具体描述
《美术的故事：从晚清到今天》是一本美术史著作，是中国现代艺术通史的开山之作，是为那些对人类的文明与知识有常识的人而作，而不是学者和研究者需要的历史。本书的任务非常单纯：通过从鸦片战争到今天的“美术”故事的讲述，让读者的感知和智性重新开动起来，帮助读者了解美术的历史，重新理解“美术”的意义，以及美术与人类文明的基本形态。
作者通过对晚清以来的中国艺术史进行真正史学意义的梳理，改变了中国现代艺术史“剪刀加浆糊式”的旧有格局，对中国现代艺术史学科的自我反思及发展贡献尤著。以宏大而自由的笔法铺叙成篇，描述大量社会艺术史的内容，提出了一些令人惊觉的问题。这些问题牵曳着艺术家、艺术品与政治、经济及意识形态等社会因素的关节点，供给人们去继续思索。全书图文并茂，在浩瀚如烟的历史档案、资料中精选了600余幅图片，与文章呼应，首开全彩图说中国近百年美术史的先河。
作者简介
吕 澎
1956 年出生于重庆，著名评论家、策展人。现为中国美术学院艺术人文学院副教授。
主要著作：《欧洲现代绘画美学》、《现代绘画：新的形象语言》、《艺术人的启示录》、《20 世纪艺术文化》（与易丹合著）、《现代艺术与文化批判》、《中国现代艺术史：19791989》、《艺术操作》、《中国当代艺术史：19901999》、《溪山清远两宋时期山水画的历史与趣味转型》、《20 世纪中国艺术史》、《艺术史中的艺术家》、《美术的故事》、《1979 年以来的中国艺术史》（与易丹合著）、《20 世纪中国美术编年史：1900-2010》（中国青年出版社2012 年版）、《中国现当代美术史文献》（与孔令伟合编）等。
主要译作：《塞尚、凡 高、高更书信选》、《论艺术的精神》（康定斯基）、《风景进入艺术》（肯尼斯 克拉克）等。
目录信息
——鸦片战争后西方的影响
从晚明开始，西方传教士带来了西方文明的思想与物件，在西方艺术的影响下，中国画工、画家笔下开始发生变化，西方艺术家在中国的生活与工作、广东地区的外销画、在上海出现的“海派”
画家及其现象、西方人在中国创办的《点石斋画报》、由传教士为传教和教堂服务而兴办的艺术学校“土山湾”、接受西方绘画技法的“月份牌”，中国士大夫对传统思想的调适以及最早到西方学习艺术的画家，成为辛亥革命之前中国的传统文明加速变化的证明。她们是20 世纪中国艺术的原因与直接背景。
第二章 冲突与变异
——美术革命与“中国画”
随着西方科学与人文思想的影响，中国人开始主动地了解世界。蔡元培在北大时期推动了文化艺术的变化，新的艺术词汇（例如“美术”）的产生、陈独秀通过《新青年》对西方思想的介绍构
成了人们了解新艺术的基础。同时，坚守传统书画立场的画家陈师曾对“文人画”的表述，重要画家黄宾虹、齐白石、张大千的艺术实践，以及广东地区的“新国画”（岭南画派）画家高剑父、陈树人等人对笔墨的重新解释与利用，激烈地改变着人们对“书画”、“美术”以及“艺术”的理解与看法。
第三章 科学的胜利
——现代美术教育、写实主义、争论与画家
20、30 年代出现的留学欧洲的潮流，培养了许多熟悉西方艺术的中国艺术家，他们回到祖国之后，通过新的美术教育与活动，即创办新兴学校与社团来传播西方艺术观念与方法，直到1929 年
全国美展，以徐悲鸿为首的画家形成了一个强大的写实主义队伍，这些画家通常接受西方学院艺术的教育，并且同意徐悲鸿的意见，通过素描与写实的方法来改变中国人观看世界的方法和审美习
惯。由于写实主义艺术的造型特点，徐悲鸿的思想受到普遍的接受，并成为艺术反应社会和现实问题的有效方法。
第四章 “ 西边的云彩”
——现代主义艺术、思想与境遇
留学的中国艺术家同样感受到了同时期发生在欧洲的现代主义潮流的汹涌，所以，他们也将现代主义的思想与风格带回中国，在缺少新艺术的批评家的时期，诗人与文学家的意见也推动着中国
的现代主义潮流，刘海粟、颜文、庞薰是现代主义潮流的代表艺术家，像“决澜社”、中华独立美术协会这样的团体，成为提倡现代主义观念的重要力量，而对于像林风眠这样的艺术家，已经非常清楚地提出了中西融合的艺术观念。但是，日本军队的入侵打断了中国现代艺术发展的进程。
第五章 时代的刀锋
——“左翼美术”、延安地区与国统区的美术
在国民党独裁统治时期，进步青年倾向于反抗现实，在鲁迅的支持下，许多艺术青年组织自己的版画团体，用木刻刀去攻击反动势力和批判社会。由中共领导的“左翼美术家联盟”团结了版画
家与漫画家，通过有效的组织，引导版画家展开对抗战的宣传以及对国民党政权的控诉。同时，国统区与延安地区的艺术家保持着思想与艺术上的呼应和联系。抗日战争时期，曾经接受鲁迅领
导的年轻画家到了延安。为了统一文艺思想，毛泽东通过《延安文艺座谈会上的讲话》给艺术家指出了一个将艺术作为“革命机器上的螺丝钉”的方向。自此，“讲话”成为以后中共领导文艺
工作的基本指导思想。
第六章 新中国的赞歌
——社会恢复和建设时期的艺术
1949 年之后，共产党掌握了国家政权，新政权文化主管部门提倡通过新年画的方式宣传共产党的政策与方针。不同时期的政治运动也借助于美术进行宣传，这样，国画、油画、版画、连环画以
及其他艺术形式都被调动起来，同时，官方艺术机构也开展了工农兵群众美术运动。由于与苏联的密切关系，艺术领域全面向苏联学习，苏联画家也通过“马训班”这样的方式培养中国画家。随着与苏联关系的破裂，文艺领域提倡毛泽东关于“革命的现实主义与革命的浪漫主义相结合”的思想，在表现中国共产党的历史、宣传社会主义建设方面，美术起到了极大的作用。
第七章 笔墨革命
——改造国画与国画家
1949 年之后，党通过官方美术家协会实施对艺术家的管理与领导，鉴于党对艺术的思想和对艺术风格的革命化要求，传统笔墨被认为不适合新的时代，党对传统中国画提出改造，这个改造涉及到画家的政治立场、艺术思想以及技术要求。政府将传统国画家组织起来，并通过画院这样的组织，给画家提供经济上的条件，以便让他们能够有条件去参观工厂和农村，反映社会主义的工业和农业建设。但是，在单一的意识形态空气下，传统艺术家的思想遭到了压制与扭曲，政治上的改造影响到了文明精髓的继承。在这个时期，傅抱石、钱松、李可染、石鲁、潘天寿成为这个改造时期的代表画家。
第八章 作为政治工具的美术
——阶级斗争与文化大革命时期的艺术
到了60 年代，阶级斗争的理论引导“美术工作者”进一步参与了政治斗争。1966 年，红卫兵彻底砸烂了文化艺术机构，在江青及其同僚根据“讲话”归纳的文艺思想的影响下，以“红光亮”、“高大全”为标准的艺术出现了，表现领袖和工农兵形象成为美术至高无上的主题。“文化大革命”持续了十年，这个时期的艺术将艺术为政治服务推向了极端化，并彻底抛弃了“百花齐放”和“百
家争鸣”的科学方针，不同材料的绘画和雕塑成为记录这段特殊历史时期的形象文献。
第九章 分离的续弦
——台湾和香港的艺术
抗日战争结束之后，国民党接管台湾，实行保守的艺术政策。1949 年之后，台湾保持了与西方国家尤其是美国的关系。这为台湾的现代艺术发展提供了可能。50 年代的“五月画会”、“东方画会” 表明了台湾艺术家接受西方现代主义的继续，刘国松是这个时期重要的代表。香港的特殊背景，也导致这里的艺术家可以自由地选择他们喜欢的艺术风格，吕寿琨、王无邪等艺术家成为六七十年代重要的艺术家。台湾和香港的艺术表明了西方的现代主义以及后现代艺术不同程度的影响。
第十章 怀疑精神的开始
——“伤痕”美术、“星星”美展以及现代主义的滋生
文化大革命的结束，“实践是检验真理的唯一标准”的原则解放了艺术家的思想， 1979 年出现的“伤痕艺术”开始了对历史的反思，四川美术学院的罗中立、程丛林、何多苓等年轻画家为美术史留下了重要的文献，很快，质朴地表现西藏生活的陈丹青成为有影响的画家，他所体现出来的“生活流”艺术现象构成了恢复艺术观念的过渡。1979 年，画家吴冠中号召艺术家关注“形式美”和
“抽象美”，他的文章引发了关于“形式革命”的讨论。同时，由业余艺术家组织起来的“星星美展”表明了现代艺术的观念在争论与艺术实践中滋生。
第十一章 再生的现代
——’85 美术运动与现代主义式微
解放思想的结果，产生了大量思想活泼并且敏锐的艺术家。从“前进中的中国青年美术作品展”开始，人们看到了新的艺术现象。批评家李小山关于中国画的观点，引发了广泛的讨论。在西方哲
学思想的影响下，’85 美术运动在全国展开，各地艺术团体纷纷出现，中国艺术家再次开始全面学习西方现代主义。毛旭辉、张培力、黄永、谷文达、吴山专成为这个时期重要的艺术家。可是，急剧变化的社会现实让艺术家们内心充满困惑，1989 年的“中国现代艺术展”出现的问题展示了这样的困惑，现代主义显露出危机，商品经济的发展开始对艺术家的生活与工作方式产生决定性的影响，圆明园艺术村暗示了之后当代艺术生态的命运。
第十二章 传统的复苏
——新文人画与实验水墨画
80 年代的“思想解放”开启了人们对文化理解的宽容，在对西方现代主义实践的同时，中国画家也开始了对传统绘画中所具有的气质的重新找回。渐渐地，艺术家们不再在“前卫”与“保守”之间做非此即彼的选择，重要的是对艺术丰富性和特殊性的理解。“新文人画”虽然仅仅是一些缺乏深厚传统功底的画家的简单的口号，但是，也预示了中国文明独特性的复苏，而那些与西方抽象主义绘画有牵连的“实验水墨”也是从另一个角度重新理解书画笔墨的可能性。这两个现象共同导致了中国艺术家对艺术更开放的认识。
第十三章 走向当代
——新艺术及其艺术家
90 年代的社会空气取消了对宏大叙事的关心，艺术家对现代主义开始厌倦，像刘小东这样的新生代艺术家，和方力钧这样的“玩世现实主义”艺术家，提示着时代的精神气候。1992 年，邓小平
南巡讲话导致了市场经济的全面起飞，这年的“广州双年展”直接引发了艺术走向市场的讨论，并且深深影响了之后的艺术展览与操作模式。在市场经济的影响下，人们开始转变观念，同时，商品经济也诱发了波普艺术的产生。1993 年，部分中国艺术家参加了香港的“后89 中国新艺术”以及威尼斯双年展，这意味着在市场经济的背景下，艺术也参与了全球化的趋势，当代艺术作为一个替代现代主义的概念出现了，王广义、张晓刚是这个时期的代表艺术家。
第十四章 观念的展开
——多元格局中的艺术
90 年代后期，中国艺术家开始彻底自由地使用任何材料与方法从事艺术创作，他们利用多种媒体和方法进行实验，身体、综合材料、录像、摄影。由于中国特殊的国情，不同形式的艺术所表达的观念仍然是具有特殊性的甚至是具有中国特色的。同时，女性艺术家的实践成为不可忽视的现象。
第十五章 图像的力量
——新绘画展开
从90 年代上半叶的绘画可以看到一个明显的趋势：摆脱现代主义及其表现性和书写性，并借用现成图像资源进行创作成为绘画的流行趋势。这个趋势通过不同的题材与风格构成了一个整体，让绘画超越视觉趣味而突出观念和态度的重要性，人们开始用“新绘画”来表述不限于视觉判断的观念绘画。同时，一个从当代的视觉开始重新找回传统绘画的气质与趣味的倾向也渐渐明显起来，这种现象被理解为对西方绘画逻辑的疏离。在后现代观念的影响下，新绘画的出现成为重要的景观，经历过八九十年代现代主义运动的艺术家也参与到了新绘画的潮流中，周春芽、曾梵志成为这类艺术中的一个范例。
补叙 制度与变革
——新世纪的语境
跨越世纪之后，中国当代艺术开始经历制度性的转换，上海双年展预示着从上个世纪80 年代开始的新艺术逐渐有了合法化的空间，进一步接近国际展览模式的策展人制度开始出现，世纪初那些让人难受的行为艺术成为艺术领域在新世纪发生彻底变化的信号。人们看到，市场经济逐渐改变了旧有的文艺体制，催生出了艺术新空间及新制度的发育，798 成为这个十年最重要的现象之一，由于出现在各地的艺术空间均与市场发生紧密的关联，在全球化背景下，在资本的介入下，中国当代艺术在国际国内艺术市场里获得了空前的影响力。
· · · · · · (收起)
读后感
在学校图书馆偶遇这本书，从刚开始说服自己坚持看，到后来投入进去想买一本。我认为西方美术史有《The story of art》，中国的美术史不能讲全部，最起码与我们相关的比较近的近现代美术史以一种容易理解的形式呈现于此书，值得一读。
评分在学校图书馆偶遇这本书，从刚开始说服自己坚持看，到后来投入进去想买一本。我认为西方美术史有《The story of art》，中国的美术史不能讲全部，最起码与我们相关的比较近的近现代美术史以一种容易理解的形式呈现于此书，值得一读。
评分在学校图书馆偶遇这本书，从刚开始说服自己坚持看，到后来投入进去想买一本。我认为西方美术史有《The story of art》，中国的美术史不能讲全部，最起码与我们相关的比较近的近现代美术史以一种容易理解的形式呈现于此书，值得一读。
评分在学校图书馆偶遇这本书，从刚开始说服自己坚持看，到后来投入进去想买一本。我认为西方美术史有《The story of art》，中国的美术史不能讲全部，最起码与我们相关的比较近的近现代美术史以一种容易理解的形式呈现于此书，值得一读。
评分在学校图书馆偶遇这本书，从刚开始说服自己坚持看，到后来投入进去想买一本。我认为西方美术史有《The story of art》，中国的美术史不能讲全部，最起码与我们相关的比较近的近现代美术史以一种容易理解的形式呈现于此书，值得一读。
用户评价
翻开书页，首先涌现的是一种强烈的、对于“感知”的探索欲。作者的文字功力极其深厚，她总能用一种近乎诗意的语言，去解构那些看似高深莫测的艺术概念。比如她描述立体主义时，那种将三维空间拆解重构的描述，并非简单地罗列几何图形，而是深入探讨了人类观察世界的视角是如何被技术和思想革命所改变的。读到关于文艺复兴时期人物肖像画的部分，我简直要被那些细腻入微的心理刻画所震撼——画家是如何捕捉到人物内心一闪而过的忧郁或坚定？书中并没有直接给出答案，而是通过对当时社会文化背景的细致梳理，引导读者自己去体会那种历史的厚重感。这种“引导式”的讲述方式，让我感觉自己不是在被动接受知识，而是在主动参与一场深度的文化解码。特别是关于不同媒介材料特性的比较分析，比如油画的持久性与壁画的公共性之间的张力，观点犀利而独到，刷新了我许多原本固有的认知。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，让晦涩的理论变得可触可感，极大地丰富了我的审美词汇库。
评分我必须说，这本书的参考文献和附录部分做得极其详尽，这对于任何想要在特定领域做进一步研究的读者来说，都是巨大的福音。它显示了作者扎实的研究底蕴和严谨的学术态度。但有趣的是，尽管它拥有如此深厚的学术支撑，它的语言却始终保持着一种可亲近性。它仿佛是一位知识渊博的长者，用最简洁明了的语言，向一个充满好奇心的晚辈介绍他毕生的热爱。我特别喜欢其中穿插的那些艺术家的小传或者轶事，它们为冰冷的艺术史增添了人性的温度，让我们看到了那些伟大创造者背后同样鲜活、充满矛盾的内心世界。这些故事，比如某个画家在贫困中坚持创作的毅力，或者某个雕塑家为了完成作品所做的巨大牺牲，极大地激发了我对艺术创作本身的尊重。总的来说，这本书的阅读体验是全方位的，它既满足了我对知识的渴求，又滋养了我的精神世界，是一次物超所值的思想旅程。
评分这本书最吸引我的一点是它对“艺术如何回应时代变迁”这一核心命题的持续追问。它不仅仅是描绘了“什么东西被画了出来”，更深入地探讨了“为什么在那个特定的时间点，人们需要用这种方式来表达自己”。在讲述现代艺术的激进变革时，作者没有采取批判或推崇的立场，而是冷静地分析了工业革命、两次世界大战对人类精神世界的冲击，如何直接催生了那些看似怪诞实则充满挣扎的作品。比如对于摄影术出现后，绘画功能性的衰落与主体性解放之间的辩证关系，分析得鞭辟入 সরকারকে。我感觉作者对艺术史的理解是立体的、动态的，她总能捕捉到那些隐藏在表面现象背后的驱动力。阅读过程中，我常常需要停下来，去回顾前文提到的理论，因为作者总是在不经意间，抛出一个新的视角，要求读者重新审视之前看到的一切。这迫使我的思维保持活跃，去主动构建知识网络，而不是被动地接受信息流。这绝对是一本需要用脑子去“读”的书。
评分这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，硬壳的质感和内页的纸张选择都透露出一种对艺术的敬畏。我尤其喜欢封面那幅抽象的构图，色彩的碰撞和线条的流动，仿佛在诉说着一段跨越时空的对话。拿到手里的时候，就能感受到作者对文字排版的用心，每一章的引言都配有一张精美的、与主题相关的版画或素描，这无疑极大地提升了阅读的沉浸感。阅读体验上，它的叙事节奏把握得恰到好处，不会像某些艺术史著作那样枯燥乏味，反而更像是在听一位经验丰富的策展人娓娓道来。书中对光影的描摹和对材料质感的捕捉，使那些静态的图像仿佛有了生命力，让你能真切地感受到颜料在画布上堆叠的厚重感，或是大理石雕塑上冰凉的触感。虽然我对某些特定流派的深入研究还停留在初级阶段，但这本书提供了一个极佳的宏观视角，帮助我建立起一个清晰的脉络，理解艺术史发展中的那些关键转折点，那些决定性的美学理念是如何相互继承和革新的。这不仅仅是一本工具书，更像是一场精致的视觉盛宴，值得反复品味和收藏。
评分坦白讲，我原以为这类主题的书籍会充斥着大量的、拗口的专业术语，但这本书的叙事策略非常高明，它采取了一种“以小见大”的结构，从某个具体的小案例或者某位相对不知名的艺术家的独特实践切入，最终引申出整个时代的美学转向。这种叙述方式避免了传统艺术史的编年体带来的疲劳感。例如，书中对某个时期工匠们对“色彩的象征意义”的探讨，细致到探讨了矿物颜料的稀有度和权力阶层对特定颜色的偏好，这种深入到社会肌理层面的分析，让我意识到艺术从来都不是孤立存在的，它是社会结构、宗教信仰和经济基础的综合投射。我特别欣赏作者在对比不同文化艺术风格时的审慎态度，她避免了简单的优劣评判，而是着力于阐释每一种风格出现的必然性和其自身的逻辑体系。这本书的知识密度非常高，但我读起来却毫不费力，因为它仿佛拥有自己的呼吸和韵律，引导着读者的思绪平稳前行，最终抵达思想的彼岸。
评分是不是只有在足够了解他者后才能逐渐产生对自我的认知以及对认知自我的欲望。对艺术产生兴趣这两年一直努力跟西方名家名作混脸熟，直到在哥大艺术史课上听了外国人谈中国作品（水墨、书法和张洹）时一不小心got defensive，“你们对中国文化历史的了解还不够对这件作品指手画脚”，才意识到自己也许比“他们”多一些对中国美术直觉性的理解，但因太缺乏文献上的积累，而丧失了在诸多本土问题上足以articulate的vocabulary。看这本书算是一个开始，不过还是拖了一个学期。这本也许是模仿了贡布里希那本的装帧，封面手感很好，但因内容太细、引用太长、例子太多，导致排版过密，插图也小到看不清，导致我不得不边读边自己去查作品大图，很心累。既然已经详实到这一步，不如出个大开本精装啊。
评分四十六万字比艺术哲学还多六万字????
评分脉络清晰 评论理性而克制 作为艺术史家和艺术评论家，这点很是难得。
评分内容丰富，近代一百年来的中国美术史慢慢展开，获益匪浅
评分有点琐碎，有点个人偏好
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