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出版者:Greenwood Press

作者:Berger

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1971

价格:USD 18.25

装帧:Hardcover

isbn号码:9780837152059

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 美国作曲家
• 科普兰
• 20世纪音乐
• 交响乐
• 歌剧
• 电影配乐
• 芭蕾舞曲
• 音乐史
• 艺术传记

赫伯特·范·卡鲁斯的《旋律的织体：二十世纪音乐的革新与回归》 内容提要： 这部厚重的音乐学著作，由著名音乐评论家赫伯特·范·卡鲁斯（Herbert van Carrow）倾力撰写，深入剖析了自德彪西晚期作品至二十世纪末，西方音乐在形式、和声、节奏以及美学取向上所经历的剧烈变革与深刻反思。本书并非一部简单的音乐史编年录，而是侧重于对核心创作理念和技术突破的哲学性探讨。范·卡鲁斯以其犀利的洞察力，将这一百年间的音乐发展视为一场宏大的“现代性危机与重建”的实践。他系统梳理了从印象主义的色彩实验，到序列主义的理性建构，再到极简主义对时间与重复的重新定义，最终聚焦于后现代语境下风格融合与文化挪用的复杂图景。全书尤其强调了“声音的本体论”——即作曲家如何看待和处理声音本身的物理属性、感知结构以及其在听觉空间中的存在意义。本书的叙述风格严谨而富有激情，观点极具启发性，是理解二十世纪音乐复杂性的关键文本。 --- 第一部：破碎的传统与色彩的解放（1900-1930） 范·卡鲁斯开篇即立论：二十世纪音乐的起点，是对自巴赫以来主导西方听觉经验的“功能和声”体系的彻底决裂。他详细考察了德彪西对调性中心模糊化的尝试，指出这不仅仅是和声的扩展，更是对“时间流逝感”的重塑——音乐不再是朝着既定终点线性推进的建筑，而更接近于流动的、瞬时的光影捕捉。 紧接着，作者将焦点转向了表现主义的强音。在维也纳学派的早期探索中，范·卡鲁斯敏锐地捕捉到，勋伯格发展无调性（Atonality）并非简单的反叛，而是一种“不妥协的诚实”——是对十九世纪末期浪漫主义情感泛滥的拒绝，试图在极端的主观焦虑中寻找新的结构秩序。他花费大量篇幅分析了“十二音技法”的诞生。范·卡鲁斯认为，十二音体系的真正革命性不在于其序列操作的机械性，而在于它迫使作曲家从“功能关系”（如属和弦导向主和弦）中解放出来，将所有音高置于平等的结构地位，从而建构出一种全新的、非等级化的音高空间。 此外，本书还对比了伊戈尔·斯特拉文斯基在《春之祭》中展现的原始主义与节奏的革命。范·卡鲁斯指出，斯特拉文斯基通过将非对称的、不可预测的节奏模式引入到核心结构中，有效地“异化”了听觉体验，打破了传统乐段的预期模式，使节奏本身成为了主要的驱动力和意义来源。 第二部：理性与极限的追寻（1945-1960） 二战的结束，在欧洲催生了一种对“彻底重建”的强烈渴望。范·卡鲁斯将这一时期的音乐描述为一场“结构洁净运动”。他重点分析了达姆施塔特夏季课程（Darmstadt Summer Courses）的影响力，以及对序列主义（Total Serialism）的狂热追求。 作者认为，布列兹（Pierre Boulez）将序列控制的理念从音高扩展到力度、时值、甚至演奏技巧的每一个方面，是该运动的顶峰。范·卡鲁斯详细解析了布列兹《结构》系列作品，指出这种“全面序列化”的初衷是希望通过严格的数学逻辑来消除作曲家个人意志的干预，从而达到一种客观、纯粹的“组织艺术”。然而，他也尖锐地指出，这种极致的理性反而导致了作品的“过度决定”和听觉上的疏离感——所有的惊喜都被预先计算，所有的结构都变得晦涩难懂。 在同一章节中，范·卡鲁斯巧妙地引入了约翰·凯奇（John Cage）及其对偶然性音乐（Aleatoric Music）的探索。凯奇的哲学性介入，是序列主义理性主义的直接反动。通过掷币、易经或其他随机过程，凯奇试图将艺术的“目的性”降至最低，强调了“倾听的开放性”和声音环境本身的价值。范·卡鲁斯将此视为对西方音乐中心主义的一次根本性挑战：声音不再需要被组织，它只需被允许存在。 第三部：媒介、噪音与感知的回归（1960年代至今） 本书的后半部分探讨了技术进步对音乐制作与消费方式的颠覆性影响。电子音乐的崛起是不可避免的主题。范·卡鲁斯区分了早期具象音乐（Musique Concrète，侧重于记录和编辑已有的声音材料）和纯电子音乐（Electronic Music，侧重于从零开始合成波形）。他认为，录音技术不仅改变了作品的载体，更改变了作品的本质——音乐不再是转瞬即逝的“事件”，而成为了一个可以被精确复制和操纵的“对象”。 随后，作者将目光投向了极简主义（Minimalism）的兴起，特别是赖利（Terry Riley）、赖希（Steve Reich）和格拉斯（Philip Glass）的成就。范·卡鲁斯认为，极简主义是对前一个时代过度复杂化的补偿性反应。通过重复、细微的相位移动（Phasing）和缓慢的材料变化，这些作曲家重新激活了听众与时间的基本关系。作品不再要求分析性的智力投入，而是引导听众进入一种近乎冥想的状态，强调过程而非终点。他称之为“感官的回归”：音乐从头脑回到了身体。 最后，范·卡鲁斯总结了后现代音乐的多元面貌。他审视了新浪漫主义、语音学音乐以及跨文化借鉴的趋势。他强调，在信息爆炸的时代，作曲家最大的挑战不再是如何创造新东西，而是如何处理和激活浩如烟海的历史遗存。本书的结论部分，并未给出任何统一的答案，而是以一种开放的姿态，邀请读者认识到，二十世纪的音乐旅程，是一部不断在“结构与自由”、“理性与本能”、“噪音与音乐”之间进行动态张力的历史。 作者背景： 赫伯特·范·卡鲁斯（1932-2005）是战后欧洲最具影响力的音乐思想家之一。他曾在科隆师从布列兹，但后来以其对序列主义的深刻批判和对非西方音乐结构的吸收而闻名。他一生致力于弥合理论研究与实际演奏实践之间的鸿沟，他的著作以其严密的逻辑和对美学问题的直击核心而著称。本书是他生前最后一部完成的巨著，被公认为是研究二十世纪后半叶音乐思维的奠基之作。 适合读者： 本书适合所有对二十世纪音乐发展脉络有深入兴趣的专业人士、音乐学院学生、以及渴望理解现代艺术与技术交叉点的严肃乐迷。阅读本书需要一定的音乐理论基础，但其哲学深度足以吸引人文社科领域的学者。

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在阅读《Aaron Copeland》这本书之前，我脑海中已经有了一个关于这位作曲家的初步印象：他是美国音乐的“国歌”缔造者，是那个时代最受尊敬的音乐家之一。然而，我更希望这本书能打破这种相对刻板的印象，展现出Copland更丰富、更立体的层面。我很好奇，在他辉煌的职业生涯背后，是否也曾有过不为人知的挑战和困难？他是否在创作上遇到过瓶颈？他与同时代的其他音乐家，比如Ives，或者Stravinsky，在艺术观念上是否存在交集或分歧？这本书能否揭示出Copland的音乐思想是如何随着时代的发展而演变的？例如，他在早期作品中是否受到欧洲音乐的影响更深，而在晚期是否更加坚定地走向了民族化？我期待这本书能够提供一些超出寻常认知的见解，让我对Copland这位伟大的音乐家有更深刻、更全面的认识。

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我对《Aaron Copeland》这本书的兴趣，很大程度上源于他作品中那种独特的“美国性”。很多时候，一听到Copland的音乐，我脑海中就会浮现出辽阔的草原、古老的传说、以及美国西部拓荒的精神。这本书如果能深入分析Copland是如何通过他的音乐捕捉并表达这种民族精神的，那将是非常有价值的。我很好奇，他是否研究过美国民间音乐？他是否刻意去寻找能够代表美国大众的情感和体验的音乐元素？他作品中的那些鲜明的节奏、大胆的和声，以及充满戏剧性的旋律，究竟是如何协同作用，最终营造出那种气势恢宏又充满生活气息的艺术效果？我希望这本书能够提供一些关于他创作过程中的具体细节，例如他对某些乐器音色的偏爱，他对曲式结构的选择，以及他在编排上的独到之处。如果能借此机会，更深入地理解Copland音乐的“秘密”，那将是一次令人兴奋的阅读体验。

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对于《Aaron Copeland》这本书，我抱着一种探究性的期待。我对于他作为一位作曲家的技艺和创新是早有耳闻的，但让我更为好奇的是，这位音乐大师的个人生活和他的创作理念之间，是否存在着某种深刻的联系？他是在怎样的环境和思想潮流中孕育出那些充满力量与诗意的旋律？这本书能否展现出Copland的成长轨迹，他早期的音乐探索，以及他如何逐渐形成自己独特的音乐语言？我希望这本书不仅仅是枯燥的史料堆砌，而是能够通过细腻的笔触，勾勒出Copland作为一个鲜活个体的形象，他的喜怒哀乐，他的艺术追求，甚至是他可能经历过的挣扎与困惑。如果这本书能让我感受到他对音乐的热情，他对创新的渴望，以及他对艺术的执着，那么它就不仅仅是一本书，更像是一次与伟大灵魂的对话，一次深入音乐殿堂的朝圣。

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《Aaron Copeland》这本书，我希望它不仅仅是对一位作曲家生平的流水账式记录，而是能够触及到他创作的核心，以及他作为一位艺术家在社会文化中所扮演的角色。我尤其关心的是，Copland的音乐是如何影响和塑造了后来的美国音乐发展？他所开创的“美国音乐”风格，究竟是一种怎样的存在，又对后世产生了哪些深远的影响？这本书是否能提供一些案例，说明Copland的作品是如何被后来的作曲家借鉴或致敬的？另外，我也想了解，Copland本人是如何看待他的音乐在美国文化中的地位的？他对自己的艺术成就，是否有清醒的认识？这本书能否提供一些关于他接受采访、发表评论，或者与评论家互动的资料，从而让我们窥见他对自身艺术以及整个音乐界有着怎样的思考？我期待这本书能够提供一种具有洞察力的分析，让我看到Copland音乐的真正价值和历史意义。

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第一眼看到《Aaron Copeland》，书名就有一种庄重而熟悉的韵味。作为一个对音乐史略有涉猎的读者，Aaron Copland的名字本身就带着一种不容忽视的分量。我一直对二十世纪的美国音乐抱有浓厚的兴趣，而Copland无疑是那个时代最重要、最具代表性的作曲家之一。他的作品，无论是《平凡人的号角》、《墨西哥帽子舞》，还是《阿巴拉契亚之春》，都深深地烙印在美国的文化基因里。所以我对这本书的期待，不仅仅是了解一位音乐家的生平，更希望能借此深入理解他在那个特殊时代，如何用音符构建出属于美国独有的声音，以及他对美国音乐民族化进程所做出的卓越贡献。这本书是否能够带领我走进Copland创作的内心世界，去感受他如何从欧洲古典音乐的传统中汲取养分，又如何将其升华，最终创造出既有深厚底蕴又不失时代精神的美国音乐？我期待它能解答我的疑惑，并提供我未曾想过的视角。

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