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出版者:Zzdap Publishing

作者:Jean Douchet

出品人:

页数:384

译者:

出版时间:1999-09

价格:USD 75.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781564660572

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 法国
• 新浪潮
• French New Wave
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《法国新浪潮》是一本深度探索二十世纪五六十年代席卷法国电影界的革命性运动的书。它并非仅仅是对一连串电影的罗列，而是对一个时代精神、艺术理念以及其背后复杂社会文化语境的深刻剖析。本书旨在为读者揭示这场艺术革新是如何颠覆了传统的电影制作模式，挑战了既有的叙事结构，并最终在全球电影史册上留下浓墨重彩的一笔。 时代背景：战后法国的艺术复兴与青年渴望 理解法国新浪潮，必须先回溯其产生的土壤。二战后的法国，经济逐渐复苏，但弥漫着一股沉重的反思与焦虑。在艺术领域，存在主义思潮盛行，强调个体的自由选择与存在的意义，这深刻地影响了当时的知识分子和艺术家。同时，年轻人对陈旧保守的社会体制和僵化的文化模式产生了强烈的反叛情绪。他们渴望表达更真实、更个人化的情感与视角，寻找一种能够与时代共振的艺术语言。 电影，作为当时最受欢迎的娱乐形式之一，在战后初期仍被传统的电影制作公司和固化的“导演中心制”所主导。这种模式往往冗长、昂贵，并且在内容上倾向于迎合大众口味，缺乏对现实生活的敏锐洞察和深刻挖掘。在这种背景下，一群年轻的评论家和电影爱好者，大多出身于《电影手册》（Cahydre du Cinéma）杂志，他们对传统电影的“椅上电影”（cinéma de papa）深恶痛绝，开始构思一种全新的电影美学。 《电影手册》的理论基石：作者论与现实主义的萌芽 《电影手册》在法国新浪潮的诞生中扮演了至关重要的角色。它不仅是新浪潮导演们的思想孵化器，更是其理论的输出平台。特吕弗、戈达尔、侯麦、夏布罗等评论家们，在杂志上发表了大量尖锐而富有洞见的影评文章。 其中，“作者论”（Auteur Theory）是他们理论的核心。他们认为，导演在电影创作中扮演着与作者在文学创作中同等的角色，电影的风格、主题、视角都应该体现导演个人的艺术印记和思想。这与当时将导演视为仅仅是执行剧本的匠人的观念截然不同。作者论强调导演的独特视角、个人风格以及对电影的整体控制权，将电影创作提升到了一种具有作者个性的艺术表达。 同时，他们对意大利新现实主义电影的推崇，也为新浪潮提供了重要的实践借鉴。意大利新现实主义以其对战后意大利底层人民生活的真实描绘，以及对非职业演员、外景拍摄、纪录片式的美学追求，深深打动了这些年轻的电影人。他们看到了用电影记录和反映现实的可能性，认识到艺术可以不依赖于华丽的布景和复杂的叙事，而是可以通过最朴素的方式触及人性的真实。 打破禁锢：新浪潮的电影美学与叙事革新 法国新浪潮最显著的特点，便是其对传统电影美学的彻底颠覆。他们大胆地挑战一切既定的规则，用一种近乎粗粝却充满生命力的姿态，展现了全新的电影可能性。 叙事结构的反传统： 新浪潮电影打破了线性、有始有终的传统叙事模式。他们常常采用非线性的时间结构，引入闪回、跳跃、未完成的结局，甚至直接打破第四面墙，与观众进行直接互动。这种叙事方式，更贴近现实生活的不确定性和随机性，也更能反映人物内心世界的碎片化与复杂性。故事的重点不再是情节的跌宕起伏，而是人物的内心挣扎、情感的流动以及对生活瞬间的捕捉。 拍摄手法的革命： 为了摆脱好莱坞式的精致与束缚，新浪潮导演们大胆采用肩扛式摄影机，进行手持拍摄，制造出一种晃动、不稳定的视觉效果，增强了电影的现场感和真实感。他们乐于在真实的外景地拍摄，拥抱自然光，放弃了摄影棚内的控制环境，使得电影画面充满了生活气息。剪辑方面，他们也敢于使用跳切、省略，甚至大量的长镜头，迫使观众去思考、去感受，而非被动地接受。 主题的解放与多样化： 新浪潮电影探讨的主题也变得更加大胆和个人化。爱情、失落、疏离、存在主义的困惑、青年人的叛逆、对社会规范的挑战，以及对电影艺术本身的思考，都是他们热衷描绘的对象。这些主题往往围绕着都市的年轻人展开，展现了他们在现代社会中的迷茫、挣扎与短暂的欢愉。他们不再刻意追求宏大的历史叙事或道德教诲，而是将镜头对准个体，挖掘那些微小而真实的生命瞬间。 角色塑造的颠覆： 新浪潮电影中的人物往往不再是传统意义上的英雄或反派，而是充满矛盾、不完美、甚至有些游离于社会边缘的普通人。他们行为动机复杂，情感表达直接而激烈，有时甚至显得冲动和难以理解。这种真实的、非理想化的人物塑造，拉近了观众与角色之间的距离，引发了更深层次的共鸣。 代表人物与重要作品：一次艺术的盛宴 本书将深入剖析法国新浪潮的核心人物及其代表作，每一位导演都代表着一种独特的风格和思想： 让-吕克·戈达尔（Jean-Luc Godard）： 作为新浪潮中最具实验性和革命性的导演之一，戈达尔以其充满哲学思辨、打破陈规的电影语言而闻名。《精疲力尽》（À bout de souffle）是他最具代表性的作品，以其大胆的剪辑、自由的镜头和对存在主义主题的探讨，成为了新浪潮的标志。他的电影充满了对社会、政治、文化的反思，以及对电影本身边界的不断探索。 弗朗索瓦·特吕弗（François Truffaut）： 特吕弗的电影则更偏向于对青少年内心世界和情感的细腻描绘。《四百击》（Les Quatre Cents Coups）是他半自传性质的作品，生动地刻画了一个叛逆少年的成长烦恼和对自由的渴望。特吕弗的作品充满了人文关怀和诗意，他擅长用温和而敏锐的视角，捕捉人物情感的微妙变化。 阿涅斯·瓦尔达（Agnès Varda）： 作为新浪潮中最重要的女性导演，瓦尔达以其独特的视角和富有社会意识的作品，为新浪潮注入了多元化的声音。她的《拾穗者》（Les Glaneurs）展现了对社会边缘群体的关注，以及对生活本身的深刻思考。瓦尔达的电影充满生命力、观察力和对女性身份的探索。 克劳德·夏布罗（Claude Chabrol）： 夏布罗的作品常常带有悬疑和惊悚的色彩，他擅长揭露中产阶级家庭的虚伪与阴暗。他的电影对人性中的贪婪、欲望和社会道德的沦丧进行了深刻的解剖。 埃里克·侯麦（Éric Rohmer）： 侯麦以其“道德故事”系列而闻名，他专注于描绘普通人在道德困境中的选择与挣扎。他的电影对话精炼，叙事冷静，对人物内心世界的细腻刻画，以及对社会伦理的深刻反思，都展现了他独特的艺术魅力。 本书还会探讨克洛德·勒卢什、雅克·德米等其他重要导演的作品，以及新浪潮对后续电影发展的影响。 遗产与影响：重塑电影语言的里程碑 法国新浪潮的影响是深远的，它不仅改变了法国电影的面貌，更对世界电影产生了革命性的冲击。 自由精神的传递： 新浪潮所代表的自由、反叛、勇于创新的精神，激励了世界各地的电影人去挑战传统的束缚，去探索更自由的表达方式。 电影语言的革新： 手持摄影、外景拍摄、非线性叙事等美学手法，逐渐被世界各地的独立电影人所借鉴和发展，成为现代电影语言不可或缺的一部分。 现实主义的深化： 新浪潮对现实生活的关注和对个体经验的挖掘，进一步推动了电影的现实主义潮流，使得电影更能够反映和介入社会现实。 对电影产业的冲击： 新浪潮的成功，证明了独立电影和低成本制作的可能性，为后来的独立电影运动提供了强大的推动力，也促使了传统电影产业对创作模式的反思。 《法国新浪潮》这本书，将带领读者穿越那个充满激情与创造力的时代，理解这场电影革命的深层动因、核心理念、美学特征及其在中国以至世界电影发展史上的不朽地位。它将是一次关于电影艺术、时代精神与人类创造力的深刻回顾与探索。

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这是一部充满时代烙印的影像志，它精准捕捉到了特定历史时期下，那一代年轻人特有的焦虑、躁动与对既有秩序的反叛情结。它没有试图去提供一个光明的未来愿景，也没有进行说教式的批判，它只是冷静地将那个“边缘人”的状态，用一种近乎冷峻的写实手法呈现出来。最让我心潮澎湃的是它对“自由”二字的探讨——那种看似无拘无束、四处游荡的状态背后，隐藏的却是更深层次的无根感和身份认同的危机。电影中的人物关系处理得极为疏离和功利，这反映了当时社会环境中人与人之间关系的一种异化。我特别喜欢那个长镜头，它几乎没有台词，只是跟随主角在巴黎阴冷的小巷中漫步，镜头语言沉稳而富有诗意，将那种“走投无路”的宿命感营造到了极致。它不是一部让人看得开心的爆米花电影，它更像是一面镜子，映照出我们内心深处那些不愿承认的、关于漂泊与疏离的真实感受。

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这部作品最成功的地方，在于它所散发出的那种无所畏惧的、近乎孩童般的天真与残忍交织的生命力。它没有复杂的历史背景铺垫，也没有宏大的主题宣言，它只是聚焦于一两个特定人物的日常琐碎和瞬间的冲动。我感觉自己像一个旁观者，目睹着他们如何用最原始、最本能的方式去应对生活中的每一个选择——无论是爱、背叛、还是对规则的漠视。它的对白简洁而充满张力，很多看似无关紧要的对话，事后回想起来却蕴含着极深的隐喻。特别是影片结尾的处理，那种开放式、充满不确定性的收尾，简直是神来之笔，它拒绝给出一个庸俗的结论，而是将“意义”的建构权完全交还给了观众。这种毫不留情的真实感，是当前许多过度美化现实的影视作品中所缺失的宝贵品质。看完之后，我感觉自己仿佛经历了一场精神上的“洗礼”，让我重新审视了自己对“叙事完整性”的执念。

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说实话，我一开始抱着非常高的期待去看这部作品，毕竟它在艺术圈子里名声斐然，但实际体验下来，我的感受颇为复杂。它更像是一次对既有电影语言的解构和戏仿，而不是一个完整、流畅的故事。我得承认，它的视觉风格非常大胆前卫，那种跳跃的剪辑和非线性的时间处理，在某些时刻确实能带来一种迷幻的、梦境般的体验。然而，这种“实验性”的堆砌，到了中段就开始显得有些失焦和自我放纵了。很多场景的留白过多，虽然留白是艺术的一部分，但在这里，我感觉更多的不是留给观众思考的空间，而是创作者词穷或者故意为之的“装酷”。我更倾向于那种能将先锋的表达和清晰的情感核心完美融合的作品，而这部作品，在我看来，更偏向于前者，导致它在叙事张力上始终无法积蓄到足够的爆发点。我更欣赏那些在打破规则的同时，还能确保观众能够跟上其精神脉络的作品，这部作品的门槛设置得太高了，以至于很多观众可能在理解其核心意图之前，就已经被其形式上的繁复劝退了。

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这部电影（*注：根据上下文，这里假定读者评价的是一部与“French New Wave”主题相关的电影或书籍，但评价内容需避开具体书籍内容*）给我的冲击力实在太强了，它像一记重拳，直接打在了我对于“电影叙事”的固有认知上。观影过程中，我不断地在思考导演到底想用这种碎片化、近乎纪录片式的处理手法来表达什么。那些冗长、似乎毫无意义的日常片段，穿插着突如其来的、打破“第四面墙”的直接对视，让人感到一种深刻的不适，但这种不适感却又无比真实，仿佛我们不是在观看一个虚构的故事，而是无意间闯入了某个真实人物的私密生活。摄影机总是摇晃不定，光线处理也极其粗粝，完全抛弃了传统好莱坞式的精致打光，这一点极大地增强了现场感和临场感。我尤其欣赏其中对主角内心挣扎的刻画，虽然没有大量内心独白或旁白来解释，但通过演员微妙的肢体语言和眼神交流，那种迷茫、疏离与反叛的情绪被传达得淋漓尽致。看完之后，我久久不能平静，那种萦绕在心头的，关于存在主义哲学和个体在社会结构中挣扎的探讨，久久未散。这无疑是一部挑战观众耐心，但最终会带来巨大精神回馈的作品。

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从技术层面上来讲，这部作品的制作水准，尤其考虑到其拍摄年代和相对有限的资源，绝对是令人惊叹的。它在摄影和声音设计上展现出的非传统美学，彻底颠覆了我对“电影感”的定义。很多场景的运镜，比如那些突然拉近、聚焦在某个物件或人物面部特写上的镜头，具有强烈的冲击力，仿佛要穿透银幕直接审视观众。声音的运用更是别具一格，那些环境音、城市的噪音被放大，与偶尔插入的、情绪强烈的爵士乐片段形成鲜明对比，营造出一种吵闹中的寂静和寂静中的喧嚣。然而，作为一部艺术片，它的叙事节奏掌握得有些过于随意，导致我在观看过程中不得不频繁地进行心智上的调整，以适应它时快时慢的步伐。我认为创作者在追求形式的极致表达时，稍微牺牲了叙事上的流畅性，使得它在艺术成就上很高，但在大众接受度上无疑是打了折扣的。它更适合那些对电影语言有深入研究的影迷或学者去品鉴。

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