Fashion & Surrealism pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Rizzoli

作者:Richard Martin

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:1990-7-15

价格:USD 35.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780847810734

丛书系列:

图书标签:

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Fashion & Surrealism：一场颠覆传统的视觉盛宴 在时尚的殿堂里，总有那么一些不甘平凡的设计师，他们以艺术为灵感，将日常的布料幻化成诉说奇思妙想的画布。而在所有艺术流派中，超现实主义无疑是最具颠覆性和想象力的那一个。它撕裂现实的表象，挖掘潜意识的深邃，将梦境、错觉和荒诞巧妙地编织在一起，创造出令人目眩神迷的视觉奇观。本书《Fashion & Surrealism》便是献给这场跨越时空的对话——时尚与超现实主义的激情碰撞，一场挑战认知、颠覆传统的视觉盛宴。 本书并非简单地罗列几件带有超现实主义元素的服装，而是深入剖析了超现实主义思潮如何深刻影响了现代时尚的设计理念、美学语言乃至品牌叙事。我们将一同探寻，那些大胆的剪裁、意想不到的材质、以及那些仿佛从梦境中跃然于T台的廓形，是如何汲取超现实主义的养分，从而打破常规，引领潮流。 一、超现实主义的起源与核心精神：潜意识的呐喊与现实的颠覆 要理解时尚与超现实主义的联系，我们必须先回溯超现实主义的源头。诞生于第一次世界大战后的动荡年代，超现实主义艺术家们对理性主义和传统价值观的幻灭，促使他们转向探索人类内在的、非理性的世界。弗洛伊德的精神分析学说，特别是关于梦境和潜意识的理论，成为了他们重要的思想武器。 超现实主义的核心在于“自动主义”——即在意识的控制之外，让思想自由流动，捕捉瞬间的灵感。这使得艺术家们能够跳脱逻辑的束缚，将看似毫不相关的意象并置，创造出令人惊讶和不安的画面。达利那融化的时钟、玛格丽特那用云朵覆盖天空的场景、马克斯·恩斯特那充满神秘生物的拼贴，无一不展现了这种对现实的解构和对内在世界的挖掘。 超现实主义的另一重要特质是对“偶然性”和“奇遇”的拥抱。它鼓励人们打破固有的思维模式，在日常的缝隙中发现惊喜，在平凡的事物中瞥见非凡。这种对偶然性的追求，与时尚界对新颖、独特和突破性设计的渴望不谋而合。 二、超现实主义的触角如何延伸至时尚领域 超现实主义对时尚的影响并非一夜之间，而是一个逐渐渗透、相互启发的漫长过程。从早期对奇特物件的挪用，到如今将超现实主义的哲学理念融入设计 DNA，时尚界一直在向这位艺术巨匠致敬。 1. 视觉符号的借鉴与重塑： 超现实主义艺术家们标志性的视觉符号，如眼睛、嘴唇、人脸、动物、钟表、镜子等，在时尚设计中屡屡出现。但设计师们并非简单地复制，而是将其进行解构、变形、放大或缩小，赋予其新的生命和意义。例如，一件礼服上印着一双巨大的、仿佛凝视着观者的眼睛，瞬间营造出一种窥视感和不安感；一条裙子上流淌着如融化糖浆般的钟表，则直接致敬了达利的经典意象，同时传递出时间流逝的哲学思考。 2. 材质的创新与混搭： 超现实主义打破常规的思维方式，也鼓励设计师们大胆尝试非传统的材质。将硬朗的金属与柔软的丝绸结合，将透明的塑料与厚重的皮革碰撞，将意想不到的工业材料运用到服装上。这种材质上的“错位”和“不协调”，恰恰呼应了超现实主义对现实表象的嘲弄，营造出一种既熟悉又陌生的视觉冲击。想象一下，一件由精心编织的金属丝制成的外套，或者一条由无数只塑料眼睛组成的裙摆，这些都是超现实主义在材质上的大胆实验。 3. 廓形与结构的颠覆： 超现实主义对现实的解构，也体现在服装的廓形和结构上。设计师们不再局限于人体工程学，而是创造出夸张、不对称、甚至扭曲的廓形，挑战人们对身体形态的认知。例如，那些拥有巨大、不合比例的肩部设计的夹克，或者那些仿佛漂浮在空中的裙摆，都展现了超现实主义对物理定律的戏谑。这种对结构和形态的重塑，不仅带来了视觉上的惊艳，也引发了关于身体、空间和穿着者身份的深刻思考。 4. 叙事性与概念性： 超现实主义作品往往带有强烈的叙事性，它们讲述着关于梦境、记忆、欲望和恐惧的故事。时尚设计同样可以承载叙事。超现实主义风格的设计，往往不仅仅是一件衣服，更是一个概念、一个故事、一个邀请人进入设计师内心世界的邀请。通过服装的细节、色彩的运用、甚至搭配的配饰，设计师们构建起一个完整的超现实主义语境，让穿着者成为这个奇幻世界的一部分。 三、代表性的设计师与品牌：超现实主义的时尚传道者 纵观时尚史，许多杰出的设计师和品牌都曾从超现实主义中汲取灵感，并将之发扬光大。 1. Elsa Schiaparelli：时尚界的超现实主义女王。 在20世纪30年代，Elsa Schiaparelli 便与超现实主义艺术家萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）和让·科克托（Jean Cocteau）等建立了深厚的合作关系。她将达利设计的龙虾图案印在礼服上，将抽屉式的设计融入上衣，将帽子设计成鞋子的形状。她的作品充满了玩味、大胆和令人意想不到的细节，将时尚提升到了艺术的高度，成为超现实主义在时尚界最直接、最著名的实践者。 2. 亚历山大·麦昆（Alexander McQueen）：暗黑与浪漫的超现实主义。 亚历山大·麦昆以其极具戏剧性、颠覆性和充满黑暗魅力的设计闻名。他的秀场充满着超现实主义的氛围，模特们如同从噩梦或童话故事中走出的精灵。他善于运用特殊的材质、怪诞的造型、以及与自然元素（如羽毛、昆虫）的结合，创造出既令人恐惧又引人入胜的视觉效果。他的作品常常探讨死亡、重生、性别和身体等深刻主题，用一种极具冲击力的方式表达了超现实主义对现实的解构和对情感的挖掘。 3. 薇薇安·韦斯特伍德（Vivienne Westwood）：朋克与荒诞的交响。 作为朋克时尚的教母，薇薇安·韦斯特伍德的设计充满了反叛精神和对传统权威的挑战。她将拼贴、解构、不对称等超现实主义的手法融入到她的作品中，创造出既具有社会批判性又充满艺术趣味的服装。她对历史元素的戏谑化运用，以及对身体表达的自由探索，都带有浓厚的超现实主义色彩。 4. 现代设计师的探索： 当代设计师们也在不断地从超现实主义中汲取灵感。例如，品牌JW Anderson 善于将日常物品与服装相结合，创造出意想不到的视觉效果；Loewe 在Jonathan Anderson 的执导下，也常常推出带有超现实主义趣味的系列，例如将毛绒玩具元素融入包袋设计，或者以抽象的雕塑感来诠释服装廓形。这些设计师们在继承超现实主义精神的同时，也在不断地探索其新的可能性，将超现实主义的奇思妙想融入当代的时尚语境。 四、时尚秀场：一场流动的超现实主义艺术展 如今，时尚秀场早已不再仅仅是展示服装的T台，更成为了一个承载叙事、构建情绪、释放创意的多维空间。超现实主义的精神，在时尚秀场的设计、灯光、音乐、甚至模特表演中得到了淋漓尽致的体现。 一场精心策划的超现实主义风格的时尚秀，可能让模特们仿佛置身于一个由巨型镜子组成的迷宫，或者在一个由充气雕塑构成的奇幻森林中行走。灯光的变化营造出梦境般的朦胧感，背景音乐则可能采用充满实验性和氛围感的音效。所有这些元素共同作用，将观众带入一个超越现实的感官体验。 五、结语：时尚与超现实主义的永恒对话 《Fashion & Surrealism》这本书，旨在邀请您一同踏入这场充满奇思妙想的视觉冒险。我们所呈现的，不仅仅是服装本身，更是隐藏在设计背后的哲学思考，是艺术家们对现实的挑战，是对潜意识的探索，是对人类想象力边界的无限拓展。 超现实主义精神，如同一种永恒的催化剂，不断地激发着时尚界的创新与突破。它鼓励我们打破常规，拥抱未知，在每一个不经意的瞬间，发现隐藏在现实之下的奇妙世界。本书将带您领略这场跨越艺术与时尚的宏大叙事，感受超现实主义如何以其独特的方式，重塑我们对美、对身体、对现实的认知。 让我们一同沉醉在这场颠覆传统的视觉盛宴中，感受时尚与超现实主义碰撞出的火花，体验那份令人惊叹的艺术力量。

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如果说大多数时尚书籍都是在教你如何“看”，那么《时尚与超现实主义》则是在教你如何“感受”和“质疑”。这本书的行文风格非常前卫，甚至可以说带着一种故作高深的姿态，但令人意外的是，它的内核却出奇地真诚。它避开了所有商业化的陷阱，直接深入到美学观念的最深处去挖掘。我尤其喜欢其中关于“物体拟人化”的章节，作者描述的那些被赋予了生命力的配饰，读起来完全没有违和感，反而觉得它们本来就该如此运作。这本书没有提供任何轻松的阅读时刻，每一个章节都像是对既有审美的一次小小的“审判”。它教会我的不是如何去模仿T台上的造型，而是如何去培养一种永不满足于表象的批判性眼光。读完之后，我发现自己对周围环境的感知都变得更加锐利和敏感，仿佛周遭的一切都在对我发出某种奇异的、非语言的邀请。

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这本书简直是一场精神上的探戈，进退之间，充满了令人窒息的张力。我最欣赏的一点是，作者并没有沉溺于学院派的术语堆砌，而是用了一种近乎诗歌的语言来构建论点。它探讨的并非是“什么流行”，而是“为什么我们会迷恋这种不合逻辑的美”。阅读的过程非常耗费脑力，因为它要求你不断地抛弃既有的逻辑链条，去接受一种纯粹感官刺激下的叙事方式。比如，书中有一章专门分析了某位设计师如何将日常生活中的“错位感”提升到了奢侈品的高度，那段描述之细腻，简直让人仿佛能闻到空气中那种金属和丝绸混合的奇异气味。这本书的论证过程充满了跳跃性，有时候你还在讨论达利的名画，下一秒就被拉到了米兰时装周的某个角落，这种强烈的对比，恰恰是其魅力所在。它迫使读者进行深层次的自我对话：我们到底在追逐什么？仅仅是布料和剪裁吗？

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《时尚与超现实主义》这本书，给我的感受就像是走进了一座迷宫，每一步都充满了意想不到的转折。作者似乎对服装设计有着一种近乎偏执的痴迷，但又巧妙地将其置于一个完全脱离现实的框架之中。我原以为这会是一本枯燥的理论分析，但读下去才发现，它更像是一场视觉的盛宴，用文字描绘出那些光怪陆离的景象。书中对材料的探讨，尤其是那些反常规的材质运用，让我大开眼界，它挑战了我对“美”和“实用性”的固有认知。书中引用了大量早期超现实主义艺术家的观点，但它们并不是简单地罗列，而是被巧妙地编织进了对当代T台现象的解读之中。读完后，我开始用一种全新的视角去看待那些平时我可能不屑一顾的T台造型，它们不再只是衣服，而是一种宣言，一种对社会规范的无声反抗。这本书的结构非常松散，但恰恰是这种松散，给了读者巨大的想象空间，让人忍不住在脑海中重构那些文字所构建的奇特场景。

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老实说，初读这本书时，我感到了一丝困惑，因为它似乎在刻意疏远“可理解性”。它更像是一本艺术家私密的手稿，充满了只有创作者自己才能完全体会的暗语。我花了很长时间才适应作者那种散漫、跳跃的叙事节奏，习惯于在那些看似毫无关联的段落之间，自行搭建起逻辑的桥梁。书中对颜色和光影的描绘，达到了令人惊叹的程度，仿佛作者的笔尖蘸满了油彩，直接在纸面上挥洒出那些迷幻的色彩组合。它没有给我提供清晰的结论或操作指南，相反，它提供的是一把钥匙，用来打开通往潜意识的后门。我尤其对其中关于“身体与服饰的界限模糊”的探讨印象深刻，那段文字仿佛在邀请我进入一个没有皮肤约束的维度，去感受纯粹的造型力量。这本书更像是一种催化剂，激发了我对造型艺术本身的敬畏之心。

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这本书的阅读体验极其个体化，它更像是一场单人沉浸式戏剧，舞台布景由文字构建，而观众（也就是我）必须自己去填充那些留白的情绪和意义。我惊喜地发现，作者在处理哲学思辨时，用了一种非常接地气却又异常精准的口吻，丝毫没有学究气。它没有给我任何关于“如何穿搭才能显得高级”的建议，这一点我非常赞赏。取而代之的是，它剖析了时尚背后那股驱动人类不断寻求新奇和怪异的原始冲动。书中对“重复性”的反感，以及对“瞬间永恒”的追求，被阐述得淋漓尽致。我感觉自己像是一个考古学家，在作者搭建的文本废墟中，挖掘着时尚符号破碎的碎片，并试图从中重建一个更加复杂、更加真实的文化图景。那些冗长但充满画面感的句子，读起来需要慢下来，像品尝一杯陈年的、带着一丝金属味的烈酒。

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太晦涩了,很多句子根本看不懂（主要还是自己废物。看得头疼,但是对超现几个特点的分类真的非常非常有用。

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groundbreaking

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