具体描述
內容：
何應豐追求的「完全劇場」，是在根本地要求每一個參與的人在創造及表演的一刻完全投入，完全地以那個人那一刻專注於他自己的同時，又專注於由他展開的空間裏，影響他行止的每個其他人其他事其他物件的每一個存在的現象。這便是他常說的Total Being，也亦是他會同時書寫於他的設計、關於語言、關於他的教育想法文章以至「瘋祭舞台」由來的原因。
本書同時收錄了何應豐的劇本《元州街茱莉小姐的最後一夜》、《元州街茱莉小姐不再在這裏》、《蝴蝶夢》、《母親》。
編者簡介：
梵谷
原名吳偉碩。在大專新聞系畢業之後，除了從事電視劇本編寫工作，同時開始接受現代舞蹈訓練；並由此而展開了舞蹈評論及戲劇評論的寫作生涯。
於1997年曾遠渡倫敦修讀戲劇理論，又在2001至2003年間，再赴新加坡進入實踐表演藝術學院研讀「劇場訓練與研究課程」，學習日本能劇、中國京劇、印尼爪畦宮廷舞蹈Wayang Wang 及印度Bhartanatyam舞蹈；同時又接受北京中央戲劇學院史旦尼拉夫斯基及澳洲Victoria College of the Arts演員訓練系統之訓練。在學其間更努力於開展其訓練與理論之對話，完成了之前於倫敦密特色斯大學（Middlesex University）修讀之東西方戲劇比較碩士論文，取得了碩士資格。
曾先後與香港藝團「沙磚上」、「舞城」（城市當代舞蹈團二團）、「瘋祭舞台」、「無人地帶」、及「進劇場」等參與實驗創作之演出、導演、監製及編劇工作。2006年更為香港藝術節特約編導及演出《世界末日的倒數》。
除致力於創作及演出等工作外，梵谷亦舉辦演員訓練工作坊，並於香港演藝學院及藝術中心藝術學院擔任兼職講師。同時，擔任國際演藝評論家協會（香港分會）名譽董事並出任副主席一職。
作者简介
作者簡介：
何應豐
香港出生。美國侯斯頓大學戲劇系文學士及藝術碩士。
1979年開始從事專業戲劇及表演藝術工作，包括導演、編劇、佈景、服裝及燈光設計、錄像創作、監製及翻譯，曾參與的舞台創作超過一百二十部。1996年獨自創辨「瘋祭舞台」，為該團的藝術監督至今。
何氏作品曾先後在十三個海外國家發表，更多次獲得本地及國際戲劇獎項。編導作品富獨特風格，深入探索「舞台詩劇」的創造。重要作品有《離地三百七十五米又如何》、《元州街茱莉小姐三部曲》之《元州街茱莉小姐的最後一夜》、《元州街茱莉小姐不再在這裏》、《撒尿的代價》、《母親》、《尋人的眼睛》、原創歌劇《夢拾紅梅》、原創音樂劇場及《蝴蝶夢》、《中環廣場上的野餐》、《鄭和的後代》、《石水渠街７２號的一片藍》、《大路西遊》、《七重天》和《 蕪湖街上好風光》 等。
1999年，創辦《一鼓作戲》青少年習作系列，致力以創作媒體推動創意教學，為青少年、教師及社會工作者舉辦多媒體創意工作坊，借表演藝術為渡橋，培育青少年成長。2002年開始與理工大學何國良博士合力開拓社會劇場系列，以即興劇場形式審視社會時弊及香港動態。
近年更出版有關舞台創作及劇場教育的書籍，包括《抽思：一齣舞台劇的遊弋異象》、《心曲：從青年劇場寄出的三十六封信》、《戲言：音樂劇場七重天創作的後果前因》、《此間： 舞台劇蕪湖街上好風光創作旅途上的無煙記錄》和《瘋祭圖譜：何應豐的完全戲劇觀》（修訂版）。
目录信息
读后感
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用户评价
对于我这种偏爱文本分析和符号学解读的读者来说，这本书在理论构建上的扎实程度，令人印象深刻。它没有仅仅停留在对剧作的描述，而是敏锐地捕捉到了何應豐作品中反复出现的主题母题——那些关于记忆、失落、身体与政治的隐喻——并将其置于更广阔的文化理论框架下进行审视。书中引用的诸多西方现当代戏剧理论与本土剧场实践的对话，显得毫不牵强，反而提供了一套强有力的解读工具。我特别喜欢作者在解析某些标志性场景时，那种抽丝剥茧般的分析，如何从一个手势、一句台词中挖掘出超越文本本身的文化代码。这本著作的语言风格时而哲思，时而锐利，显示出作者深厚的学养和对剧场艺术的深刻洞察力。它成功地将一个地域性的艺术实践，提升到了具有普遍探讨意义的哲学层面，这使得这本书的受众范围远远超出了专业戏剧研究者。
评分这本《瘋祭圖譜-何應豐的完全劇場觀》(修訂版) 真是让我这位戏曲爱好者眼前一亮，它不仅仅是一本记录和梳理何應豐先生艺术生涯的文献，更像是一部沉浸式的田野调查报告，深入剖析了台湾剧场生态变迁的肌理。作者以一种近乎“考古学家”的严谨和“朝圣者”的热忱，带领读者穿梭于数十年间的剧场现场。我尤其欣赏其中对于特定剧目在不同时期、不同观众群体中产生的微妙反响的细腻捕捉。书中对舞台调度、灯光设计与演员身体哲学的交叉论述，远超一般剧评的肤泛之谈，它深入到剧场“现场性”的本体论层面，探讨了在技术不断迭代的背景下，传统剧场如何保持其神圣性和仪式感。那些关于剧场空间改造、观众席位重构的段落，让我这位长期关注剧场建筑与社会学互动的读者，感到极大的共鸣。这本书的价值在于，它提供了一个多维度的视角，让我们看到一位艺术家在时代洪流中如何坚守、如何蜕变，这种对艺术生命力的探究，实在令人动容。它不是简单的赞美，而是带着批判性的深情凝视，勾勒出了一个时代的精神肖像。
评分坦白讲，一开始我对“完全劇場觀”这个标题有些疑虑，担心内容会过于自说自话或流于形式的罗列。然而，阅读过程完全打消了我的顾虑。这本书更像是一部精美的文献辑录与批判性思考的结晶。它所呈现的，是一种不断修正、不断自我否定的动态艺术观。作者花费了大量篇幅去描绘何應豐在不同阶段对“完整性”的追求与放弃，这种对“不完整之美”的捕捉，才更符合艺术创作的真实面貌。书中的图文资料的编排也十分考究，一些罕见的剧照和排练手稿的呈现，极大地增强了文本的可信度和视觉冲击力。它不仅仅是关于某位导演的研究，更像是一部关于“创作过程”本身的沉思录，探讨了灵感、挫折、妥协与坚持是如何共同雕刻出最终的舞台呈现。这种对创作内在逻辑的深挖，远比单纯的剧目介绍来得更有价值。
评分这本书的阅读体验是具有挑战性，但也极其丰饶的。它要求读者具备一定的艺术史背景，才能完全领会作者在不同历史节点上所设下的参照系。但正是这种密度和深度，让它成为一本值得反复翻阅的案头书。作者对于“如何观看”剧场艺术提出了深刻的见解，它训练了我的眼睛和心智，去发现那些平时可能被忽略的、潜藏在舞台结构之下的权力关系与情感暗流。我尤其欣赏书中对于“修訂版”的意义的阐释，它暗示了艺术生命体的不断更新性，以及研究者在面对新材料时必须保持的开放心态。这本书成功地建立起一个知识体系，让读者在合上书页之后，依然能带着一种被重塑的“剧场感知力”去重新审视和体验未来的任何一次剧场观看。它拓宽了我对剧场艺术边界的想象。
评分读完这本厚厚的“圖譜”，我最大的感受是作者在梳理何應豐先生的创作脉络时，展现出一种罕见的宏大叙事能力，同时又能在细节处着墨如金，这种张弛有度令人叹服。它绝非那种只关注台前光环的传记式作品，而是将导演的个人创作视为观察台湾社会思潮变迁的棱镜。书中的文字充满了历史的厚重感，尤其是关于战后剧场美学如何与本土文化、政治语境进行复杂对话的部分，叙事流畅却不失力度。作者没有回避那些充满争议和探索性的尝试，反而将其作为研究的重点，这种直面艺术创作复杂性的勇气非常值得称道。比如，其中对几次关键性跨界合作的分析，不仅仅停留在艺术风格的比较，更是探讨了不同艺术本体在碰撞中产生的张力与融合，这对于理解当代剧场的边界拓展具有极高的参考价值。整本书的结构设计如同一个精妙的迷宫，层层递进，引导读者去探索何應豐艺术世界的幽深之处。
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