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出版者:Penguin Books Ltd

作者:Jonny King

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-05-11

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780140276756

丛书系列:

图书标签:

• 爵士入门
• JAZZ
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《What Jazz Is》 这是一段沉浸式的爵士乐探索之旅。 《What Jazz Is》并非一本枯燥的乐理教材，也不是对爵士乐历史流水账式的罗列。它是一次邀请，邀请读者踏入一个充满节奏、即兴与情感的世界。这本书以一种充满热情和洞察力的方式，深入浅出地剖析了爵士乐的核心精髓，旨在让每一个热爱音乐的人，无论你是初涉爵士的门外汉，还是资深的乐迷，都能找到属于自己的理解和共鸣。 爵士乐的灵魂：即兴与对话 在《What Jazz Is》的开篇，作者便将我们引入了爵士乐最令人着迷的特质——即兴。这种现场创作的艺术，不是随心所欲的胡乱奏响，而是在既定和声框架内的自由飞翔，是乐手之间心有灵犀的音乐对话。书中，作者通过生动的比喻和详实的案例，描绘了从早期迪克西兰乐队的集体即兴，到比波普时代复杂精妙的独奏，再到后来的自由爵士更为广阔的即兴空间。你将了解到，每一次的爵士乐演出，都是一次独一无二的事件，每一次的solo，都是一次灵魂的袒露。作者不会仅仅停留在“即兴”这个概念上，他会引导你思考：是什么让即兴如此具有魅力？它承载了怎样的音乐智慧和情感表达？它如何反映了音乐家们在当下那一刻的真实状态？ 节奏的脉搏：摇摆与切分 爵士乐的生命力很大程度上源于其独特的节奏。在《What Jazz Is》中，你会发现节奏不再是单调的节拍，而是跳跃的、富有弹性的生命体。书中会详细阐释“摇摆”（swing）的感觉，这种难以用文字精确描述，却能瞬间感染听众的律动。它不是简单的八分音符的“长-短”，而是对时值的微妙处理，是鼓点和贝斯线上交织出的脉搏，是旋律在强拍与弱拍之间嬉戏玩耍的乐趣。同时，作者也会深入探讨“切分音”（syncopation），这种将重音移到正常重音位置以外的技巧，是如何为爵士乐注入了活力、惊喜和打破常规的创新精神。你会明白，爵士乐的节奏不仅仅是技术，更是一种对时间感知和情感表达的独特方式。 和声的色彩：从布鲁斯到现代爵士 《What Jazz Is》将带领我们穿越爵士乐的和声演变史。从布鲁斯（Blues）那简单却极富表现力的十二小节和声进行开始，感受爵士乐最原始的情感根基。然后，你会跟随作者的脚步，探索大萧条时期和之后，爵士乐和声如何变得越来越复杂和精妙。从色彩丰富的七和弦、九和弦，到调式爵士（modal jazz）中对音阶的解放，再到后来的自由爵士中对传统和声的颠覆，这本书将为你展现爵士乐在和声领域的无限创造力。作者会以清晰的语言，配合适度的音乐示例，让你领略到不同时代、不同风格爵士乐所使用的和声语言，以及它们如何营造出不同的音乐氛围和情感色彩。 旋律的诗意：忧伤与欢腾 爵士乐的旋律，有时如泣如诉，有时又热情洋溢。《What Jazz Is》会引导你欣赏爵士乐旋律的独特性。它不像古典音乐那样严谨工整，也不像流行音乐那样容易记忆。《What Jazz Is》会告诉你，爵士乐的旋律往往带有“蓝调音”（blue notes）的痕迹，这些略带失真的音符，是爵士乐灵魂中挥之不去的忧伤和渴望。同时，作者也会解析爵士乐旋律中那些出人意料的跳跃、突然的停顿，以及它们如何与即兴的节奏相互呼应，创造出令人耳目一新的音乐片段。你将学会从旋律中捕捉音乐家的情绪，理解他们如何在简单的音符组合中，编织出复杂而动人的故事。 人声的魅惑：唱片中的故事 爵士乐并非只是器乐的领域，《What Jazz Is》同样不会忽略那些在唱片中留下不朽声音的爵士歌手。从艾灵顿公爵的“女歌手”们，到艾拉·菲茨杰拉特的scat singing，再到比莉·荷莉戴的深情演绎，这本书会让你感受到人声在爵士乐中的独特魅力。作者会分析这些传奇歌手是如何运用他们的嗓音，不仅仅是歌唱，更是用声音进行即兴，用情感去诠释歌曲。你会了解到，爵士歌手不仅仅是文字的传达者，更是情感的共鸣者，他们的演唱，是与乐队、与听众之间最直接、最动人的交流。 风格的变迁：从摇篮到未来 爵士乐的发展史是一部丰富多彩的史诗。《What Jazz Is》将带你穿越时空的隧道，领略爵士乐不同风格的演变。从新奥尔良的迪克西兰（Dixieland）的奔放，到芝加哥爵士的演变，再到哈莱姆的摇摆乐（Swing）时代的大乐队辉煌，以及比波普（Bebop）的革命性创新，冷爵士（Cool Jazz）的内敛，硬波普（Hard Bop）的回归，自由爵士（Free Jazz）的解放，再到融合爵士（Fusion）的跨界，以及当代爵士的多元发展。书中，作者将为你梳理这些风格之间的联系与区别，介绍不同时期最具代表性的音乐家和他们的作品。但这并非简单的编年史，作者会深入分析这些风格的形成原因，它们如何受到社会、文化、技术等因素的影响，以及它们如何为爵士乐注入新的生命力。 音乐家的故事：灵魂的碰撞 《What Jazz Is》深知，爵士乐的魅力离不开那些才华横溢、个性鲜明的音乐家。本书不会只是冰冷地介绍他们的成就，而是会通过讲述他们的故事，挖掘他们创作背后的故事，展现他们作为个体的情感、挣扎与追求。从路易斯·阿姆斯特朗的开创性贡献，到查理·帕克的革新精神，从迈尔斯·戴维斯的不断探索，到约翰·科尔特兰的灵性追寻，每一位被提及的音乐家，都将跃然纸上，他们的音乐才华和人格魅力，将深深地打动你。作者会让你明白，爵士乐不仅仅是音乐，更是音乐家们对生活、对社会、对艺术的深刻理解和表达。 理解的钥匙：聆听的艺术 《What Jazz Is》最终的目标，是教会你如何更好地去“听”爵士乐。书中会提供一些关于聆听的实用建议，比如如何关注乐器之间的对话，如何捕捉节奏的细微变化，如何感受和声带来的色彩，以及如何去理解即兴创作的逻辑。作者会鼓励你多去聆听不同风格、不同年代的爵士乐，去比较和体会其中的差异，去发现你自己的偏好。他相信，通过这本书的引导，你将不仅仅是“听到”爵士乐，更是能够“理解”爵士乐，并从中获得更深层次的音乐享受。 跨越时空的对话 《What Jazz Is》是一次邀请，邀请你与爵士乐跨越时空的对话。它为你打开了一扇窗，让你窥见爵士乐这个世界丰富的色彩和无限的可能性。无论你是否曾有过接触爵士乐的经历，这本书都将以其独特的视角和深刻的洞察力，为你带来一次难忘的音乐启蒙和精神洗礼。它会让你明白，爵士乐不仅仅是一种音乐风格，更是一种生活态度，一种对自由、对创造、对情感的永恒追求。

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《五光十色的和弦进行》这本书，与其说是一本音乐评论集，不如说是一本关于“情感光谱”的速写本。它没有试图去梳理历史脉络，而是专注于对少数几位关键音乐家，比如比莉·哈乐黛（Billie Holiday）和约翰·柯川（John Coltrane）的某几个特定时期的作品进行深度剖析。作者的语言风格极其富有诗意，甚至有些近乎冥想。例如，对哈乐黛演唱《Strange Fruit》的分析，不是去强调其政治背景，而是细致入微地描摹了她声线的每一个颤抖、每一个停顿，如何将绝望转化为一种极度私密的、几乎是耳语般的力量，直击人心最柔软的部分。读起来，感觉像是在一个漆黑的剧院里，唯一的灯光聚焦在她身上，你被她的情绪完全牵引。对于柯川后期的探索，作者则用了大量抽象的比喻来形容那些快速、密集的音符流，将其比作“宇宙中的星尘在瞬间碰撞”，表达了那种追求超越性的精神内核。这本书的阅读体验是高度主观和沉浸的，它要求读者放下理性的分析框架，全身心地去感受那些音符如何在空气中凝固，然后又如何瞬间消散，留下余韵悠长。

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我向来对那些宏大叙事类的音乐史不太感冒，总觉得少了点人情味，但《节奏的变奏》这本书完全颠覆了我的看法。它最吸引我的一点是，作者没有试图去建构一个清晰的、线性的发展谱系，而是选择了从不同“流派”的侧面切入，像一个精明的策展人，把不同的音乐碎片巧妙地组合在一起。比如，书中对冷爵士（Cool Jazz）和硬波普（Hard Bop）的对比分析，简直是教科书级别的。它没有简单地说“冷爵士安静，硬波普火热”，而是深入到乐手的个人哲学层面去解读。提到迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）在某个时期的沉默与内敛，笔触是那样克制而富有张力；转到亚特·布雷基（Art Blakey）的鼓点时，文字瞬间变得如同疾风骤雨，充满了宣泄感。阅读过程中，我不得不频繁地停下来，去搜索书中提到的那些专辑，因为作者对特定乐段的描述，比如某个萨克斯手即兴演奏中的一个转音，或者某个低音提琴手如何用拨弦制造出空间感，都精确到让你产生“我必须亲耳听一下”的冲动。这本书的厉害之处在于，它让你在阅读的同时，也在进行一场主动的聆听和解码，它教你如何去“听”音乐的结构，而不是仅仅被动地接受旋律。这种互动性，让枯燥的理论分析变得像解谜游戏一样有趣。

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说实话，我对技术层面的乐理分析通常敬而远之，总觉得太烧脑。但是《即兴的艺术》这本书的叙述方式简直是为我这样的“乐理小白”量身定做的。它没有用那些复杂的五线谱和术语吓唬人，而是通过大量的类比和生活化的例子，来解释即兴演奏背后的逻辑。举个例子，作者在解释“调式”时，居然把它比作“在既定的道路上选择风景最好的岔路口”，这个比喻瞬间就打通了我的任督二脉。它让你明白，那些看似天马行空的独奏，其实都是在某种潜在的“规则”下进行的精妙对话。这本书的后半部分，聚焦于“对话”和“聆听”在集体即兴中的重要性，强调了爵士乐的本质是互动。我印象特别深的一段，描述了钢琴手和鼓手之间那种心照不宣的默契，一个眼神，一个轻微的重音变化，就能让整个乐队的能量场瞬间重构。读完后，我再去听一些现场录音，感觉完全不一样了，我能更清晰地分辨出哪个乐手在“提问”，哪个乐手在“回应”，那种音乐交流的火花，变得触手可及。这不再是听旋律，而是听一场高智商的辩论赛。

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最近翻完一本叫做《蓝调的灵魂》的书，说实话，我对爵士乐的了解一直停留在那种老式电影里男女主角在昏暗灯光下对酌的浪漫画面上，感觉它离我有点远。但这本书的叙事方式非常接地气，不像那些学术著作一样堆砌理论，而是像听一个老乐手在吧台边跟你讲故事。作者花了大量的篇幅去描绘二三十年代新奥尔良那些街头艺人的生活状态，那种底层人民在压抑的环境中如何用音乐找到出口的挣扎与激情，读起来让人心里咯噔一下，很有代入感。尤其精彩的是，书中对于早期的布鲁斯（Blues）如何像一粒种子一样，慢慢影响和催生了早期的迪克西兰爵士（Dixieland Jazz）的过程，写得极其细腻。它没有直接告诉我“布鲁斯是爵士乐的基础”，而是通过描述那些乐器是如何被使用、那些和弦进行是如何在街头巷尾流传开来的，让你自己去体会那种血脉相连的感觉。作者的文字功底很深，对特定历史时期的氛围把握得精准，比如那种泥土味和汗水味混杂的节奏感，仿佛能透过纸页闻到。整本书读下来，我感觉自己像是参与了一场跨越百年的音乐朝圣之旅，对那种粗粝而原始的音乐力量有了全新的认识，不再觉得爵士乐是高不可攀的艺术品，而是一种源自生活最深处呐喊的声音。

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最近读完的《跨越太平洋的音符》，是一本关于爵士乐如何进行全球化传播和本土化改造的非虚构作品。这本书的视角非常宏大，它探讨的不是音乐家本身，而是音乐背后的社会学和文化政治。它详细记录了二战后，爵士乐如何从美国本土走向欧洲，特别是法国和北欧，以及它如何与当地的民族音乐元素发生碰撞和融合的过程。书中对日本爵士乐场景的描述尤其引人入胜，展现了日本人是如何以一种近乎虔诚的态度去学习、吸收，最终又以一种极其精致和内敛的方式将爵士乐“日化”的过程。作者的笔触冷静而客观，避免了文化优越感，而是着重分析了这种跨文化交流中产生的张力与创新。例如，当Bebop的速度和复杂性遇到欧洲古典音乐的严谨结构时，会产生怎样奇特的化学反应。这本书让我意识到，爵士乐早已不是单一的美国文化符号，而是一个在全球范围内不断自我更新和进化的有机体。它探讨的不是“什么是爵士”，而是“爵士在何处，以及它如何适应新的土壤”，非常具有启发性。

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