Bernard Leach

Bernard Leach pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Yale Univ Pr
作者:Cooper, Emmanuel
出品人:
页数:440
译者:
出版时间:2003-7
价格:$ 62.15
装帧:HRD
isbn号码:9780300099294
丛书系列:
图书标签:
  • 陶瓷
  • 陶艺
  • 日本
  • 艺术史
  • 现代艺术
  • 设计
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  • 工艺美术
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具体描述

A biography of one of the most influential potters of the 20th century, an artist who lived in turmoil while creating pots of serenity and beauty. Widely recognized as the father of studio pottery, Bernard Leach (1887-1979) played a pioneering role in creating an identity for artist potters in Britain and around the world. Born in the East (Hong Kong) and educated in the West (England), throughout his life Leach perceived himself as a courier between the disparate cultures. His exquisite pots reflect the inspiration he drew from East and West as well as his response to the basic tenets of modernism - truth to materials, the importance of function to form, and simplicity of decoration. This biography provides a detailed account of Leach's life and its relation to his art. Emmanuel Cooper, himself a potter, draws on a wealth of documents and the recollections of the artist's family, friends and students to tell Leach's story. Cooper explores Leach's working methods, the themes of his pottery, his writings and philosophy, his recognition in Japan and Britain, and his continuing legacy, bringing into focus a complex man who captured in his work as a potter the "still centre" that always eluded him in his tumultuous personal life.

陶土与精神的对话:现代陶艺的里程碑与世界视野 本书并非聚焦于某位特定艺术家的生平或作品集,而是对二十世纪中叶至当今,全球陶艺领域所经历的深刻变革、哲学思辨以及技术革新的宏大图景进行一次全景式的扫描与深入剖析。它探讨的是“陶艺”这一古老技艺如何在现代语境下,实现其艺术形式与文化意义的重塑与升华。 第一章:从手工艺到当代艺术的身份重塑 本章追溯了二十世纪初,西方世界对“工艺美术运动”遗产的反思与继承。探讨了战后社会结构变化如何催生了对实用性与审美性之间界限的质疑。我们关注的焦点是如何从传统作坊式的、服务于日常生活的陶器制作,逐步转向以观念表达、材料探索和雕塑语言为核心的“当代陶艺”(Studio Pottery and Ceramic Art)的诞生。 内容详述了两次世界大战后,欧洲大陆和北美地区,一批艺术家如何有意识地将泥土从单纯的物质载体提升为承载个人情感、社会评论乃至形而上学思考的媒介。章节深入分析了“功能性”与“非功能性”陶艺之间的张力,以及评论界如何开始运用雕塑、装置艺术乃至行为艺术的理论框架来审视泥土作品。重点阐述了那些摒弃传统形式,转而探索陶土在极端温度下产生的化学变化、釉料的偶然性以及器物在空间中的存在感,以此来挑战观众对“陶器”的固有认知。 第二章:东方哲学与西方现代性的交汇点 全球化的浪潮在艺术领域留下了深刻印记。本部分细致考察了二十世纪中期,西方艺术界对东方美学,尤其是日本、韩国以及中国传统陶瓷艺术中蕴含的哲学思想——如“不完美之美”(Wabi-Sabi)、“留白之道”(Ma)以及与自然的深度连接——的吸收与再诠释过程。 然而,本书的独特之处在于,它并不停留在简单的“东方主义”的表面模仿。我们考察的是西方艺术家如何将这些东方的哲学理念,与西方现代艺术的结构主义、抽象表现主义以及极简主义思潮进行复杂的化学反应。例如,如何将禅宗对“一瞬”的捕捉,转化为对烧制过程中火焰和釉色瞬间凝固状态的痴迷;如何将传统手工艺的“敬畏之心”融入到对工业材料和机械化生产的批判性对话中。探讨了区域性文化如何通过新的艺术语言,在全球语境下获得普遍的共鸣。 第三章:材料的革命与技术的跨界融合 陶艺的现代性,很大程度上建立在其材料科学的突破和技术边界的拓展之上。本章详细介绍了二十世纪后半叶,陶瓷材料科学在高温烧制、新型氧化物釉料开发以及复合材料应用方面取得的成就。 我们探讨了艺术家如何利用先进的窑炉技术(如还原焰、真空烧制)来探索泥土在极端环境下的极限表现。更重要的是,本章关注技术如何被“去技术化”。一些艺术家刻意回归到最原始的制坯方式,如手捏、泥条盘筑,以此来强调泥土与身体的直接接触和人类劳动的痕迹。同时,本书也追踪了陶艺与数字技术、3D打印技术、以及新媒体艺术的交叉融合。探讨了当泥土被数字化设计和重构后,传统手工艺的“灵性”是否会流失,以及数字工具如何拓宽了泥土作品的叙事维度。 第四章:公共空间中的泥土:纪念碑性与社会参与 随着陶艺在艺术谱系中的地位提升,其应用场所也从私人工作室扩展到了公共领域。本部分聚焦于大型陶艺装置、公共壁画以及大地艺术(Land Art)中陶土的运用。 分析了陶土作品如何在全球范围内的城市规划和公共艺术项目中扮演角色。这些作品往往需要面对环境的侵蚀、时间的考验以及公众的解读,因此对材料的耐久性和形式的象征意义提出了更高的要求。本章特别关注了陶艺在社会动员和社区建设中的应用。探讨了艺术家如何通过引导社区共同参与泥土的塑形、烧制过程,来实现一种暂时的、共同创造的仪式感,以此作为对当代社会疏离感的反思和疗愈。 第五章:后现代的解构与未来的不确定性 进入新千年,陶艺领域的探索呈现出更加碎片化和观念化的趋势。本章审视了后现代语境下,对传统陶艺的经典形式、历史叙事乃至艺术家权威性的解构。 探讨了观念艺术对陶艺形态的挑战,例如,将破碎的陶片作为作品的主体,或将烧制过程本身(而非最终成品)作为艺术事件。同时,本书也关注了气候变化和可持续性议题对陶艺材料选择和能源消耗的影响。未来的陶艺将走向何方?是在更精微的微观结构探索中寻求突破,还是在与生物技术、虚拟现实的结合中寻找新的存在维度?本书以开放性的视角,提出了对当代陶艺持续演变和挑战的深刻提问。 总结而言,本书是一部关于“媒介精神”的史诗。它通过对全球陶艺实践的细致梳理,揭示了泥土如何从最基础的生存工具,进化为承载人类最复杂思想和最深刻情感的当代艺术语言。它关乎转化、关乎永恒与瞬息,关乎人类如何通过双手与自然元素进行一场持续了数万年的对话。

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读后感

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用户评价

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我必须承认,这本书的某些章节对于一个局外人来说,可能显得过于专业化了,充斥着许多行话和对特定材料、工具的细致描述。但恰恰是这种不向大众妥协的专业深度,构成了它最坚实的骨架。作者在阐述制作过程中遇到的各种技术难题时,那种近乎工程师般的严谨和对失败的坦诚,非常打动我。他没有回避失败,反而将其视为学习过程中不可或缺的一部分,并详细分析了不同窑变可能导致的结果。这种“知其不可为而为之”的探索精神,极大地鼓舞了我。读到后面,我开始意识到,这本书的核心主题远超出了“手工艺”本身,它实际上是在探讨人类如何通过与物质世界的持续对抗与合作来确立自我存在的意义。书中对自然力量的描绘,特别是对火、水、土这三种基本元素的拟人化处理,达到了近乎诗意的境地。这本书的魅力在于,它让你在学习“术”的同时,也领悟了“道”,虽然过程艰涩,但一旦领悟,收获的将是思维模式的根本性转变。

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这本书的排版和配图(尽管我只看了文字描述)似乎都透露着一种克制的美学,正如作者所推崇的风格一样——拒绝多余的装饰,一切为功能和本质服务。我特别喜欢作者在讨论“功能性”与“艺术性”的辩证关系时所采取的立场。他坚决反对为了追求视觉上的惊艳而牺牲实用的合理性,主张真正的美应该是在满足基本需求之后自然溢出的品质。这种务实但又充满理想主义的态度,让我联想到了某些北欧设计哲学。书中的叙事节奏很慢,就像是把一个长达数小时的制作过程,浓缩成了短短几十页的文字,但这种慢节奏却有效地对抗了我们这个时代对“即时满足”的病态追求。它仿佛在对读者耳语:伟大的事物需要时间来沉淀和酝酿。对我而言,这本书提供了一种难得的“反向学习”体验,它引导我从“追求结果”的惯性思维中抽离出来,转而去关注“投入过程”本身所带来的满足感和内在的报偿。

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这本书的结构如同一个精心铺陈的迷宫,初读时会让人感到有些不知所措,因为它的叙事并非线性,而是充满了跳跃和回溯,仿佛作者的思绪在过去、现在与潜在的未来之间自由穿梭。我花了很长时间才适应这种松散却又内在严谨的逻辑。最让我印象深刻的是作者对于“传承”这个概念的解构。他没有将传统视为一个僵硬的教条,而是将其描绘成一条流动的、不断自我更新的河流。书中穿插了大量的轶事,这些小故事往往是主角性格和创作理念的侧面印证,它们比直接的论述更具穿透力。特别是关于助手和学徒的几段描述,展现了一种微妙的权力关系和非语言的知识传递。那种师徒间的默契,那种仅凭一个眼神就能领会的技艺精髓,被作者捕捉得丝丝入扣。这本书的语言风格变化多端,时而像一位严厉的导师,时而又像一位温和的朋友,这种多面性使得阅读体验充满了张力。它要求读者不仅要用眼睛看,更要用“心”去体会那些未被言明的留白之处,它对读者的主动参与性要求极高,绝非一本可以轻松翻阅的消遣之作。

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这本关于某种技艺或人生哲学的书,简直是打开了一扇通往宁静与专注的大门。从翻开扉页的那一刻起,我就被作者那种近乎虔诚的叙述方式所吸引。他没有故作高深,而是用一种极其朴素、近乎颂歌的语言,描绘了一套似乎超越了时间限制的创作过程。书中的段落像是一次次漫长的冥想,每一个细节,从原材料的选择到最终形态的呈现,都蕴含着一种深深的敬畏。我尤其欣赏作者在论述“不完美之美”时所展现出的深刻洞察力。他似乎在告诉我们,真正的价值并非在于表面的光滑或对称,而在于那些偶然的、独一无二的“瑕疵”——那些见证了双手与自然力量相互作用的痕迹。阅读过程中,我仿佛能闻到泥土的芬芳和窑火灼烧的气息,这种强烈的感官代入感,让我在快节奏的现代生活中找到了一块可以歇脚的清净之地。这本书不仅仅是关于“如何做”,更重要的是关于“如何看待”我们与我们所创造的事物之间的关系。它鼓励读者慢下来,去感受每一次敲击、每一次塑形背后的意图,从而将日常的劳作提升到一种近乎神圣的仪式感中去。读完之后,我对身边那些看似寻常的器物,都多了一层审视和尊重。

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这本书读起来更像是一份深刻的个人宣言,而非一本标准的教程手册。作者的叙述充满了强烈的个人色彩和一种近乎宿命论的悲剧美感。他对自己所从事领域的坚持,那种在时代变迁面前,依然选择坚守传统手艺的孤独和骄傲,令人动容。最引人深思的是他对“时间感”的探讨。在他眼中,材料有着自己的时间,窑火有着自己的脾气,而创作者必须学会与之协商,而非强行主宰。这种对“非人类主体”的尊重,为整本书奠定了一种谦卑的基调。虽然内容集中于某一个特定的创作领域,但其蕴含的哲学思考具有极强的普适性,可以映射到任何需要长期投入和细致打磨的事业中。这本书的价值在于,它提供了一种看待生命、看待劳作的全新视角——不是为了被看见,而是为了与世界建立一种真实而有机的联系。它像一块经过千锤百炼的璞玉,表面可能略显粗粝,但其内在的光泽和深度,足以让人沉醉其中,久久不愿醒来。

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the "completeness" of a pot

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