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出版者:金城出版社

作者:（明）黄凤池　辑

出品人:

页数:344

译者:

出版时间:2013-1

价格:48.00元

装帧:精装

isbn号码:9787515506364

丛书系列:蜜蜂文库·诗词画谱

图书标签:

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好的，这是一部关于中国传统绘画艺术的著作的详细简介，完全不涉及《唐诗画谱》的内容： --- 《宋元山水画论析：从荆浩到倪瓒的笔墨精神》 内容提要 《宋元山水画论析：从荆浩到倪瓒的笔墨精神》是一部深入剖析中国宋代至元代山水画理论、技法演变及其精神内核的权威性学术专著。本书超越了传统的断代史叙述，着重于梳理宋元时期绘画理论家、文人画家们在笔墨运用、意境营造和人格修养方面所形成的复杂对话与传承链条。全书以宋代“格物致知”的美学思潮为起点，追踪至元代“士气”的勃发，系统考察了李成、范宽的浑厚壮阔，李唐、刘松年的院体精微，以及元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的平淡天真与萧散冷逸。 本书的核心价值在于其对“笔墨”二字的深度挖掘。作者不仅细致分析了历代画论中关于“用笔”“皴法”“墨分五色”的具体阐述，更将其置于当时的哲学、社会背景下考察。例如，本书深入探讨了宋徽宗的院体审美对写实精确度的要求如何与士人阶层追求的“抒写性”之间产生的张力，以及这种张力如何最终促成了元代文人画理论的成熟。 通过对大量一手文献——包括《宣和画谱》《图画见闻志》以及黄公望的《写山水诀》、倪瓒的题跋等——的细致考证和解读，本书构建了一幅清晰的理论演进图景。它揭示了画家们如何将对自然的观察转化为符合特定文化规范的“胸中丘壑”，最终实现了从“物象的再现”到“性情的抒发”的艺术范式转变。 第一部分：北宋：法度与胸襟的奠基 第一章：荆浩的“气韵”与“意匠”的初探 本章考察了五代至北宋初年山水画的理论基础。重点分析了荆浩在《匡庐记》中提出的“度不可及，法不可穷”的思想，揭示了其对“气势”和“笔墨法度”的强调，如何为后世巨碑式山水画设定了基调。 第二章：李成与范宽的北方山水图式 聚焦于李成“寒林图式”的笔法特点和范宽“崔巍”的结构处理。研究了“雨夹雪”的墨法在营造山体厚重感上的作用，并结合当时对“理学”的推崇，探讨了这种宏大、冷峻的审美趣味与宋代士大夫的修养观的契合之处。 第三章：院体画的规范与“格物致知”的美学实践 深入探讨了宋徽宗时期翰林图画院对绘画的专业化管理。通过分析院体的“界画”规范和对细微自然观察的重视，论证了院体画如何将艺术实践提升到“格物致知”的哲学高度，同时也分析了其在艺术自由度上的局限性。 第二部分：南宋：转折与内敛的意趣 第四章：李唐与刘松年的“斧劈皴”的力度 本部分着重于靖康之变后南渡画家的艺术转向。分析了李唐在用笔上的刚劲与简洁，以及刘松年对“界画”母题的继承与简化。探讨了在南迁背景下，山水画从宏大叙事转向对江南精致意境的捕捉的过程。 第五章：马远、夏圭的“边角式”构图与“一角两边”的哲思 专门研究了马远和夏圭所代表的“南宋院体”的创新。通过对“留白”技法（即“计白当黑”）的分析，揭示了他们如何用极简的构图来暗示无限的空间和情感的幽微，体现了宋代文人对“空”与“有”辩证关系的理解。 第六章：文人士大夫的画学自觉——苏轼、米芾的理论贡献 本书将苏轼“论画以形似为小人，论画以意为高”的观点置于关键位置。详细梳理了米芾在“风雨晦明”的即兴创作实践中，对“墨戏”和“天真烂漫”的推崇，标志着绘画主观精神的进一步觉醒。 第三部分：元代：士气的高扬与笔墨的自由解放 第七章：元四家的理论分野与“写”的回归 元代是山水画理论的黄金时代，本章聚焦于黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙四家的理论实践。探讨了他们如何共同反抗院体画的拘谨，强调“师法自然”与“师法古人”的统一。黄公望的“墨分五色”论在实际操作中的具体体现成为重点。 第八章：吴镇的“性情”论与“梅花道人”的象征意义 分析了吴镇作品中对儒、释、道三家思想的融合，特别是他如何通过笔墨的拙朴和对梅、竹、石的偏爱，构建起一个完全独立于世俗政权的“士人精神家园”。 第九章：倪瓒的“逸笔”与“无可奈何的净” 本书认为倪瓒的艺术达到了宋元美学的极致。详细解读了倪瓒画作中标志性的“折笔”“干笔”以及极简的构图。通过对其题跋中“萧散”、“自适”的关键词分析，阐述了其笔下荒寒景象如何成为对元代政治高压的无声抗议，即“士气”的最终体现。 第十章：王蒙的“积墨”与对传统母题的集大成 考察了王蒙如何将诸家之法融会贯通，形成“万点迷离”的繁密风格。分析了其在《青卞隐居图》等作品中对笔墨复杂性的追求，以及这种复杂性如何被视为对前代遗训的总结和致敬。 结语：宋元山水画论对后世的影响 本书最后总结了宋元山水画理论对明清及近现代中国画发展产生的深远影响，特别是对“笔墨精神”作为中国画核心价值的最终确立，以及士人画与民间画（院体遗风）之间持续的张力。 --- 本书特色： 1. 理论与实践的互证： 每讨论一项理论观点，均结合具体代表作品进行微观分析，确保理论不悬浮。 2. 跨学科视野： 充分引入宋代理学、禅宗思想对绘画笔墨论的塑造作用。 3. 文献考证严谨： 对主要画论文本进行细致的年代考证和释义，力求还原其历史语境。 适合读者： 中国美术史专业学生、山水画研究者、对中国古典美学有深度探究兴趣的普通读者。

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说实话，这本书的选材角度给我带来了极大的惊喜，它并非简单地将唐诗与现存的唐代绘画简单地并置，而是建立了一种更为深邃、更具启发性的关联。我原本以为这会是一本“图解”类的书籍，但它远不止于此。编辑团队似乎花费了大量精力去考证和梳理不同诗篇所蕴含的意境，并寻找那些最能捕捉其“气韵”的后世乃至近现代画家的创作。这种跨越时代的对话，极大地拓宽了我对唐诗理解的维度。例如，读到某首边塞诗时，书中配上的画作并非常见的塞外风光，而是以一种近乎抽象的笔触捕捉了诗歌中那种苍凉与孤寂，这种解读角度极其新颖，让我对原诗有了全新的体悟。这种“以画证诗，以诗释画”的编排逻辑，使得全书的阅读体验犹如走入了一个流动的、不断变化的光影迷宫，每一次翻页都是一次意想不到的审美邂逅。

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作为一位对古典文学有基础了解的读者，我最看重的是书籍内容的学术严谨性和引导深度。这本书在这方面表现得尤为出色，它并没有停留在简单的“名家名作”罗列，而是在导读和注释部分展现了扎实的功底。每一首诗的背景介绍、作者的生平片段，以及相关画作的创作年代、风格流派，都有清晰的脉络可循。更令人称道的是，它探讨了唐代诗歌审美如何反作用于后世的绘画理论和实践，这一点在许多通俗读物中是鲜少提及的深度议题。我特别喜欢其中关于“意境”在不同媒介中转化的分析，作者不仅指出了哪些技法最能表现“雄浑”，哪些色彩最能烘托“婉约”，还引用了许多古代文论来佐证其观点。读完后，我感觉自己对于如何“看”一幅画，如何“品”一首诗，都有了一套更系统、更具批判性的方法论指导，绝非浮光掠影之作。

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这本《唐诗画谱》的装帧设计实在是太令人惊艳了！从拿到手的那一刻起，我就被它沉甸甸的质感和雅致的封面深深吸引住了。纸张的选择非常考究，摸上去有一种温润的触感，油墨印刷的色彩饱满而不失细腻，即便是最细微的笔触和晕染，都清晰可见。我特别欣赏那种传统与现代审美完美融合的排版风格，每一页的留白都恰到好处，仿佛呼吸都有了空间。装订工艺也看得出是下足了功夫，即使频繁翻阅，内页也丝毫没有松动的迹象，这对于一本需要反复品读的画册来说至关重要。尤其是那些高清复制的画作细节，简直让人叹为观止，那些古代画师们在宣纸上留下的墨痕、皴法，仿佛触手可及，让人仿佛能穿越时空，与古人进行一场无声的对话。我甚至会花上大半天时间，只是对着其中几幅山水画出神，研究它们的光影处理和构图奥秘。总而言之，这本书本身就是一件值得珍藏的艺术品，它的物理形态完全提升了阅读体验，远超我预期的精美程度。

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初拿到手时，我对于“画谱”这个名字略感担忧，生怕它会流于表面，只是简单地展示一些古画的复制品。然而，深入阅读后才发现，这本《唐诗画谱》的野心和格局远超我的想象。它仿佛是一本精心策划的“视觉史诗”，它没有刻意去模仿唐代的画风，而是选取了那些在精神内核上与唐诗高度契合的艺术表达，无论是宋元的文人画，还是明清的院体，甚至是一些近现代大师对唐诗意境的现代诠释，都得到了包容和展示。这种跨越千年的艺术对话，让原本就博大精深的唐诗，在色彩、线条和空间感的维度上获得了全新的生命力。更重要的是，它成功地激发了我去寻找更多相关艺术作品的欲望，它不像是一个终点，反而像是一个宏大艺术殿堂的入门钥匙，引导我更深入地探索中国传统视觉艺术与文学的互动关系。

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这本书的阅读体验，与其说是在“看”画，不如说是在进行一场漫长的、沉浸式的“冥想”。那些被选入的画作，无论主题是月夜的江景、春日的园林，还是哲思性的山水留白，都带着一种让人心静下来的魔力。我发现自己不再急于翻到下一页，而是常常驻足于某一幅画前，仿佛能听到画中流淌的水声，感受到空气中弥漫的松香。这种感觉很难用语言精确描述，它更像是一种情绪的共振。书中的图文排版设计，巧妙地利用了视觉节奏感，时而是磅礴大气、铺满全页的巨制，时而又是精致小巧、与诗文紧密相嵌的边角装饰，这种张弛有度的节奏变化，极大地调动了读者的注意力，让人在视觉疲劳前就得到了适当的放松和转换。可以说，它提供了一种远离电子屏幕喧嚣的、纯粹的心灵慰藉和审美滋养。

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画一般，诗也选的中庸

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原书加地角释文，可惜释文用康熙字典体。

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有小错，瑕不掩瑜

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於圖書館中。

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於圖書館中。