中国设计全集 第17卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:商务印书馆

作者:李豫闽

出品人:

页数:348

译者:

出版时间:2012-10

价格:818.00

装帧:精装

isbn号码:9787100090384

丛书系列:

图书标签:

• 艺术、设计&画册
• *北京·商务印书馆*
• 设计史
• 中国设计
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• 建筑设计
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• 视觉传达
• 文化创意
• 设计作品集

好的，为您撰写一份关于《中国设计全集》系列中其他卷目的图书简介，重点突出其内容广度和深度，同时避免提及您指定的那一卷。 --- 《中国设计全集》系列：探寻中华文明的千年设计密码 《中国设计全集》并非一部孤立的工具书，而是一部浩瀚的、跨越数千年历史长河的中华设计文明的宏大叙事。它以系统性的梳理和精湛的图版呈现，旨在为研究者、设计师、历史学家以及所有对东方美学抱有热忱的读者，提供一个深入了解中国设计思想、工艺实践与审美变迁的权威性窗口。本全集通过对不同历史时期、不同地域、不同门类的设计遗产进行深入挖掘与权威解读，构建起一座立体的、可供参阅的“中国设计博物馆”。 该系列的价值，在于其对“设计”这一概念的广义界定。在中国传统语境中，设计并非仅限于现代意义上的产品造型或视觉传达，它渗透于建筑的结构肌理、器物的实用功能、服饰的礼仪规范，乃至园林的意境营造之中。全集将这些看似分散的领域，置于一个统一的美学框架下进行考察，揭示出中华民族独特的“天人合一”观、对秩序的追求以及对材料的深刻理解。 第一卷：史前与夏商周——文明肇始的器物语境 本卷聚焦于中华文明的摇篮时期，重点剖析了陶器、玉器、青铜器的设计语言。史前陶器上几何纹饰的抽象表达，体现了早期人类对自然符号的理解与转化。而进入青铜时代，随着礼乐制度的建立，礼器设计达到了第一个高峰。本卷详细解析了饕餮纹、云雷纹等复杂母题的象征意义，探讨了铸造技术如何影响器物的形制与装饰布局。这些早期设计不仅仅是实用工具，更是早期国家权力、宗教信仰与社会等级的视觉体现。设计在此阶段，承载着强烈的社会政治功能。 第二卷：春秋战国——诸子百家的碰撞与工艺的革新 这是一个思想活跃、技术飞速发展的时代。本卷深入研究了错金银工艺、漆器制作的精细化发展，以及对玉器雕琢技艺的突破。随着诸侯争霸，不同地域风格的设计开始展现出鲜明的个性。例如，楚国文化中那种浪漫、神秘、充满想象力的动物造型，与中原地区追求的严谨对称形成了有趣的对比。本卷侧重于材料与工艺的革新如何推动设计形态的演变，以及“士”阶层对审美趣味的影响。 第三卷：秦汉帝国——统一格局下的规模与气势 秦汉时期，国家的统一带来了对设计标准化和宏大叙事的追求。本卷集中展示了这一时期的建筑遗构（如夯土技术与早期砖瓦的成熟）、画像石与画像砖上的叙事性设计，以及汉代漆器的流行特征。汉代的器物设计往往强调对称、稳重和力量感，体现了帝国初建的磅礴气势。同时，本卷也探讨了丝绸之路开辟后，设计元素开始出现跨文化交流的早期迹象。 第四卷：魏晋南北朝——融合、清逸与文人审美的萌芽 这是一个动荡却又充满文化反思的时期。佛教艺术的引入，对中国传统造型语言产生了深远影响，尤其体现在石窟造像的设计上。本卷着重分析了佛教艺术如何被本土化，与本土审美进行对话。同时，文人阶层对“清雅”、“自然”的推崇，开始影响到日常器物如瓷器、铜镜的设计，出现了造型更为简洁、釉色更为内敛的风格，为后世的文人审美奠定了基础。 第五卷：隋唐盛世——开放、雍容与工艺的巅峰 唐代是中华设计史上一个极具自信和包容性的高峰期。本卷全面呈现了唐三彩、金银器、以及成熟的瓷器（如邢窑、越窑）的设计特点。唐代的造型设计，尤其体现在器物形制上，一洗前朝的内敛，转为丰满、圆润、气度恢弘的风格。器物上的纹饰大量吸收了西域、波斯等地的元素，体现了长安作为国际都会的多元审美取向。本卷也细致描绘了建筑彩画和园林艺术的初步定型。 第六卷：宋代——极简、理性与士大夫的精致生活 宋代是中国设计史上一次深刻的转向，从唐代的“盛大”转向“内敛的精致”。本卷的核心在于对宋代美学的深度剖析：对素雅釉色的极致追求（如汝、官、哥、定诸窑）、对自然形态的精确模仿（如花鸟纹饰的写实化）、以及对器物比例的几何化把握。本卷详细解读了宋人如何通过“点茶”、“焚香”等生活方式，将美学融入日常的每一个细节，展现了宋代设计的高度理性与文人气息。 第七卷：辽金元——多元并存与异域风情的渗透 本卷关注了非汉族政权对设计领域的贡献与影响。辽代的金饰、金箔工艺，金代的厚重粗犷，以及元代青花瓷的横空出世，都为设计史增添了新的维度。特别是元代青花瓷的装饰布局，其饱满的构图和强烈的色彩对比，标志着一种新的、更具叙事性的装饰风格的成熟。本卷梳理了这种多元文化交融下，设计语言的适应与创新。 第八卷：明代（上）：复古与程式化——传统体系的集大成 明代前期，设计带有明显的复古倾向，力图回归宋代的典雅与唐代的规制。本卷主要聚焦于永乐宣德时期宫廷御用器的设计语言，如永乐甜白釉的纯净、宣德青花的钴料运用。这一时期的设计注重规范化、程式化，工艺的严谨达到了前所未有的高度。本卷详细分析了这一时期家具设计的初步成熟，以及官营手工业的设计管理体系。 第九卷：明代（下）：世俗化与生活美学的张扬 中晚明时期，商品经济繁荣，设计开始从宫廷走向民间，市民阶层对生活美学的需求日益旺盛。本卷展示了嘉靖、万历时期民窑瓷器上大胆、繁复的装饰风格，以及文人家具（如黄花梨家具）的精巧结构。本卷深入探讨了小说、版画等新兴媒介对民间设计趣味的反哺作用，体现了世俗化背景下设计语言的解放。 第十卷：清代（上）：康乾盛世的精工细作与集权审美 清代设计在康熙、雍正、乾隆三朝达到了工艺的极致。本卷集中展示了珐琅彩、痕都斯坦风格瓷器以及清宫造办处的家具、玉器。这一时期的设计特点是追求“繁复入微”的细节处理、色彩的饱和度提升，以及中西合璧的装饰母题。本卷分析了中央集权对设计标准的制定，以及匠人技术达到了何种登峰造极的程度。 第十一卷：清代（下）：民间审美与地方流派的勃兴 与宫廷的精细化形成对照，本卷关注清代中晚期民间设计的活力。包括彩绘玻璃、通草画、以及地方性的民间建筑装饰。这一时期的设计，虽然在制作工艺上可能不及官窑，但其在色彩运用和生活气息的表达上更为自由奔放，是了解清代社会生活和审美趣味的另一重要侧面。 第十二卷：早期现代转型（1840-1949）：中西交融与民族设计的探索 本卷标志着中国设计进入艰难的转型期。在西方工业化设计思潮和产品涌入的冲击下，中国设计师开始反思传统，尝试将西方技术与中国审美相融合。本卷收录了民国时期的新式家具、早期现代平面广告的雏形、以及建筑学领域出现的折中主义风格，记录了中国设计师在追求“现代化”过程中的探索与挣扎。 第十三卷：新中国成立初期（1949-1978）：国家意志与实用主义 本卷聚焦于新政权建立后，设计如何服务于国家建设和意识形态的宣传。重点展示了早期宣传画、徽章、邮票的设计语言，以及家具、日用品的“简朴实用”风格。本卷分析了这一时期设计如何在中国传统元素与社会主义现实主义之间寻找平衡点。 第十四卷：改革开放初期（1978-1990年代）：回归与萌动 随着改革开放的深入，设计领域开始重新接触和学习国际前沿知识。本卷收录了这一时期工业设计教育的重建、平面设计的初步现代化尝试，以及大量带有时代烙印的“第一代”设计成果，展现了设计界在思想解放初期的激动与迷茫。 第十五卷：当代设计（1990年代至今）：全球化与本土化的高速对话 本卷涵盖了中国设计走向世界的历程。从建筑设计在国际舞台上的崛起，到服装、交互设计领域的飞速发展。本卷重点关注中国设计师如何在全球化的浪潮中，重新提炼和运用传统符号，实现具有本土文化根基的当代表达。 第十六卷：专题研究：中国传统工艺的材料与技术谱系 此卷作为专题支撑，系统梳理了中国设计得以实现的物质基础。涵盖了丝绸纺织技术、竹木雕刻的榫卯结构、天然矿物颜料的调制、陶瓷烧制的气氛控制等核心技术。本卷不以艺术史为纲，而是以工艺技术的发展为脉络，为理解设计成品提供了坚实的工程学基础。 第十八卷：专题研究：建筑与环境设计 本卷集中展示了不同历史时期中国建筑的规划思想、结构体系（如斗栱的演变）、以及城市布局的哲学内涵。从宫殿到民居，从古典园林到近代城市规划，探讨了空间设计中“藏风聚气”的理念如何影响居住环境的构造。 第十九卷：专题研究：图案、符号与装饰母题 本卷聚焦于视觉元素本身的研究，系统编纂了龙凤纹、缠枝莲、如意云纹、海水江崖纹等核心装饰母题的演变轨迹、地域差异及其象征含义，是研究中国传统纹样语言的必备参考。 --- 《中国设计全集》以其严谨的学术态度、详尽的图录资料和跨越时空的宏大视角，为读者构建了一个前所未有的中国设计知识体系。每一卷都如同打开一扇通往特定时代美学精神的窗户，共同构成了中华民族设计智慧的完整图景。

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啊，这本书，拿到手里就感觉沉甸甸的，满满的厚重感。我本来是冲着那种现代的、极简主义的设计去的，想找点灵感来改进我自己的工作室。结果呢，这本书里关于传统工艺的介绍简直是打开了新世界的大门！尤其是关于榫卯结构的图解，细致到让人惊叹，完全不是那种走马观花的介绍。我盯着那些精密的咬合图看了好久，简直能想象到古代匠人一刀一凿的专注。它没有过多地去探讨当代设计思潮的宏大叙事，而是沉浸在那些古老智慧的细节里。比如，有一章专门讲了江南园林的窗格设计，那种光影在不同时间投射到室内的变化，配上精美的摄影作品，简直是艺术品。我原本以为这种“全集”类的书籍会比较枯燥，但这本书的编排非常巧妙，历史脉络和具体案例穿插得恰到好处，让人在学习技术细节的同时，也能感受到设计背后的文化温度。我倒是希望它能多增加一些关于材料学在传统工艺中的应用分析，比如不同木材的特性和防腐处理的对比，那就更完美了。

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说实话，我借阅这本书主要是想找一些关于建筑室内设计中的“意境”营造方法。我对那种空灵、留白的处理非常感兴趣，总觉得那是中国审美里最精髓的部分。这本书确实在一些古代建筑的剖面图和空间布局上有很深入的探讨，尤其是对“借景”手法的分析，图文并茂，解释得非常到位。但是，在如何将这种古典的“意境”有效地转化到现代高密度城市住宅空间中时，指导性略显不足。它展示了很多传统的典范，但对于现代材料、现代生活方式的约束下的创新实践，着墨不多。我更希望看到的是，年轻设计师如何用清水混凝土、玻璃幕墙这些现代语汇，去重新诠释“曲径通幽”或者“天人合一”的概念。这本书的学术价值毋庸置疑，但对于追求实用性创新和前沿应用的设计师来说，可能需要配合其他更具实战性的书籍来阅读。

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这本书的装帧设计本身就是一种视觉上的享受，但内容上，我个人稍微有点意犹未尽。我期待的是能看到一些更具颠覆性的、打破常规的当代设计案例，比如一些跨界合作的成果，或者是关注社会议题的前沿设计项目。然而，这本书似乎更偏向于对中国设计史的一个全面梳理和收录，虽然严谨，但在“新”的冲击力上稍显保守。我翻阅了关于平面设计和信息图表的章节，里面的案例虽然经典，但很多都是我们设计圈里耳熟能详的“老面孔”，缺乏一些能让人眼前一亮的“黑马”作品。倒不是说这些案例不好，只是对于一个身处行业前沿，时刻需要新鲜血液的从业者来说，这本书更像是教科书般的巩固，而不是灵感爆发的催化剂。如果能有更多关于数字媒体艺术和交互设计在传统元素融合方面的探索，那会更加吸引我这样注重前瞻性的读者。

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这本书的字体排版和整体视觉设计确实达到了专业水准，阅读起来是一种享受，特别是在阅读那些长篇的历史背景介绍时，很少有跳脱感。然而，对于我这种业余爱好者，主要想了解的是设计背后的哲学思考，这本书的“设计理论”部分显得有点过于学术化和文献堆砌。它花了大量篇幅去考证某个纹样的起源、某个色彩体系的演变过程，这对于研究者固然重要，但对于想快速建立宏观认知的读者来说，显得有些过于琐碎和沉重。我更倾向于那些能用简洁的语言提炼出核心设计理念的书籍。比如，书中对“道法自然”在设计中的体现分析，我觉得如果能加入更多现代设计师对这个概念的解读和实践案例，而不是仅仅停留在对古代文本的引用上，会让这本书的接受度和趣味性大大提升。总体来说，它更像是一部精美的、面向专业研究者的工具书，而不是面向大众的普及读物。

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这本书最大的亮点无疑是其对非物质文化遗产中那些“手艺”的详尽记录。我特别喜欢其中关于漆器和陶瓷烧制工艺的插图，那简直是手工艺的教科书。各种釉色的细微差别，烧制过程中温度和气氛的控制，描述得极富画面感。这让我对“慢工出细活”有了更深刻的理解。不过，作为一本汇集了“全集”的图书，我发现它在近现代设计史的梳理上，特别是1980年代以后，国内涌现出的那些具有国际影响力的设计事务所和他们的代表作，介绍得相对单薄。似乎对近期的、正在发生的、并且已经走向世界的设计实践给予的关注度，不如对历史上的经典案例那么倾注心力。这种时间上的偏斜，让这本书在展示中国设计的完整发展脉络时，少了一段至关重要的、充满活力的当代篇章，略显遗憾。

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