The New Oxford History of Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford University Press, USA

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1957-12-31

价格:USD 307.50

装帧:Hardcover

isbn号码:9780193163010

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好的，这是一部名为《西方音乐的宏伟画卷：从古希腊到二十一世纪的演变与革新》的图书简介，全书共十卷，旨在为读者提供一部详尽、深入且富于洞察力的西方音乐史著作。 --- 《西方音乐的宏伟画卷：从古希腊到二十一世纪的演变与革新》 导言：声音的编年史 《西方音乐的宏伟画卷》是一部跨越近三千年历史的音乐史巨著。它不仅是文献的汇编，更是对西方文明核心精神与情感表达方式的深度挖掘。本套书拒绝将音乐史视为一系列风格的简单堆砌，而是将其视为一个有机整体，探讨了技术革新、社会思潮、宗教信仰、政治变迁乃至个体天才如何共同塑造了我们今日所听闻的音乐世界。 我们的叙事从声音的萌芽期开始，深入到巴洛克时代的对位精妙，穿越古典主义的结构完美，拥抱浪漫主义的个体解放，直至探索二十世纪至今多元并存的实验前沿。每一卷都力求在宏观的历史背景下，细致入微地分析关键作曲家、重要作品、核心理论的诞生与演变，以及音乐在社会结构中的实际作用。 第一卷：共鸣的源头——古代与中世纪的奠基（公元前600年—1400年） 本卷追溯了西方音乐的哲学根基。我们首先探讨古希腊“慕西克”（Mousikē）的理念，解析毕达哥拉斯的音程理论与柏拉图、亚里士多德对音乐伦理的思考，这些思想如何构成了西方音乐理论的DNA。 随后，我们将目光投向罗马帝国的衰落与基督教的兴起。中世纪早期，音乐的任务转变为侍奉神圣礼仪。本卷详细阐述了格里高利圣咏的形成与规范化过程，这是西方记谱法——纽姆（Neumes）得以发展的前提。 中世纪盛期是复调音乐的摇篮。我们聚焦于巴黎圣母院乐派（如列奥宁与佩罗坦），分析早期奥尔加农（Organum）的平行与自由发展。同时，本卷也深入探讨了世俗音乐，如游吟诗人（Troubadours）和游吟歌者（Trouvères）的歌曲传统，以及中世纪晚期出现的“新艺术”（Ars Nova），特别是纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）对节奏复杂性和清晰记谱的贡献，为文艺复兴的到来铺平了道路。 第二卷：人文主义的光芒——文艺复兴的和谐与多元（1400—1600） 文艺复兴的核心在于“人”的回归，这极大地解放了音乐的表现力。本卷首先分析了勃艮第乐派（如杜飞）如何将复杂的节奏和抒情的旋律融合。 随后，我们深入研究了法兰克-佛兰德斯乐派的黄金时代。约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的对位技艺如何达到巅峰，他的弥撒曲与经文歌体现了文本清晰度与音乐结构的高度统一。 本卷的核心部分在于对宗教改革与反宗教改革音乐的回应。马丁·路德的赞美诗运动如何简化并民主化了音乐，而特伦特会议后帕莱斯特里纳（Palestrina）的“纯净之声”如何成为天主教会音乐理想的典范。 同时，世俗音乐领域百花齐放：意大利的牧歌（Madrigal）如何通过“词曲关系”表达强烈的情感冲突；英国的假面剧（Masque）的兴起；以及鲁特琴音乐的精致化，标志着音乐创作从服务教会和宫廷向独立艺术形式的转变。 第三卷：戏剧的诞生与风格的革命——巴洛克早期（1600—1680） 巴洛克（Baroque）一词代表了繁复、夸张与情感的强度。本卷聚焦于意大利佛罗伦萨“卡梅拉塔”对希腊悲剧的复兴尝试，催生了歌剧这一全新体裁。蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）的《奥尔费奥》如何确立了主导旋律与乐队伴奏的“新音乐”（Stile Nuovo）模式。 我们探讨了“激情理论”（Doctrine of Affections）——即音乐如何系统地描绘特定的情感状态。通奏低音（Basso Continuo）的普及，为音乐织体带来了前所未有的稳定性和灵活性。 本卷还详述了清唱剧（Oratorio）和康塔塔（Cantata）的发展，以及早期协奏曲形式的探索。在德国，我们考察了布克斯特胡德（Buxtehude）等北德作曲家如何将意大利的炫技与德国的深刻精神性相结合，为巴赫的到来积蓄能量。 第四卷：对位与结构的高峰——巴洛克盛期（1680—1750） 本卷是西方音乐史上对位艺术的最高成就展示。我们深入剖析了巴赫（J.S. Bach）的综合天才，从《平均律键盘曲集》对十二平均律的最终确立，到《赋格的艺术》对复调可能性的穷尽探索。 在意大利，维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的协奏曲如何通过对乐队的划分和对位驱动的快速乐章，确立了协奏曲的经典三乐章结构。 而在英格兰，亨德尔（G.F. Handel）的创作则体现了巴洛克精神的宏大与公共性。他的清唱剧，特别是《弥赛亚》，展示了如何将意大利歌剧的戏剧性与德意志的虔诚精神完美融合，使其成为面向大众的音乐艺术。本卷也关注了法国路易十四宫廷音乐（如吕利）的严格规范化，以及装饰奏鸣曲（Sonata da Chiesa）与协奏曲的差异化发展。 第五卷：理性与清晰的时代——古典主义的构建（1730—1815） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向了清晰、平衡和自然。本卷考察了从洛可可风格（如拉莫）向早期古典主义过渡的“敏感风格”（Empfindsamer Stil）和“狂飙突进”风格（Sturm und Drang）。 海顿（Joseph Haydn）被誉为“交响曲之父”和“四重奏之父”。我们详细分析了他如何系统地确立奏鸣曲呈示部、发展部与再现部的范式，以及如何通过主题的有机发展来构建宏大结构。 莫扎特（W.A. Mozart）的创作则代表了古典主义在旋律、和声与戏剧张力上的完美统一。本卷细致剖析了他的歌剧（如《费加罗的婚礼》）中角色心理的刻画，以及他钢琴协奏曲中乐队与独奏者之间对话的精妙。 最后，本卷以贝多芬（Ludwig van Beethoven）的早期和中期作品为标志，展示了古典结构如何被拓展和个性化，预示着浪漫主义的到来。 第六卷：情感的潮汐——浪漫主义的觉醒与扩张（1800—1870） 浪漫主义音乐将作曲家的主观情感、想象力和对“无限”的向往置于中心。贝多芬后期作品中对个人命运的深刻介入，成为这一时代的起点。 舒伯特（Franz Schubert）如何将诗歌与音乐提升至前所未有的高度，使艺术歌曲（Lied）成为一种独立的艺术表达。肖邦（Frédéric Chopin）则几乎将所有创作都集中在钢琴上，开创了纯粹的钢琴浪漫主义。 本卷重点分析了“标题音乐”的崛起，特别是柏辽兹（Hector Berlioz）的《幻想交响曲》，它利用“固定音型”（Idée fixe）来描绘叙事。李斯特（Franz Liszt）不仅是钢琴演奏的革新者，他发明的“交响诗”（Symphonic Poem）也彻底改变了器乐叙事的方式。 此外，我们关注了德国浪漫主义歌剧的根基，以及早期民族乐派作曲家（如斯美塔那）如何将本国语言和民间旋律融入宏大叙事之中。 第七卷：理想与现实的冲突——晚期浪漫主义与民族主义的辉煌（1860—1910） 随着社会矛盾的加剧和技术的发展，音乐的体量和情感密度达到顶峰。瓦格纳（Richard Wagner）对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，通过导机动机（Leitmotif）系统和模糊调性，彻底颠覆了传统歌剧的框架。 约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）则代表了对古典主义传统的坚守，他通过精妙的室内乐和交响曲，在保持形式的同时注入了深刻的浪漫情感。 本卷详述了欧洲各地的“民族乐派”如何确立本国音乐的身份：俄罗斯的“五人团”如何从民间音乐中汲取力量；德彪西（Claude Debussy）对印象主义色彩的探索如何将音乐从柏林的厚重中解脱出来。 本卷的收尾聚焦于马勒（Gustav Mahler）的交响曲，它们是晚期浪漫主义的终极宣言，充满了对生命、死亡和宇宙的宏大哲学追问。 第八卷：边界的消解——二十世纪初的现代主义浪潮（1890—1945） 二十世纪伊始，音乐界经历了一场剧烈的“阵痛”。德彪西与拉威尔（Maurice Ravel）挑战了瓦格纳式的和声语言，追求声响本身的质感。 奥地利学派的核心是调性的瓦解。勋伯格（Arnold Schoenberg）的无调性探索，以及随后他发展出的十二音体系（Dodecaphony），标志着对西方音乐数百年来的核心原则的彻底背离。魏本（Anton Webern）和贝尔格（Alban Berg）在这一体系下的实践，则展现了其内在的逻辑严密性与表现力。 与此同时，伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的《春之祭》以其原始的节奏冲击力，震撼了音乐界，标志着“新古典主义”的萌芽。本卷也关注了美国音乐家如科普兰（Aaron Copland）如何在美国本土经验中寻找属于自己的声音。 第九卷：实验与多元化的战场——二战后的前卫音乐（1945—1980） 二战后的音乐世界进入了高度碎片化和理论化的阶段。本卷深入探讨了序列主义（Total Serialism）的极端化，例如布列兹（Pierre Boulez）如何将十二音原则扩展到节奏、力度和音色。 欧洲兴起了“电子音乐”的浪潮，具体标志是科隆的电子工作室，他们探索了纯粹的合成音色。与此同时，约翰·凯奇（John Cage）以其对“偶然性”（Indeterminacy）和“沉默”的哲学探讨，彻底挑战了“作曲家控制一切”的传统观念，极大地拓宽了音乐的定义。 在极简主义（Minimalism）的兴起中，拉赫林（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）通过重复的、细微变化的动机，创造出一种沉浸式的、冥想式的听觉体验，为对战后复杂理论的反思提供了一种新的可能性。 第十卷：全球化与数字时代的共生——二十世纪末至今的音乐景观（1980—当代） 本卷关注数字技术如何重塑音乐的创作、传播与消费。传统的高雅音乐领域出现了“新浪漫主义”的回潮，作曲家们开始重新审视调性与情感表达的价值，但其技术手段已是二十世纪的产物。 爵士乐、摇滚乐、电子舞曲等大众音乐形式在技术进步的推动下，与艺术音乐的界限变得愈发模糊。本卷将探讨声音景观（Soundscape）理论，以及作曲家如何利用采样、合成器和计算机算法作为主要的创作工具。 最后，本卷以全球化的视野审视当代音乐的特征：跨文化融合、音乐的即时性与“流媒体”文化对经典定义的冲击，以及在AI技术逐渐介入创作的背景下，对“原创性”与“作者身份”的持续追问。 --- 《西方音乐的宏伟画卷》旨在成为一部全面、权威且富有启发性的参考书，适合音乐学者、专业学生，以及所有渴望通过音乐理解人类历史与情感深度的普通读者。它提供的不只是事实，更是一种理解声音如何塑造世界的思维框架。

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以一个旁观者的视角来看，这本书就像是一部宏大叙事的小说，但它的主角是无声的旋律，它的情节是音符的交织。作者们以一种宏观的视角，审视了西方音乐自起源以来所经历的每一次变革和创新。我特别被书中对于音乐在社会中的角色变化的探讨所吸引。从最初宗教仪式中的一部分，到宫廷中的娱乐，再到如今成为一种独立的艺术形式，音乐的社会功能随着时代的发展而不断演变。书中也着重阐述了音乐美学观念的变迁，从古希腊追求和谐与秩序，到浪漫主义时期强调情感与个性，再到现代音乐的多元探索，每一次观念的转变都伴随着音乐风格的深刻变革。阅读的过程，仿佛是在见证一个古老而又充满活力的艺术形式如何在历史的长河中不断地自我革新和发展。书中的论述逻辑严谨，层次分明，即使是对音乐史不太了解的读者，也能跟随作者的引导，逐步理解其精妙之处。

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这本书如同一本宏伟的史诗，将西方音乐数千年的发展历程徐徐展开。从古希腊的音乐理论雏形，到中世纪格里高利圣咏的庄严神圣，再到文艺复兴时期复调音乐的精巧织体，作者们以扎实的学术功底，为我们勾勒出一幅幅生动的音乐图景。我尤其沉醉于对巴洛克时期音乐的深入剖析，那些极具表现力的对位技巧、华丽的装饰音以及宏大的赋格，在文字中跃然纸上，仿佛能听到维瓦尔第的四季在耳边回响，巴赫的教会康塔塔在灵魂深处共鸣。书中对于不同时期音乐风格的演变，作曲家们的创作思想，以及音乐与当时社会、文化、宗教等因素的紧密联系，都进行了细致而富有洞察力的阐述。对于我这样一位对古典音乐充满好奇的爱好者来说，这本书不仅是一次知识的盛宴，更是一场精神的洗礼。它让我对音乐的理解不再停留在表面的旋律和节奏，而是深入到其背后的历史脉络和人文精神之中。尽管篇幅浩瀚，但我从未感到枯燥，反而被其中蕴含的智慧和美感深深吸引，每一次翻阅都能有新的发现和感悟。

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这是一部百科全书式的音乐史著作，涵盖的范围之广，内容之详实，无疑是同类书籍中的翘楚。作者们对不同音乐体裁的界定，对音乐术语的解释，以及对音乐结构、和声、曲式的分析，都做得非常到位，既有学术的严谨性，又不乏给非专业读者的清晰指引。尤其是在讲解一些较为复杂的音乐概念时，作者们往往会辅以生动的比喻和具体的乐谱示例，使得抽象的音乐理论变得易于理解。我特别欣赏书中对一些相对“冷门”但同样重要的音乐时期和流派的关注，例如早期音乐的复调技法，以及一些被后人忽视的作曲家的贡献。这些内容极大地拓展了我的音乐视野，让我认识到音乐史的丰富性和多样性远超我的想象。这本书不仅是音乐学院学生的必读之作，对于任何一位想要深入了解西方音乐历史的读者来说，都是一份无价的财富。它提供了一个坚实的知识框架，帮助我系统地梳理了音乐发展的脉络，也激发了我继续探索更广阔音乐世界的兴趣。

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翻开这本书，如同走进了一个充满惊喜的音乐宝库。作者们以一种极其严谨又不失趣味的方式，带领我们探索了从原始社会敲打石块、吟唱的歌谣，到近现代各种实验性音乐的诞生。我印象最深刻的是关于浪漫主义时期音乐的章节，那些饱含深情的旋律、磅礴的情感宣泄，以及作曲家们对个人情感的极致表达，都通过作者精准的文字得到了淋漓尽致的展现。肖邦那忧伤而又充满力量的夜曲，贝多芬那挑战命运的交响曲，瓦格纳那史诗般的歌剧，书中对它们的分析都让我受益匪浅。更让我着迷的是，书中并没有将音乐孤立起来讲述，而是巧妙地将音乐的发展置于更广阔的历史背景之下，探讨了技术革新（如乐器制造的发展）、政治变革、哲学思想等如何深刻影响了音乐的创作和传播。这种多维度的视角，使得音乐不再是冰冷的符号，而是鲜活的生命，承载着时代的精神和人类的情感。阅读这本书的过程，就像在进行一场穿越时空的音乐对话，与无数伟大的心灵进行思想的交流，其深度和广度令人叹为观止。

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这本书的阅读体验，与其说是阅读，不如说是一场深度的沉浸式体验。作者们并非简单地罗列事实和年代，而是以一种充满激情和洞察力的方式，解读音乐是如何反映和塑造人类文明的。我被书中对音乐与文学、绘画、戏剧等其他艺术形式之间相互影响的论述深深吸引。例如，歌剧的发展如何与戏剧的进步紧密相连，印象派音乐又如何受到绘画技法的影响。书中对音乐传播方式的演变也进行了详尽的描述，从口头相传到乐谱印刷，再到唱片和数字媒体的出现，每一次传播方式的改变都极大地影响了音乐的普及和发展。这本书的深度和广度，使得它不仅仅是一部音乐史，更是一部关于人类创造力、情感表达和文化传承的恢弘画卷。它让我对音乐有了全新的认识，不仅仅是耳朵的享受，更是心灵的对话和对人类文明的深刻理解。

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