祁彪佳与《远山堂曲品·剧品》研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国戏剧

作者:杨艳琪 著

出品人:

页数:220

译者:

出版时间:2007-11

价格:16.00元

装帧:

isbn号码:9787104026365

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好的，这是一本不包含《祁彪佳与〈远山堂曲品·剧品〉研究》内容的图书简介，旨在提供丰富详实的阅读体验，聚焦于中国古典戏曲理论、历史及相关文学艺术的广阔图景。 --- 《明清传奇声腔演变与文人戏曲创作群像》 一部回溯古典戏曲黄金时代的深度文献 本书聚焦于明清两代中国戏曲艺术发展的核心脉络，以宏大的历史视野和精微的文本考证，系统梳理了这一时期声腔体制的革新、剧目创作的流派纷呈，以及文人审美趣味的变迁。全书共分三大部分，近六十万字，旨在为研究者、戏曲爱好者及相关专业人士提供一套严谨而富有启发性的学术参照系。 第一部分：声腔体制的流变与地域性融合（约二十万字） 本部分深入探讨了明清之际，中国戏曲舞台上最为关键的变革——声腔体制的重构与定型。我们考察了昆山腔（昆曲）的成熟与鼎盛，并将其作为理解当时艺术巅峰的参照系。 一、 昆曲的南下与北播：体制的标准化与地方的适应 昆曲的“四腔”规范化： 详细分析了玉山雅集时期文人对昆曲声腔的精细雕琢，如何形成了对“水磨腔”的规范化书写与实践。通过对比不同抄本中的板式运用和曲词节奏，揭示其在不同地域（如南京、北京）演出时所产生的细微差异。 “南昆”与“北昆”的风格分野： 辨析了以张献翼、李玉和等为代表的南方文人创作群体，与王士祯、洪昇等北方文人（尤其在燕京）对昆曲的接受与改造。重点研究了“花部乱弹”兴起前夕，昆曲在宫廷与民间戏班中的“程式化疲态”现象，为后文的声腔革命埋下伏笔。 二、 花部声腔的勃兴与对文人戏曲的挑战 本书将大量的笔墨投入到“花部”——即以梆子、皮黄等地方声腔为主体的艺术形式的崛起过程。 梆子戏的地域扩散与音乐特征： 考察了由西北传入的梆子腔，如何在河南、山西、直隶等地发展出各自的独特面貌，例如著名的“道北乱弹”和“梆子腔的板式自由化”。分析了其粗犷的节奏与口语化的叙事方式如何满足了新兴市民阶层的审美需求。 皮黄的孕育与“二黄”的定型： 详尽梳理了黄梅调、高腔等声腔元素如何参与到皮黄腔的构建过程中。重点剖析了徽班进京前夕，艺人们如何在实践中探索出“二黄”的基本旋律框架，以及这些新声腔在剧目选择上对传统昆曲题材的反拨倾向。 三、 声腔融合的实验与过渡期的剧目探索 探讨了在昆曲向花部过渡的敏感时期，文人与戏班艺人共同创作的“串科戏”或“杂调戏”。通过对《长生殿》晚期演出本和某些民间传奇本的对比研究，揭示了声腔融合的初步尝试如何为后来的京剧定型提供了技术和审美基础。 --- 第二部分：明清文人戏曲创作的流派与思潮（约二十万字） 此部分将焦点转向剧作家群体及其背后的思想倾向，探讨了文人创作如何回应时代变迁，并形成了各自独特的审美旨趣。 一、 晚明“复古”思潮与“才子派”的式微 对“正始”的追寻： 分析了汤显祖之后，部分文人对唐宋传奇的复兴诉求。考察了如李昱、冯惟敏等作家，如何在继承汤派精微笔触的同时，开始尝试打破昆曲的过度拘泥，加入更多市井俗语和戏剧化的冲突。 “闺阁”题材的泛滥与审美疲劳： 通过对大量传奇怪本中女性形象的符号化分析，探讨了在晚明商业化浪潮下，戏曲创作如何陷入“才子佳人”的公式化困境，以及这种困境如何促使一部分作家转向社会批判或历史题材。 二、 清初“复社”余绪与戏曲的政治寓意 明遗民的“寄情”： 聚焦于清初入康熙朝的戏曲作家群体，如吴伟业、钱澄之等。研究了他们如何在戏曲中巧妙地融入对故国的怀念与对时局的隐喻，解析了他们如何利用历史剧和神魔剧的框架来承载沉重的政治情感。 洪昇与孔尚任的“史诗性”构建： 对《长生殿》和《桃花扇》这两座高峰进行了深入的个案分析。重点不在于其曲词的优美，而在于两位作者如何通过对历史事件的宏大叙事，实现了思想性与艺术性的完美结合，标志着文人戏曲对“大历史”书写的尝试。 三、 乾嘉时期“雅部”与“花部”的对峙与和解 “花部正宗”的宣言： 考察了以“花部”为创作核心的文人（如李斗、王有与）的理论主张。他们如何通过批判昆曲的“靡弱”和“晦涩”，确立了以“合辙”、“合口”为标准的地方戏创作规范。 徽班的“科班体制”与文人的合作模式： 分析了徽班在地方戏曲普及过程中，文人如何以“编戏师爷”的角色参与创作，这种基于商业和演出实际的合作模式，如何彻底改变了传统文人主导的创作流程。 --- 第三部分：戏曲的物质文化与社会传播（约二十万字） 本书的第三部分将视野拓宽至戏曲的社会实践层面，探讨了剧本、戏班、观众之间的复杂关系。 一、 戏曲抄本的流传与文本的“变异性” 抄本的刻印与校勘学： 梳理了明清戏曲抄本从手抄本到早期雕版印刷的发展历程，重点分析了不同版本（如朱素臣本、清早期民间刊本）之间的文字差异，揭示了这些差异背后所反映的演出实践或审美趣味的变动。 “戏目”的生命周期： 通过对特定剧目（如《牡丹亭》在不同时期的流行程度）的生命周期分析，探讨了戏曲文本在不同历史节点上如何被重新诠释、删改或“续写”。 二、 戏班的组织形态与城市娱乐的兴盛 班社结构与艺人的专业化： 详细描绘了清代城市中职业戏班（如徽班、乱弹班）的内部组织结构、艺人的行当划分（生旦净丑的早期形态）以及师徒传承制度。 城市剧场的兴起： 考察了明清时期城市中专业戏园子（如北京的广和楼、南京的秦淮水榭）的建筑形制，及其对戏曲表演艺术（如舞台调度、声场设计）的反向塑造作用。 三、 服饰、妆容与道具的符号学解读 程式化表演的视觉语言： 选取了“武生”、“正旦”等典型行当的服饰与妆容，分析其在清代逐步定型的过程。探讨了这些视觉元素如何成为观众快速识别角色身份和情节类别的关键符号。 “科班”与“帮派”的审美冲突： 通过对“文戏”与“武戏”在舞台表现上的不同侧重，揭示了不同戏曲流派在审美取向上对观众的吸引力差异。 本书以其扎实的文献功底和广阔的跨学科视野，为理解明清戏曲艺术从古典高峰走向近代转型的复杂历程，提供了一份不可或缺的深度指南。

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书中对于叙事结构的处理，体现了一种深沉而又克制的叙事智慧。作者似乎深谙如何在一堆浩如烟海的史料和文本分析中，搭建起一条清晰而富有逻辑的脉络。它没有采用那种大开大合、直白的论述方式，而是更倾向于层层剥笋，将复杂的历史背景和人物思想的微妙变化，用一种抽丝剥茧的方式展现出来。这种叙事节奏，初读时可能需要一些耐心去适应，但一旦沉浸其中，便会发现其内在的张力和深度。每一次转折和论证的过渡都显得自然而然，如同高明的棋手布局，每一步都算计周密，最终导向一个令人信服的结论。

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从整体来看，这本书展现出一种极强的学术视野和广阔的跨学科整合能力。它似乎不满足于仅仅停留在文学或历史的某一个孤立的角落，而是试图将所研究的对象置于一个更宏大的文化图景中去审视。这种视野使得论证的维度变得更加立体和丰富，读者在跟随作者的思索前行时，总能感受到一种不断开阔的境界。它提供的不仅仅是关于特定主题的知识，更是一种看待和理解传统文化遗产的全新方法论，极大地拓宽了我对相关领域研究深度的认知和思考边界。

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我特别欣赏作者在文本解读上所展现出的那种“在场感”。阅读过程中，我仿佛被邀请进入了一个充满争议与讨论的历史现场。作者并非仅仅是冷冰冰地陈述事实或引述前人观点，而是将自己作为一名严肃的探究者，与文本进行着一场跨越时空的对话。他对那些晦涩难懂的片段的处理尤其精彩，总能找到一个既符合时代语境又贴合现代理解的切入点，让那些被时间蒙尘的概念重新焕发生机。这种解读的力量在于它的穿透性，它不仅仅告诉你“是什么”，更深刻地揭示了“为什么会是这样”。

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本书的语言风格有一种独特的韵律感，这在学术著作中是难能可贵的。它既有古典文献所特有的那种凝练和古朴，又融入了现代学术探讨所需的精准和锐利。语句之间常常闪烁着思想的火花，一些长句的组织结构复杂却不失灵动，读来朗朗上口，令人精神为之一振。尤其在总结性的段落，那种掷地有声、引人深思的表达，让人读后久久不能忘怀，甚至会忍不住合上书本，独自回味其中的意蕴。这使得阅读过程变成了一种享受，而不是单纯的知识汲取任务。

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这部书的装帧设计真是令人眼前一亮，从封面到内页的排版，都透着一股雅致的书卷气。纸张的选择很考究，手感温润，阅读起来非常舒适。特别是那些引文和注释部分的格式处理，清晰明了，既尊重了原著的韵味，又保证了现代读者的阅读体验。看得出来，设计者在整体视觉呈现上花了不少心思，使得整本书不仅仅是知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品。尤其是对一些特定历史时期文献的复刻呈现，那种质感让人仿佛能触摸到过去的时光。整体来看，从拿到书的那一刻起，就能感受到一种对传统文化深深的敬意和细致的打磨。

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好多同道中人都是大名鼎鼎啊，冯梦龙、凌蒙初、张岱、孟稱舜。。。

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