藏傳佛教藝術（第二版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:三聯書店（香港）有限公司

作者:劉勵中

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2015-2

价格:HK$ 800.00

装帧:

isbn号码:9789620434105

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藏传佛教艺术（第二版） 《藏传佛教艺术（第二版）》是一部系统梳理与解读藏传佛教艺术精髓的著作。本书在第一版的基础上，进行了内容扩充与细节打磨，力求为读者呈现更全面、更深入的理解。 本书内容概述： 本书并非单纯的图录集锦，而是通过严谨的学术视角，将藏传佛教艺术置于其深厚的历史、宗教与文化语境中进行剖析。全书大致可分为以下几个核心板块： 历史溯源与发展脉络： 追溯藏传佛教艺术的起源，从早期印度佛教艺术的传入，到吐蕃王朝时期的融合与发展，再到后弘期各教派艺术风格的形成，乃至近现代的演变，清晰勾勒出藏传佛教艺术波澜壮阔的历史画卷。本书将详述不同历史时期政治、宗教、社会因素对艺术创作的影响，解析艺术风格如何随着历史进程而演变、创新与传承。 造像艺术的体系与解读： 详细阐述藏传佛教造像的种类、材质、工艺及其所蕴含的深刻象征意义。从佛陀、菩萨、本尊、空行母到护法神，本书将一一解读其造型特征、手印、法器、装饰等元素，并探讨这些视觉符号背后所代表的佛教哲学思想、修行仪轨与精神旨趣。此外，还将涉及坛城（Mandala）的艺术表现及其在观修中的重要作用。 唐卡艺术的技法与意象： 深入分析唐卡（Thangka）作为藏传佛教绘画艺术的独特魅力。本书将详细介绍唐卡的绘制材料（如矿物颜料、植物颜料）、绘制工具、构图原则、色彩运用等传统技法。更重要的是，将重点解读唐卡画面中丰富的人物形象、故事叙事、象征符号以及它们所传达的佛教教义、因果报应、解脱之道等精神内涵。 寺院建筑与空间营造： 探讨藏传佛教寺院作为宗教活动场所的建筑特色与艺术价值。从宏伟的宫殿式建筑到精美的佛殿内部装饰，本书将剖析其布局、结构、色彩、壁画、雕塑等艺术元素，以及它们如何共同营造出庄严、神圣、充满精神力量的宗教空间，并与藏族地区独特的地理环境和文化习俗相结合。 金铜造像的工艺与审美： 聚焦藏传佛教金铜造像的精湛工艺与独特的审美追求。本书将从材质选择、铸造技法、雕刻细节、鎏金工艺等方面，展现藏族匠人的高超技艺。同时，也将分析不同时期、不同教派金铜造像的风格差异，以及这些造像在宗教仪式和个人修行中的地位与意义。 宗教法器与日常器物： 关注与藏传佛教相关的各类宗教法器和具有宗教文化内涵的日常器物。从五部大印的象征到转经筒的意义，本书将解读这些物品在宗教仪式、修行实践中的功能与象征，并探讨其艺术设计中的文化基因。 艺术的象征意义与宗教功能： 贯穿全书的核心是艺术的象征意义与宗教功能。本书将强调，藏传佛教艺术并非纯粹的装饰，而是承载着重要的宗教教义、修行方法和精神引导。每一尊造像、每一幅唐卡、每一处建筑细节，都蕴含着深层的象征和教诲，旨在帮助信徒理解佛法、积累功德、走向觉悟。 第二版新增与优化： 本版在继承第一版精华的基础上，力求在以下方面进行提升： 新增研究视角与成果： 引入近年来的最新学术研究成果，结合新的考古发现和文献资料，对部分章节进行更新与拓展，提供更具前瞻性的解读。 图文并茂的品质提升： 精选大量高品质的图片，涵盖了不同地域、不同时期、不同类型的藏传佛教艺术珍品，并对图片进行详尽的图注，使其与文字内容形成更紧密的呼应。 内容结构的进一步梳理： 对全书的章节设置与逻辑顺序进行了优化调整，使内容更加连贯，脉络更加清晰，便于读者循序渐进地理解。 部分内容深度挖掘： 针对某些读者可能感兴趣的特定艺术门类或主题，进行了更深入的专题性探讨。 《藏传佛教艺术（第二版）》旨在为对藏传佛教艺术感兴趣的研究者、学生、收藏家以及广大艺术爱好者提供一部权威、详实、富有启发的参考读物。本书将引领读者穿越历史的长河，走进神秘而庄严的藏传佛教艺术世界，感受其独特的精神魅力与艺术价值。

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说实话，这本书的深度和广度远远超出了我的预期，我本来还担心它会不会流于表面，只是简单地罗列一些佛像和唐卡。然而，当我深入阅读后，才意识到这实际上是一部关于“时间”和“空间”哲学的视觉解读。作者对不同时期、不同地域的造像风格演变进行了严谨的梳理，比如早期犍陀罗艺术对后世藏传风格的影响，那些细微的比例变化和手印的差异，都被捕捉得无比精确。更绝妙的是，他将艺术品置于当时的社会、宗教背景下去解读，让我们明白每一件作品都不是孤立存在的，它们是那个特定时代信仰需求的物质载体。每一次翻页，都像是在进行一次跨越千年的对话，感受着那些工匠们对“完美”的执着追求。如果你对文化史和符号学有兴趣，这本书绝对是不可多得的珍品，它提供了大量需要细细品味的细节。

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这本书的装帧和纸张选择，简直是奢侈的享受。打开它的时候，那种厚重感和材质的触感就先声夺人。我是一个对书籍物理质感要求很高的人，很多艺术书籍虽然内容精彩，但拿在手里总觉得轻飘飘的，缺乏“重量感”。但这一本完全没有这个问题，印刷的色彩还原度极高，即便是复杂的唐卡细节，那些微妙的矿物颜料的层次感也能清晰地呈现出来。我花了好几个下午，只是单纯地对着那些彩页发呆，感受色彩在纸面上散发出的那种近乎宗教仪轨的力量。它没有那种浮夸的“网红”式设计，一切都显得沉稳、大气，仿佛本身就是一件经过时间洗礼的艺术品。对于那些希望将它作为家中陈设，或者希望在视觉上获得极大满足感的读者来说，光是“拥有”它，就已经是一种享受了。

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这部作品简直是心灵的航程，我本以为这只是一本普通的图册，但翻开后才发现，它更像是一扇通往神秘世界的窗户。作者对文字的驾驭能力令人惊叹，他没有用那些晦涩难懂的学术术语来堆砌内容，而是用一种极其细腻、富有画面感的笔触，娓娓道来那些古老而庄严的故事。我尤其喜欢其中关于“坛城”的描绘，那种空间的布局、色彩的象征意义，都被解析得入木三分。读完后，我仿佛亲身站在了雪域高原的某座寺院中，耳边回荡着诵经的声音，周遭的一切都变得那么神圣而遥远。这本书的排版设计也极为考究，每一页的留白、字体的大小，都恰到好处地烘托了主题的庄重感，让人在阅读时能够完全沉浸其中，不被外界打扰。它不仅仅是在展示艺术，更是在引导读者去感受一种信仰的力量和历史的厚重，那种震撼感是无法用简单的“喜欢”来概括的。

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我必须承认，这本书的阅读门槛相对较高，它不是那种可以快速翻阅的小册子。它要求读者有一定的背景知识储备，或者至少抱有极大的好奇心去探索那些复杂的概念。我特别欣赏作者在论述中体现出的那种冷静的批判精神，他并没有一味地歌颂，而是坦诚地讨论了艺术在历史变迁中如何被“标准化”和“程式化”的过程。书中对于“神圣与世俗”界限的探讨，给了我很多新的思考角度——当艺术脱离了最初的供奉和修行目的，仅仅作为一种观赏对象时，它的“能量”是否会减弱？这种深入到本质层面的追问，让这本书超越了一般的艺术鉴赏指南，更像是一部关于“艺术生命力”的哲学探讨。对于想要深入研究藏传佛教艺术发展脉络的学者或资深爱好者来说，这本书无疑是一块重要的基石。

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我被书中对“材质与工艺”的描述深深吸引住了。很多关于佛教艺术的书籍往往只关注“是什么”，而这本书却深入挖掘了“如何造”的过程。比如，对于金刚杵的铸造技术，对于矿物颜料的采集和研磨，乃至用于装裱唐卡的丝绸的纹理选择，作者都进行了详尽的、近乎考古学家的细致描述。这种对制作细节的尊重，让我对那些无名匠人的技艺产生了由衷的敬畏。它让我们明白，每一件神圣之物的背后，都凝聚了无数双手日复一日的打磨和心血。阅读这些描述时，我的指尖似乎都能感受到青铜的冰冷和酥油灯下刻刀的微微颤动。这本书的价值在于，它将冰冷的艺术品重新赋予了“温度”和“人性”，让人领悟到“道”与“器”的完美统一。

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