冷水。这本书的厉害之处就在于，它没有一上来就抛出高深的理论，而是非常贴心地将复杂的流程拆解成一个个可以轻松消化的步骤。比如，它从最基础的画笔设置讲起，告诉你如何找到最适合手绘感的笔刷，而不是让你盲目地去网上下载一大堆不适用的资源。更让我惊喜的是，它对图层和蒙版的讲解极其生动，初看时还觉得有点玄乎的概念，通过书中那些贴近实际的案例，比如如何轻松修改人物的发色或者添加光影效果，立马就豁然开朗了。它完全不是那种干巴巴的技术手册，更像是一位经验丰富的前辈，手把手带着你从零开始，让你在每完成一个小练习时，都能获得巨大的成就感，这极大地巩固了我继续学习下去的信心。对于一个“小白”来说，能如此顺畅地跨过初期的畏难期，这本书的引导作用功不可没。

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我很讨厌游天后.

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所以我的PS竟然是漫画家教的…

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作为少女时期的最爱作家，都是5星。。

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我很讨厌游天后.

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入门书~