Music and Orientalism in the British Empire, 1780s–1940s pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Routledge

作者:Bennett Zon

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:2007-7-28

价格:GBP 115.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780754656043

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 研究
• 历史
• 东方主义
• ethnomusicology
• Music
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• 18th Century
• 19th Century
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• Postcolonialism

《乐音的凝视：帝国回响与东方想象》（Music and Orientalism in the British Empire, 1780s–1940s） 引言： 《乐音的凝视：帝国回响与东方想象》是一部深刻剖析音乐在塑造、传播和巩固大英帝国东方主义观念中所扮演的关键角色的学术著作。本书聚焦于1780年代至1940年代这一历史时期，通过对大量音乐文献、表演实践、乐器发展以及听众反应的细致考察，揭示了音乐如何成为连接帝国中心与边缘、构建“他者”形象、并反过来影响本土文化认同的重要媒介。本研究不仅梳理了西方音乐家如何捕捉、再现并“发明”所谓的“东方音乐”，更深入探究了这种音乐想象背后的权力关系、意识形态驱动以及其在帝国统治中的实际功能。 第一章：帝国序曲：音乐与早期东方主义的交织（1780s–1830s） 本章回溯至大英帝国东扩的早期阶段，探讨音乐如何与初露锋芒的东方主义思潮相互辉映。随着对印度、中东和远东地区日益增长的兴趣，英国的音乐家、旅行家和官员们开始接触并记录当地的音乐形式。然而，这种接触并非纯粹的音乐学探索，而是被当时占主导地位的欧洲中心论和等级观念所笼罩。我们审视那些早期的旅行笔记、奏鸣曲、歌剧选段以及为戏剧创作的配乐，分析它们如何在旋律、节奏、配器和主题上，将“东方”描绘成一个充满异国情调、神秘诱人，但也可能暗藏危险的“他者”。 例如，对东方乐器的描摹，如印度西塔琴（Sitar）或阿拉伯乌德琴（Oud）的音色，常常被刻意夸大或以欧洲化的方式重新诠释，以满足欧洲听众的猎奇心理。歌剧中的“土耳其进行曲”（Janissary music）的流行，便是将特定地域的音乐元素符号化、简单化的一个典型例证，服务于一种刻板的、戏剧化的帝国叙事。同时，本章也关注在帝国腹地，如伦敦、爱丁堡等地的音乐沙龙和音乐会上，这些带有“东方”色彩的音乐如何被呈现、接受和消费，以及它们如何参与构建一种关于帝国的宏大叙事，为殖民扩张提供了文化上的合理性。 第二章：音符中的殖民地：音乐表演与帝国统治的实践（1830s–1870s） 进入19世纪中叶，随着殖民体系的巩固和技术的发展，音乐在帝国统治中的作用变得更加具体和多元。本章深入研究殖民地内部的音乐实践，以及它们如何与帝国管理和文化同化政策相联系。我们会考察传教士带来的圣歌、军乐队在殖民地社会的角色、以及为迎合英国官员和殖民精英而创作的音乐。 在印度，英国人尝试引入西方的音乐教育体系，同时也在一定程度上“整理”和“规范”当地的古典音乐，试图将其纳入欧洲的音乐理论框架。与此同时，英国的乐器制造业也受益于帝国网络，东方的乐器设计元素有时会巧妙地融入欧洲乐器的制造中，但这种融合往往是单向的，以欧洲的审美和技术为主导。我们会分析此时期出版的音乐谱例，如描绘印度场景的交响诗、维多利亚时代流行的东方主题歌曲（“Oriental ballads”）等，揭示它们在音乐语言上如何强化或挑战当时的东方主义刻板印象。 此外，本章还会探讨音乐在帝国庆典、军事仪式和公共集会中的作用。军乐队的奏响，不仅是军事力量的展示，更是帝国秩序和文明象征的传播。这些音乐的统一性和规范性，也隐喻着帝国对被统治地区的统治和整合。 第三章：异域情调的诱惑：维多利亚时代的音乐想象与帝国咽喉（1870s–1910s） 19世纪后期，维多利亚时代的帝国扩张达到了顶峰，音乐中的东方主义想象也随之变得更加复杂和流行。本章重点分析这一时期涌现的大量音乐作品，包括歌剧、轻歌剧、舞剧、艺术歌曲以及音乐厅表演，它们是如何通过音乐和视觉元素的结合，营造出一种“异域情调”（exoticism）的氛围，并满足了帝国观众对遥远之地的好奇与幻想。 我们将分析理查德·施特劳斯（Richard Strauss）的《萨洛美》（Salome）等作品中对中东主题的演绎，以及吉尔伯特与沙利文（Gilbert and Sullivan）的轻歌剧如何巧妙地挪用东方元素进行讽刺与娱乐。音乐学家、作曲家和评论家们对“东方音乐”的讨论，也更加系统化，虽然仍带有浓厚的欧洲中心色彩。一些作品甚至试图融合东西方的音乐元素，但这种融合往往是表面化的，是将“东方”的音色、节奏或旋律片段作为一种装饰性的调味品，而非真正理解其文化语境。 本章还将考察音乐出版商、唱片公司（尽管早期录音技术有限）以及音乐零售商在传播带有东方主义色彩的音乐中所扮演的角色。唱片、乐谱的普及，使得这些音乐能够跨越地域和阶层，深入到更广泛的民众生活中，从而将帝国主义的想象根植于社会文化之中。 第四章：失落的旋律与现代性的迷思：帝国晚期的音乐反思（1910s–1940s） 进入20世纪，随着第一次世界大战的爆发、殖民体系的动摇以及现代主义音乐的兴起，音乐中的东方主义观念开始面临新的挑战和转型。本章探讨帝国晚期音乐家们对“东方音乐”的感知变化，以及一些艺术家开始尝试更具批判性的视角。 一些致力于民族音乐学的学者，开始深入到殖民地进行田野调查，他们的研究成果对传统东方主义的刻板印象构成了挑战。同时，一些欧洲作曲家，如德彪西（Claude Debussy）对东方艺术的兴趣，尽管仍带有印象主义的滤镜，但也开始展现出对非西方音乐形式的某种“现代化”理解。 然而，即便在帝国权力衰落的背景下，音乐中的东方主义也并未完全消失，而是以更加隐晦或挪用的方式存在。我们也会审视一些殖民地本土音乐家和知识分子，他们如何通过音乐回应帝国主义的影响，或者试图重塑和复兴被压抑的本土音乐传统。一些作品开始尝试“东方化”的欧洲音乐，或者将欧洲音乐元素融入本土音乐语汇，形成一种新的混合文化。 结论： 《乐音的凝视：帝国回响与东方想象》最终认为，音乐不仅仅是帝国主义扩张的背景音乐，更是其意识形态构建和权力运作的核心组成部分。从早期充满猎奇的描摹，到维多利亚时代异域情调的盛行，再到帝国晚期日渐复杂化的反思与挪用，音乐始终与大英帝国的东方主义观念紧密相连，既是其推手，也是其折射。本书揭示了音乐如何在一个充满权力不平等的世界中，被用作一种认识、分类、控制和想象“他者”的工具。通过对音乐的深入分析，我们可以更清晰地理解帝国主义的文化遗产，以及它对塑造我们今日世界音乐景观所产生的持久影响。本书的意义在于，它不仅为音乐史研究提供了新的视角，也为文化研究、后殖民研究以及历史学等领域提供了深刻的洞见，帮助我们理解声音与权力、想象与现实之间错综复杂的关系。

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这部作品的真正力量在于其批判性的张力。它没有给我们提供一个简单的“帝国如何接受异域音乐”的模板，而是展示了一个充满妥协、抵抗、误读和自我欺骗的复杂过程。我尤其欣赏作者在处理“混杂性”（Hybridity）时所持的审慎态度，它避免了将文化交流简单浪漫化。那些被认为是被殖民者“偷学”或“模仿”的音乐，在其真实发生的场景中，往往包含了微妙的权力反转和文化挪用，这一点在书中得到了充分的体现。阅读此书，不只是一次知识的积累，更是一次智识上的历险——它挑战了我们对历史的主流理解，迫使我们将注意力转向声音的政治性，那些沉默的、被遗忘的、却又无处不在的帝国回响，都在作者的笔下重新获得了发声的机会。

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这本书的结构布局堪称教科书级别。它没有采取简单的编年史叙事，而是围绕几个核心的文化议题展开，如同音乐的复调结构，不同声部在交织中揭示出更深层的历史真相。我特别对其中关于音乐教育在殖民地精英培养中的作用的论述印象深刻。它揭示了音乐如何从一种娱乐消遣，上升为一种文化纪律和道德重塑的工具。那些被强行灌输的欧洲音乐规范，与本土传统之间产生的摩擦与融合，被作者捕捉得极其精准。这不仅仅是关于“谁的音乐更好听”的问题，而是关于谁有权力定义“美”与“文明”的本质性权力斗争。这种宏大叙事与微观案例的有机结合，让整部作品既有理论的深度，又有扎实的史料支撑，读来令人手不释卷，深感智识上的满足。它提供了一个理解帝国文化策略的全新视角。

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读完此书，我感觉自己仿佛穿越回了那个蒸汽弥漫、殖民地旗帜飘扬的时代，但这一次，我不再是通过视觉的滤镜来看待这一切，而是通过耳朵。作者对“东方主义”的音乐化身进行了极其精微的剖析，其论证过程严谨得令人惊叹。它巧妙地避开了对单一音乐作品的僵硬分析，转而关注“声音景观”的生成机制。例如，书中对异域乐器的引入、对所谓“土著”音乐的采集与改编，如何被包装成科学发现或文明使命的一部分，描绘得入木三分。这种对声音的“殖民化”过程的揭示，极具颠覆性。它挑战了我们对“纯粹”音乐的想象，指出即便是最看似无害的旋律，也承载着帝国主义的意识形态代码。我尤其欣赏作者在处理复杂历史语境时所展现的语言的张力——既有学术的精确性，又不乏文学性的描摹，使得这些跨越百年的音乐事件在读者面前重新鲜活起来，每一个音符都像是带着历史的重量。

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坦率地说，这本书的学术密度相当高，它要求读者对18世纪末到20世纪初的欧洲文化史和音乐史有一定的背景知识储备。然而，即便对于非专业人士，其核心论点——即“东方”并非一个地理概念，而是一个被不断生产和消费的音乐修辞学工具——也具有强大的穿透力。作者对声音档案的敏感性，尤其令人赞叹。在那些看似枯燥的皇家学会报告、旅行日志、或早期唱片标签的字里行间，作者挖掘出了帝国心态的微妙波动。它探讨了英国人如何在想象中建构一个“音乐上的东方”，一个既迷人又需要被“修正”的对象。这种对“想象的地理”与“实际的声音”之间缝隙的探索，是本书最引人入胜之处。它成功地将音乐史从沙龙和音乐厅的象牙塔中解放出来，置于全球权力的剧场之中进行审视。

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这部著作的问世，无疑是给历史学和音乐学领域投下了一枚重磅炸弹。作者以其深厚的学识和敏锐的洞察力，带领我们走进了一个充满张力与矛盾的文化交汇地带。它不仅仅是对特定时期英国帝国音乐实践的梳理，更是一次对“东方”概念构建过程的深度解剖。我们常常在宏大的帝国叙事中，忽略了声音是如何被驯化、被挪用、最终成为权力运作的微妙工具。这本书的价值在于，它拒绝了那种线性的、进步论的史观，而是聚焦于那些被主流叙事所边缘化的音乐实践——那些在殖民地现场、在异域剧场、在维多利亚时代的客厅里回响的声响。它迫使我们重新思考，音乐在文化霸权的构建中究竟扮演了何种角色，以及那些被描绘为“异域”的旋律，是如何被吸纳、扭曲，最终反哺了英国自身的文化认同。这种对细节的捕捉，对档案的细致挖掘，让整个研究充满了鲜活的生命力，远超出了传统音乐史学的范畴，而更接近于一种精妙的文化人类学考察。

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