《浙江大学艺术与考古研究》是浙江大学艺术与考古研究中心自2014年起连续编辑的以艺术史与考古研究为主要内容的出版物,载艺术史、考古与物质文化研究等论文,旨在促进艺术史学科范式的更新。由Robert Bagley(贝格利)、白谦慎、Lothar von Falkenhausen(罗泰)、谢明良、李零、李玉珉、缪哲、石守谦、曾布川宽、Peter C. Sturman(石慢)、Alain Thote(杜德兰)十一人组成编辑委员会。
特辑一收录12篇论文:黄士珊《版画与绘画的互动——从宋元佛教版画所见之宋画元素谈起》;石守谦《1200 年前后的中国北方山水画——兼论其与金代士人文化之互动》;陈韵如《同悟真如:刘松年画<罗汉>三轴及其画史意义》;余辉《<重屏会棋图>背后的政治博弈——兼析其艺术特性》;黄小峰《繁花、婴戏与骷髅:寻觅宋画中的端午扇》;Richard M. Barnhart《Zhang Yinchun (1869—1922) and the Authentication of Song Paintings for the International Market, ca. 1915》;Julia K. Murray《Song Paintings of Confucius》;李慧漱《郭熙与小景》;板仓圣哲《梁楷<出山释迦图>的诸问题》;Peter C. Sturman《The Subject in Wen Tong’s Ink Bamboo》;Jonathan Hay《Collaborative Painting at the Early Song Directorate of Construction》;刘和平《挽舟人色:徐铉、郭忠恕、王禹偁、苏轼流放视角下的<江行初雪>与<雪霁江行>》
设于浙江大学文化遗产研究院的艺术与考古研究中心,是普林斯顿大学艺术史系方闻教授倡议设立的。其设立的宗旨之一,是加速我国艺术史学科的创立,并加速与国际大学的学科接轨。
主编缪哲,1965年生,1986年毕业于北京大学中文系,2007年毕业于南京师范大学,获博士学位。现为浙江大学文化遗产研究院教授、艺术与考古研究中心主任。译有《美洲三书》《瓮葬》《塞耳彭自然史》《钓客清话》;著有《祸枣集》;发表论文有《周公辅成王》《重访楼阁》《孔子师老子》《释“图画天地品类群生杂物奇怪山神海灵”》《汉代的正面骑与背面骑》《汉代的正面车马》《浪井和西王母——与王莽有关的四种画像石主题》《<虢国夫人游春图>旁证》《汉代艺术中外来母题举例——以画像石为中心》等;另有《从敦煌到犁靬》《汉代艺术的“开”与“合”》《艺术史中的文献与“家法”》《以图证史的陷阱》等文字见于报刊。
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作为一本会议论文集,其最大的挑战往往在于内容的连贯性与整体性的平衡,但这本特辑在这方面做得非常出色。虽然它汇集了不同学者在不同议题上的成果,但编者通过精妙的引言和总结,成功地建立了一条清晰的逻辑主线,即将宋画置于一个广阔的社会、技术和思想变革的背景下进行考察。阅读体验并非零散知识点的堆砌,而更像是一场精心策划的学术研讨会,各个议题之间相互呼应、相互启发。例如,一篇讨论雕版印刷对绘画普及影响的论文,其得出的结论恰好能印证另一篇关于民间信仰图像传播速度的论述,这种内在的机制形成了一种有力的学术支撑网络。这种结构上的精心编排,使得即便是对某一特定领域不太熟悉的读者,也能通过整体的脉络把握住宋代艺术研究的核心议题和当前学术界的焦点难点,显示出极高的编辑水准和对学术脉络的深刻洞察力。
评分对于一个长期关注中国古代器物研究的爱好者来说,这本书中关于宋代瓷器美学思想的探讨部分,提供了许多颠覆性的见解。我原先的认知大多集中在官窑的形制和釉色分类上,但这几篇文章将焦点转向了“意境”的营造,探讨了宋人如何将理学中的“格物致知”精神融入到器物的线条和比例之中。特别是有一篇论文,它巧妙地对比了当时的文房用具与宫廷陈设,论证了宋代审美从盛唐的雍容华贵向内敛、质朴的“天真自然”过渡的深层文化动因。这种对“隐性”文化元素的挖掘,使得原本冷冰冰的器物研究变得富有温度和人文关怀。论文中对一些出土器物的细节微观分析,如汝窑釉面中气泡的分布规律,竟然被赋予了哲学上的解释,这让我对宋代匠人所秉持的创作理念有了全新的、更为敬畏的理解。这种将美学、哲学与物质文化三者紧密结合的研究路径,无疑是当前艺术史研究中极具前瞻性的体现。
评分我花了大量时间去研究其中几篇关于宋代山水画笔墨语言演变的论文,其论证的严谨性和资料的丰富性令人赞叹。其中一篇关于李唐晚期山水画中“斧劈皴”的运用及其地域风格差异的分析,不仅仅停留在风格描述的层面,而是深入挖掘了当时社会经济结构和文人士大夫审美取向的变迁如何渗透到具体的笔墨技法之中,这种跨学科的视角极大地拓宽了我的理解边界。作者娴熟地引用了大量碑刻文献和同期笔记,将那些抽象的艺术理论转化为了可触摸、可感知的历史脉络。更难得的是,文章在引用西方艺术史理论框架时,把握得恰到好处,既没有陷入生硬套用的窠臼,又能借力打力,为阐释中国传统绘画的独特性提供了新鲜的参照系。尽管涉及的专业术语较多,但行文的逻辑性非常强,即便是对某些晦涩理论初次接触的读者,也能通过清晰的层层递进,逐步掌握核心论点,这充分体现了编者在组织和筛选高质量学术成果上的高超能力。
评分这本书的国际化学术视野是其最显著的特点之一。我注意到好几篇论文的作者来自不同的国家和文化背景,这带来了一种难得的多元解读视角。比如,探讨宋徽宗画院体系的几篇外文译文,其关注点明显区别于国内研究者习惯强调的宫廷权力与艺术的融合,而更多地聚焦于其国际性的交流影响,以及作为当时东亚文化辐射中心所扮演的角色。这种“他者”的审视,往往能揭示出我们自身在长期研究中可能产生的思维定势。通过阅读这些不同文化背景下的学者们如何运用他们各自的理论工具来解构宋代艺术,我感受到了真正的跨文化对话的魅力。它不再是单向度的知识灌输,而是一种多声部、多维度的交响乐,每一篇论文都像是一个不同频率的音符,共同构筑起一幅更为丰满、更为立体的宋代艺术全景图,让人在阅读中不断地修正和丰富自己的知识版图。
评分这本画册的装帧设计着实让人眼前一亮,皮革纹理的封面配上烫金的标题,散发出一种典雅而厚重的气息,拿在手里就感觉沉甸甸的,充满了学术的庄严感。内页纸张的选择也非常考究,那种微微泛着象牙白的哑光纸张,既能很好地展现出古代绘画的细腻笔触和层次感,又有效避免了反光带来的阅读不适。我尤其欣赏它在细节处理上的用心,比如章节之间的过渡页,采用了不同色调的宣纸纹理,虽然只是细微的调整,却极大地提升了阅读的仪式感。装订方面也相当结实,翻阅起来毫无压力,让人有信心将它长久地珍藏。当然,如果说有什么可以改进的地方,或许是字体排版的间距,在某些长段落的注释部分,如果能稍微放开一些,阅读体验会更加流畅和舒适。总体而言,从触感到视觉,这本书在物理层面上就建立了一种与艺术品对话的连接,让人在正式阅读内容之前,就已被其精良的工艺所折服,这对于一本汇集了重要学术成果的文集来说,是至关重要的第一印象。
评分纸质很好
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