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出版者:凤凰

作者:黄虎

出品人:

页数:195

译者:

出版时间:2014-4

价格:260

装帧:平装

isbn号码:9787539969855

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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好的，这是一本名为《丝绸之路上的古乐遗珍：中亚音乐文明的深度考察》的图书简介： --- 《丝绸之路上的古乐遗珍：中亚音乐文明的深度考察》 图书简介 本书是一部专注于中亚地区音乐历史、文化生态与艺术实践的综合性学术专著。它以广袤的丝绸之路为地理脉络，深入挖掘了自古代至近现代，在塔里木盆地、河中地区、波斯高原东缘以及天山南北等核心区域流传的独特音乐传统。本书的核心目标在于，通过对考古发现的乐器遗存、文献记载的音乐理论、以及现存口头传统的田野调查，重建一个多民族、多语种、多宗教背景下中亚音乐文明的宏大图景。 第一部分：地理与文明的交汇——中亚音乐的基石 本书开篇首先界定了“中亚”这一概念在音乐史语境下的独特意义，强调其并非单一文化区域，而是东西方文明交流的熔炉。我们详细考察了不同历史时期，如萨卡-斯基泰文化、贵霜帝国、粟特商业网络，以及突厥汗国对当地音乐形态的奠构作用。 重点章节包括： 《绿洲城市：粟特音乐的商贸传播网络》：剖析了粟特人在贸易活动中如何扮演了音乐文化“中间人”的角色，考察了他们在敦煌、新疆石窟壁画中留下的乐舞形象，以及其音乐元素如何渗透至汉地及更远的波斯地区。 《游牧的旋律：草原民族的音乐遗产》：着眼于突厥、蒙古等游牧民族的音乐传统，分析了他们对马头琴、弹拨乐器以及史诗吟唱（如《玛纳斯》）的影响，探讨了游牧生活方式如何塑造了音乐的即兴性与叙事性。 《佛教的梵音：犍陀罗与楼兰的声景》：通过对佛教艺术遗址中乐器描绘（如琵琶、箜篌的早期形态）的考证，重构了印度、中亚、中国佛教音乐传播中的声学和仪式环节。 第二部分：乐器学与声学考古：物质载体的变迁 本书将大量的篇幅投入到对中亚地区物质文化遗产——乐器的细致研究中。我们不再将乐器视为孤立的物件，而是将其置于社会、技术和审美变迁的历史进程中进行考察。 《从巴尔干到塔里木：弹拨乐器的东传路径》：系统梳理了中亚地区特有的弹拨乐器群（如都塔尔、热瓦甫、比巴尔等）的演化谱系，对比分析了它们在波斯萨珊王朝、大食帝国以及帖木儿王朝时期的形制差异与技术改进。特别关注了共鸣箱材料、张弦数量与音阶系统的关系。 《鼓与仪式：定音乐器的社会功能》：考察了中亚鼓类乐器（如达布拉、达乌尔）在苏菲派的“赞念”仪式、军事集会以及宫廷庆典中的核心地位。通过对皮面张力、击打方式的分析，揭示了这些乐器如何承载了社群的集体记忆与精神信仰。 《丝路上的管乐器：气流与音高的秘密》：探讨了笛、箫、唢呐等管乐器在中亚腹地的流变，特别关注了其在调节宗教集会氛围和军事号令中的具体应用，并对比了其与中国传统管乐的异同。 第三部分：音乐理论与审美范式：旋律与结构 深入中亚音乐的核心，本书探讨了其独特的音律系统、调式结构以及音乐哲学。中亚音乐深受波斯——阿拉伯音乐理论的影响，形成了复杂而精妙的“玛卡姆”（Maqam）体系。 《玛卡姆的地理学：从赫瓦雷兹米到布哈拉的系统构建》：详细阐释了中亚“十二大玛卡姆”的理论基础，分析了其音程划分、模进规律以及每一种调式所蕴含的情感色彩。本书首次引入了多位中亚音乐理论家的手稿残片进行对比解读。 《即兴的规范：叙事性音乐的结构张力》：研究了中亚音乐中即兴表演（Istiḥlāki）的艺术要求。不同于完全自由的即兴，这里的即兴是在严格的玛卡姆框架内进行的，本书分析了这种“规范之下的自由”如何体现在长篇史诗吟唱和器乐独奏中。 《人声的极致：哈卡玛与吟诵艺术》：聚焦于人声的演唱技巧，包括喉音的运用、颤音（Vibrato）的控制，以及在宗教场合中对古兰经诵读技艺的音乐化处理，探讨了中亚“赞歌”在宗教与世俗之间的张力。 第四部分：当代回响与文化保护 本书的最后部分将目光投向近现代，考察了政治变迁、殖民影响以及全球化进程对中亚音乐遗产的冲击与重塑。 《苏联遗产：集体化与“民族化”的音乐工程》：分析了20世纪以来，苏联中央政府对中亚传统音乐进行的标准化改造，如何影响了民间乐器的定制和传统乐谱的记录，以及这种干预带来的文化断裂与复兴尝试。 《田野中的声音：当代音乐家的对话与创新》：记录了当代中亚音乐家，如乌兹别克斯坦、塔吉克斯坦及哈萨克斯坦的音乐家，如何在保持传统核心要素的同时，将爵士乐、古典音乐元素融入自身创作的实践案例。 《数字化保护与文化传承的未来》：总结了当前中亚音乐遗产保护面临的挑战，特别是口头传统如何通过录音技术得以保存，以及国际合作在抢救濒危乐器制作技艺中的作用。 结语： 《丝绸之路上的古乐遗珍》不仅是一部音乐学著作，更是一部跨学科的文化史研究。它试图通过声音的考古，揭示中亚作为文明十字路口，在人类音乐史上所占据的不可替代的核心地位。全书配有大量珍贵图片、乐器线描图、历史乐谱片段及音频对照索引，为音乐学者、人类学家、历史爱好者提供了一扇深入了解这一神秘而绚烂的音乐世界的窗口。 ---

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**文本的气韵与韵味：** 阅读这本书的过程，仿佛在品一壶陈年的老茶，初闻清香，细品方知回甘悠长。作者的文字功力令人赞叹，他叙述历史事件和音乐变迁时，总能恰到好处地注入一种古典的韵味，使得原本可能晦涩的地理和声学知识变得生动而富有诗意。他对于某些“失传”或“边缘化”音乐形态的追溯，字里行间流露出对文化流逝的惋惜与守护的使命感。我尤其喜欢那些描绘音乐场景的比喻，那些用文字搭建起来的听觉景观，比单纯的文字描述更有感染力。这本书的气质是内敛而充实的，它不炫技，只是平静而有力地展现了中国音乐的复杂性与生命力。它让我明白，地理环境不仅仅是音乐的背景板，它就是音乐本身的一部分，是决定音高、节奏和演奏技法的重要因素。这是一种非常“中国式”的理解——天人合一，万物有灵，音乐亦是如此。

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**读后感悟：** 翻开这本《中国音乐地理》，我首先被它那宏大的视野和深厚的文化底蕴所震撼。作者并非简单地罗列各地音乐的名称或曲谱，而是将音乐置于广阔的地理、历史和社会背景之下进行考察。书中对于不同地域音乐的形成、演变以及与当地风土人情的交织，描绘得淋漓尽致。比如，在探讨西南少数民族音乐时，作者深入挖掘了其宗教仪式、生活习俗甚至气候环境对音乐风格的影响，那种细腻的笔触让人仿佛身临其境，感受到了山林间的神秘回响和部落庆典的热烈气氛。阅读过程中，我不断地思考，音乐是如何成为一个民族集体记忆和身份认同的载体。书中的论述逻辑严密，引用了大量的文献和田野调查资料，使得观点具有极强的说服力。它不仅仅是一部音乐学的著作，更是一部活生生的中国文化地理志，让人在聆听古今天籁的同时，也领略了这片土地的多元与壮美。这本书的价值，在于它打破了传统音乐研究的壁垒，提供了一种跨学科的、立体的观察视角，极大地拓宽了我们对中国音乐文化复杂性的理解。

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**听觉的旅程：** 这本书给我的感觉，就像是跟随一位学识渊博的向导，进行了一场穿越时空的听觉漫游。它没有枯燥的学术腔调，反而充满了对民间艺术最真挚的热爱和敬畏。我特别欣赏作者对“地方性”的强调，他没有试图将中国音乐归纳为一个统一的、抽象的范本，而是细致地勾勒出吴侬软语里的婉转小调，大漠孤烟下的苍凉秦腔，以及江南水乡中桨声欸乃的丝竹之乐各自的生命力。书中对于某些特定乐器的传播路径和变异的考证尤其引人入胜，仿佛在解谜一般，让人惊叹于古代匠人与乐师们的智慧和创造力。阅读完后，我立刻去搜索了一些书中提及的古老曲目，那种带着泥土芬芳和历史沉淀的声音，与书中的文字形成了完美的互文，极大地丰富了我对传统音乐的感性认知。这绝不是一本陈旧的音乐史籍，它更像是一份活态的文化地图，激发了我走出去，去亲耳聆听那些正在消失或正在被重新定义的“地方之声”的强烈愿望。

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**学术的深度与广度交织：** 从专业角度来看，这本书在方法论上展现了极高的水准。作者巧妙地融合了人类学、社会学以及传统的民族音乐学研究范式，成功地构建了一个多维度的分析框架。书中对于音乐的“功能性”探讨尤其深刻，即音乐在社会结构、权力关系乃至人际交往中所扮演的实际角色，这远超出了单纯的审美范畴。例如，书中对宫廷雅乐与民间俗乐在不同历史阶段的互动与张力分析，揭示了文化权力是如何通过音乐的接受与排斥来体现的。对于那些试图从宏观上理解中国音乐文化版图的学者而言，这本书无疑提供了坚实的理论基石和丰富的实证案例。它成功地将看似零散的地方音乐现象，组织进了一个具有内在逻辑的整体结构中，使得读者不仅“知其然”，更能“知其所以然”。这种对理论深度和材料广度的完美平衡，是许多同类著作难以企及的。

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**知识的重构与再发现：** 坦白说，在此之前我对中国音乐的理解是碎片化的，主要集中在几大著名的乐派。然而，《中国音乐地理》像是一张高清的卫星地图，将我原有的认知图谱进行了彻底的重构。它让我意识到，我们通常所谈论的“中国音乐”，实际上是由无数个紧密相连又相互区别的音乐生态系统构成的。书中对于特定地理区域内，音乐家社群的组织形式、音乐教育的口传心授方式的详尽描述，让我对“文化传承”这个概念有了全新的认识。这种传承并非单向度、线性的，而是充满了地域性的适应、修正与创新。读完此书，我不再满足于聆听最终的成品，我开始对制作乐器的原材料产地、乐谱抄写者的身份、甚至音乐演出的特定场所都产生了强烈的好奇心。它成功地将“听”提升到了“看”与“走”的层面，是一次彻底的知识迭代，对于任何想深入了解中国文化肌理的人来说，都是不可多得的指路明灯。

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