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出版者:国际广播1

作者:邵长波

出品人:

页数:279

译者:

出版时间:2008-1

价格:29.80元

装帧:

isbn号码:9787507828863

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 浙江传媒摄影系四年的课程
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影像叙事的艺术：现代电影制作与导演实践 本书深入探讨了当代电影制作的各个层面，旨在为有志于电影艺术创作的读者提供一套全面、系统的理论框架与实践指导。我们将从宏观的电影语言和叙事结构入手，逐步剖析微观的镜头运用、场面调度以及与技术团队的协作，最终勾勒出一位现代电影导演应具备的综合素养。 第一部分：电影语言的基石与解析 电影并非简单的事件记录，而是一种高度凝练、充满符号意义的视觉语言。本部分将详细拆解构成电影的基础元素，并探讨它们如何协同作用以达成特定的叙事目的和情感效果。 一、 镜头：电影叙事的最小单位 我们将深入解析不同焦距镜头（广角、标准、长焦）所带来的空间压缩与延伸感，以及它们在心理层面对观众的影响。特写、中景、全景等景别不仅仅是物理距离的体现，更是权力关系、情感聚焦的工具。我们细致讨论了运动镜头的必要性——摇摄（Pan）、移摄（Tilt）、跟拍（Tracking）和斯坦尼康（Steadicam）的应用场景，强调运动必须服务于叙事流动，避免为炫技而运动。此外，景深控制（浅景深与深景深）在引导观众视线和构建多层次叙事空间中的决定性作用，将被作为核心议题进行剖析。 二、 场面调度：空间与时间的交织 场面调度（Mise-en-scène）是导演在固定或移动的摄影机前，对所有视觉元素进行组织和安排的总和。这包括布景、服装、化妆如何烘托时代背景和人物性格。我们将重点讨论灯光的戏剧性功能——高调光、低调光、伦勃朗光等布光方式如何塑造阴影和氛围。更重要的是，如何利用有限的空间，通过演员的走位、道具的摆放，实现空间叙事，让环境本身成为角色的延伸或冲突的载体。我们着重分析了如何平衡视觉的丰富性与叙事的清晰性。 三、 剪辑：构建时间与节奏的魔术 剪辑是电影的“第二生命”。本书不满足于介绍传统的“连贯性剪辑”法则（如180度线原则），而是着重探讨非线性叙事的运用。我们将对比乔治·梅里爱的时间重叠剪辑与苏联蒙太奇学派的冲突性剪辑（如爱森斯坦的“知性蒙太奇”）。节奏的控制——通过镜头时长的长短变化，如何营造紧张、舒缓、混乱或沉思的观影体验，是本章节的重点实践内容。对跳切、交叉剪辑等手法，将结合具体电影案例，分析其在打破常规时间感和强化情感冲击上的效力。 第二部分：导演的叙事策略与风格确立 成功的导演不仅是技术的执行者，更是故事的灵魂塑造者。本部分聚焦于导演如何构建复杂的世界观，并发展出独特的个人风格。 一、 剧本的再创作：从文字到影像的转化 导演与编剧的关系是合作与拉扯的统一体。本书强调导演的职责在于视觉化剧本，即发现剧本中“未写出的部分”。我们将探讨如何通过改编来强化主题，如何利用视觉线索来弥补对话的不足。对情节结构的理解，包括三幕剧、英雄之旅等经典模型，以及如何有意识地打破这些结构，以服务于特定的艺术追求（如循环结构、碎片化结构）。 二、 人物塑造与演员指导 导演是演员的首席引路人。本章细致区分了表演风格的差异，例如写实主义表演与风格化表演，并探讨了导演如何针对不同类型的演员采用不同的沟通和引导方式。我们探讨了潜台词的视觉化呈现——如何通过肢体语言、面部微表情的捕捉，展现人物内心深处的挣扎与动机，而非仅仅依赖对白。成功的人物弧光（Character Arc）的构建，需要导演对人物的核心欲望与内在冲突有深刻的洞察。 三、 风格化与作者论 电影风格并非随机选择，而是导演世界观的自然流露。我们将分析如何通过对色彩、构图、声音设计的一致性选择，逐步形成可识别的导演风格（如塔可夫斯基的“雕刻时光”、维斯·安德森的精确对称）。这一部分鼓励读者进行自我探索，理解风格背后的哲学根基，避免沦为形式的模仿。 第三部分：高效的制作流程与跨部门协作 电影是集体艺术，导演必须是出色的项目管理者和沟通者。 一、 前期筹备：愿景的蓝图化 前期筹备是决定项目成败的关键。我们将详尽阐述分镜头剧本（Storyboard）绘制的实践意义，它不仅是拍摄指南，更是导演与摄影指导、美术指导沟通的第一语言。关于选景（Location Scouting），我们讨论了如何从地理环境中提取叙事潜力，以及如何处理现实限制与艺术理想之间的平衡。此外，预算控制与排期表制定如何融入到导演的创意决策中，也占据了重要篇幅。 二、 现场实战：掌控与应变 片场的决策速度至关重要。本部分聚焦于导演如何与摄影指导（DP）建立起高效的视觉语言共识，如何清晰地传达对光线和运镜的要求。我们讨论了如何在有限的拍摄时间内，确保演员表演的连贯性与质量。特别关注即兴发挥（Improvisation）的艺术：何时坚持既定计划，何时勇敢地拥抱现场产生的意外火花，并将其转化为对叙事有利的元素。 三、 后期制作的深化：声音与影像的最终融合 导演在后期阶段的参与远不止于“剪片”。我们将详述声音设计的重要性，包括拟音、音效选择、以及如何利用环境声景来增强沉浸感。配乐的选择与编排必须与画面的情感曲线精确同步。同时，调色（Color Grading）作为决定电影最终视觉情绪的最后一道关口，导演需要掌握其对整体氛围和观众心理的微妙影响。 通过对这些模块的系统学习与实践指导，本书致力于培养具有深厚艺术修养、精湛技术理解和强大组织能力的现代影像叙事者，使读者能够将脑海中复杂的视觉构想，转化为震撼人心的银幕作品。

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这本书的文字风格非常学术化，充满了严谨的论证和严密的逻辑链条，读起来需要极高的专注度，完全不是那种可以捧着咖啡放松阅读的读物。我注意到作者似乎非常偏爱用“理论模型”来解释一切现象。例如，书中引入了某个晦涩的视觉心理学模型来解释剪辑节奏对观众注意力的影响，虽然理论上无可指摘，但要将其内化为自己的直觉反应，难度非常大。这本书的强项在于“解构”，它能把一个复杂的镜头语言分解成光线、运动、景别等基本元素，让你清晰地看到它们是如何协作的。我曾尝试对照书中的指导去分析我喜欢的某部电影的片段，发现它确实能提供一套精确的分析框架。然而，这种解构的副作用是，它有时会让人忽略掉艺术创作中那种无法被量化的“灵感”和“直觉”。读完之后，我感觉自己掌握了一套强大的分析工具，可以精确地评论别人做过的好坏，但当我试图用这套工具去“构建”属于自己的画面时，却发现工具箱里装满了沉重的理论砝码，却少了一点轻盈的创意火花。它更像是一部严谨的学术论文集，而非一本充满激情的创作心经。

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这本《电视导演基础》给我的感觉，就像是捧着一本厚厚的、有点年代感的工具书，翻开首页，映入眼帘的首先是一堆密密麻麻的术语和图表，感觉上，作者是想把电视制作流程的每一个齿轮、每一个螺丝钉都给你拆解清楚。书里对景别、机位设置的讲解非常扎实，简直就是教科书式的标准答案，每一种镜头语言背后的逻辑推导都写得清清楚楚。我记得有一章专门讲光影的运用，那部分内容简直是教科书级别的范例展示，它不仅告诉你“应该”用什么样的灯光来烘托气氛，更深入剖析了背后的心理学原理——比如冷光如何制造疏离感，暖光如何增强亲密感。然而，作为一名渴望实操经验的初学者，我总觉得这本书的“人情味”稍显不足。它太注重“规则”和“技术规范”，对于导演在现场面对突发状况时的应变能力、如何与演员进行深层次的沟通以激发他们最佳表演状态，这些“软技能”的篇幅明显不够。读完后，我感觉自己像是一个刚学会了所有乐器指法的乐手，虽然理论知识武装到了牙齿，但真要站在舞台中央，面对一场即兴的合奏，心里还是有点虚，缺少那种临场掌控全局的自信与灵气。它更像是一份严谨的蓝图，而非一堂生动的实战课，对于那些想立刻上手拍出有灵魂镜头的读者来说，可能需要再搭配一些更具“野路子”的经验分享。

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初次翻阅这本书时，我本以为会看到很多关于“如何制造爆款”的秘诀，毕竟“导演”这个职业在公众眼中总是带着一丝神秘的光环。然而，这本书却将重点放在了极其基础且枯燥的“规范”上。内容结构非常工整，像是一本准备参加资格考试的复习资料，每一章的总结都清晰明了，便于记忆。它花了大量的篇幅来论述公共频道节目制作的道德边界和法律法规，比如涉及敏感内容时的画面处理原则，以及如何避免侵犯肖像权等，这部分内容对于想要进入体制内或正规制作公司的读者来说，无疑是至关重要的“护身符”。不过，这种过度的“规矩化”处理，让书的整体氛围显得有些保守和拘谨。书中几乎没有提及任何关于打破常规、探索视觉新边界的尝试和讨论。它似乎在暗示：最好的导演，就是那个最不容易犯错的导演。这让我产生了一种错觉，仿佛我读的不是如何“创作”的指南，而是如何“合规运营”的手册。它教会了我如何避免所有已知的陷阱，但对于如何创造出令人眼前一亮的、具有个人强烈风格的作品，这本书提供的指引却相对模糊和保守。

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读完《电视导演基础》之后，我最大的感受是，它像是一份详尽的“考古报告”，细致地描绘了传统电视制作的黄金时代的标准作业流程。书中对棚内多机位拍摄的调度调度，特别是对现场执行导演和场控的配合要求，写得非常详尽和系统，体现了那个时代对现场同步性和高效性的极致追求。它清晰地界定了不同岗位之间的权限和责任，如果你想了解一个传统电视台是如何在有限的资源内，保证一场大型直播节目的万无一失，这本书就是最好的蓝图。然而，这本书的“时代感”也比较明显，对于近年来以网络平台和流媒体为主要载体的叙事方式，例如碎片化叙事、互动式叙事以及Vlog、短视频等新兴形态的导演技巧，探讨得非常有限，或者说，几乎没有提及。这使得这本书在指导当下年轻创作者时，显得有些“滞后”了。它为我们打下了坚实的基础，让我们明白“规矩”是如何形成的，但对于如何“打破”这些规矩，去适应屏幕生态的快速迭代，这本书提供的答案并不够前沿和有力，更像是一本珍贵的历史文献，而非与时俱进的行动指南。

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我得说，这本书的内容详实到让人有些喘不过气，简直像是一场全景式的、无死角的行业扫描。作者似乎想把近三十年电视导演领域的发展脉络都浓缩在这一本薄薄的书里，从早期的棚内剧场调度到如今多机位高清现场的复杂切换，都有涉及。特别是在谈到导播台操作的逻辑时，我被那种对时间把控的极致要求震撼到了。书里详细描绘了不同类型的节目（访谈、晚会、新闻直播）在导播切换时需要预先准备的切换点、预案以及风险控制流程，那种严丝合缝的调度，如同精密仪器的运作。但这种“百科全书式”的涵盖，也带来了一个副作用：深度上有所牺牲。比如，书中提到了“讲故事”的重要性，但随后笔锋一转就跳到了“信号分配”的流程上，关于如何将抽象的情感融入具体的画面调度中，这种艺术性的探讨往往只是一笔带过，缺乏足够的案例支撑来让我们理解“如何做”。读到后来，我感觉自己像是站在一个巨大的技术堆栈前，理论知识堆得很高，但缺乏一个清晰的、能够指引我从技术走向艺术的阶梯。对于有一定行业基础的人来说，这本书或许是很好的案头参考，但对于完全的新人，可能会在海量的信息流中迷失方向，分不清主次。

评分☆☆☆☆☆

若干年前闲蛋疼，跨校跑去上此课，被敲三十买此书

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讨厌的名解，真拗口

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若干年前闲蛋疼，跨校跑去上此课，被敲三十买此书

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