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出版者:音乐出版社

作者:杨荫浏

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页数:66

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出版时间:1962年9月

价格:0.25

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《琴学心声》 一部系统梳理中国传统琴学理论与实践的权威指南 作者： 佚名 页数： 680页 装帧： 精装，附赠古琴指法图谱插页 --- 内容提要 《琴学心声》并非仅仅是一本探讨古琴演奏技巧的教科书，它是一部深度挖掘中国传统“琴学”——这一融汇了哲学、美学、伦理学与音乐本体论的综合性学问——的集大成之作。本书旨在为当代琴人、音乐史研究者以及对中国传统文化感兴趣的读者，构建一个全面、系统、且富有洞察力的理论框架。 本书分为上下两卷，共计十五章，内容涵盖了从琴的形制、音律的宇宙观基础，到演奏中的心手相应，再到琴学与儒释道思想的深度融合等多个维度。 --- 第一卷：琴道之源——形制、音律与文化根基（第1章至第7章） 第一章：七弦之象：古琴形制考辨 本章详尽考察了古琴自上古至明清各个历史时期的形制演变。不仅细致描述了琴体的结构——如岳山、轸、徽位、足的材质与功能，更深入探讨了“凤舌”、“龙吟”等部件背后的象征意义。通过对不同时期“古琴形制谱式”的对比分析，揭示了不同时代审美情趣与制琴工艺的细微差别。本章尤其强调，琴的物理构造并非孤立存在，而是承载了中国传统“天圆地方”宇宙观的具体物化形态。 第二章：太古之音：律学与五音十二律的哲学基础 本章聚焦于中国传统音律学的核心——十二律与五音的建构。不同于西方十二平均律的数学逻辑，本书详细阐述了中国古代如何通过“三分损益法”推导出律制，并追溯其与天文历法的紧密关联。重点分析了“宫、商、角、徵、羽”五音所对应的人伦五常，探讨了“律”如何成为社会秩序与个体修养的听觉体现。本章收录了对《乐记》中相关论述的深入解读，澄清了数个流传已久的律学误区。 第三章：徽位之道：定音与调式的空间学意义 徽位（十三徽）不仅仅是确定音高的标记，更是古琴音乐空间感构建的关键。本章系统阐述了每一徽位的特定指位及其在不同调式中的作用。通过引入“散音”、“泛音”和“按音”三类音色的空间布局分析，阐明了如何通过指位的移动来模拟山川河流的意境。对“七徽泛音”的音响特性进行了声学剖析，并将其与古代文人画中的“留白”艺术进行了类比研究。 第四章：指法入门：“圆、活、轻、净”的内功要求 本章摒弃了仅罗列指法符号的传统做法，而是从“内功”的角度阐述了“吟、猱、绰、注”等基本技法的内在要求。强调演奏者必须通过长期的身体训练，使气息与指力达到协调一致。书中详述了如何通过掌心的松紧变化来控制音色的变化，并首次系统整理了清代琴谱中关于“指法对声音性格的影响”的隐晦记载。 第五章：减字谱的解读：符号背后的意图 减字谱是古琴音乐传承的独特载体。本章提供了一套完整的、具有历史溯源性的解读方法论。除了对指法、时值等基本要素的解释外，更侧重于分析减字谱中包含的“修饰语”（如“进、退、迟、速”）在不同流派中的差异性运用。通过对比唐代与明代琴谱，展示了谱学系统是如何随着演奏风格的演变而自我完善的。 第六章：散音的沉思：论“空”与“寂”的美学 “散音”作为古琴音响的开端，其重要性常被低估。本章将其提升到美学高度，探讨散音的“不确定性”如何预示着一曲的基调。从道家“虚无”的思想出发，分析了如何通过控制击弦的力度和触板的距离，来营造出深远、空灵的听觉环境。书中认为，散音的质量，决定了整部作品的“气度”。 第七章：泛音的飘渺：天人合一的听觉表达 泛音以其高远、空灵的音色，常被喻为“天籁”。本章深入探讨了泛音在不同调式中的音高差异，并分析了它们在古典园林声景中的审美地位。重点分析了“大指泛音”和“食指泛音”在速度与力度上的区别，并援引了古代琴论中关于“泛音如星辰，按音如大地”的比喻，阐释其在构建音乐层次感中的作用。 --- 第二卷：心手相印——流派、意境与修身实践（第8章至第15章） 第八章：琴派溯源：浙、广、川、客四大流派风格辨析 本章对中国主要的古琴流派进行了系统的梳理和风格对比。着重分析了“浙派”的刚健雄浑、“广陵派”的细腻洒脱、“川派”的宽厚大气以及“客家派”的古朴典雅。通过选取各派代表曲目（如《广陵散》、《流水》、《梅花三弄》）的指法差异和节奏处理进行具体范例分析，帮助读者建立起对不同流派“音色指纹”的认知。 第九章：心法修习：琴与“心”的对观 琴学修习的核心在于“修心”。本章回归到“君子之器”的本质，探讨如何通过日复一日的练习，达到“心手相应，物我两忘”的境界。书中引用了大量关于“定静”的论述，强调琴人应在演奏中去除杂念，使音乐成为心境的自然流淌。 第十章：情景交融：意境的构建与表达 古琴音乐的魅力在于其叙事性和写意性。本章详细剖析了如何通过音乐语言来描绘具体的自然景象（如山水、风雨）或抽象的情感状态（如幽思、愤懑）。重点解读了“指法意图”与“音乐意境”之间的对应关系，例如“急促的绰注”如何表现“悲愤”，而“悠长的上”、“下”如何营造“悠远”。 第十一章：道家思想在琴学中的体现：自然与无为 本章探讨了道家哲学对古琴演奏风格的深远影响。分析了“清微淡远”的审美追求如何源自老庄思想，以及“无为而无不为”的哲学如何在演奏中体现为“不刻意雕琢，而自然成趣”。书中对“中和之美”的阐释，为理解古代文人追求的生命境界提供了理论支撑。 第十二章：儒家伦理：琴声中的“礼”与“序” 与道家的自由散漫相对，本章考察了儒家思想如何规范琴学实践。探讨了古琴作为“礼器”的社会功能，分析了“中正平和”的音色要求如何对应于“中庸之道”。书中对比了演奏场合与曲目选择的规范性，阐明了琴乐在古代社会中所扮演的教化角色。 第十三章：禅宗的影响：空灵与瞬间的把握 本章关注佛教，尤其是禅宗思想如何渗透到晚期琴学发展中。探讨了“一音生万法”的禅宗观念如何影响演奏者对“时值”的把握，以及“须臾之间，即见永恒”的体悟如何在指法变化中得以实现。这部分内容对理解晚明清初琴人的内心世界具有极大的启发价值。 第十四章：琴曲赏析：历史名曲的深度解码 本章精选了十首不同时代、不同风格的代表性琴曲进行深度剖析。赏析不仅停留在曲调的描述，更侧重于从历史背景、作者心境、减字谱指法结构三个层面进行综合解读，例如对《潇湘水云》的结构分析，展示了如何用音乐模仿水流的动态变化。 第十五章：琴学在当代的传承与困境：跨越时空的对话 本书最后一部分立足于当代，探讨了在快速变化的现代社会中，如何保持古琴艺术的“精气神”。分析了录音技术对传统“气韵”表达带来的挑战，并提出了在保留传统指法规范的前提下，如何运用现代学术研究方法来阐释和推广琴学精髓的实践路径。 --- 结语 《琴学心声》汇集了数十年来对古琴文献、谱集及实物遗存的考证成果，其价值在于系统地构建了一座连接古代文人精神世界与现代听觉体验的桥梁。本书并非提供速成的技巧，而是引导读者进入一个需要耐心、沉思和内省的艺术领域，真正理解“弹琴”之于中国传统知识分子意味着什么。它是一部旨在唤醒琴人心底深处对“道”的追求的指南。

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这本书的魅力在于它的“可操作性”和“实践指导性”。很多理论书籍读起来总是感觉纸上谈兵，但这本书从一开始就强调理论与实践的结合。作者设计了一系列的练习和案例分析，这些都不是那种空洞的、脱离实际的练习题，而是非常贴近我们日常接触到的经典曲目片段。通过跟随书中的步骤去实际操作和比对，我很快就掌握了如何将书面符号转化为听觉印象。更棒的是，作者非常注重培养读者的“乐感”，他会提醒我们在学习记谱的同时，不能忘记音乐本身的情感表达和节奏律动。这种将技术性学习与艺术性培养完美融合的处理方式，让我感觉自己不再是单纯地在学习一种符号系统，而是在重新发现和体验音乐的生命力。每次练习完，我都有一种迫不及待想去演奏或哼唱的冲动，这是其他教材很少能带给我的体验。

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这套书给我的最大感受是“系统性与完整性”。在现代音乐教育体系中，传统记谱法往往被视为一个小众、边缘化的知识点，很少有教材能将其作为一个核心内容进行全面、深入的剖析。而这本书恰恰填补了这一空白。它不仅详细梳理了记谱体系的起源、发展，还将其置于更宏大的音乐文化语境中进行考察。作者的视野非常开阔，他不仅关注音乐记谱的“技术层面”，更深入探讨了它背后的哲学思想和审美取向。阅读过程中，我能清晰地感受到作者对这份文化遗产所抱有的敬畏之心和传承的责任感。它不仅仅是一本关于“符号”的书，更像是一部关于传统音乐美学思想的导论。对于希望全面了解中国传统音乐记谱体系的学者或高级爱好者来说，这本书提供的全面视角和扎实的资料支撑，是无可替代的宝贵资源，读完后感觉自己的音乐知识体系一下子变得更加完善和立体了。

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这本书简直是为我这种初学者量身定做的，我之前对音乐理论一窍不通，尤其是一些传统乐谱，看着就头疼。但是这本书的叙述方式非常平易近人，它没有用那种高高在上的学术腔调，而是像一位和蔼可亲的老师在循循善诱。刚开始看的时候，我还有点担心会遇到太多的专业术语，结果发现作者非常巧妙地将复杂的概念拆解成了易于理解的小块，每一步都有清晰的图例辅助说明。特别是对于初学者最容易混淆的地方，作者总能给出非常生动的比喻，让我一下子就明白了其中的奥妙。读完前几章，我已经能自信地拿起一张乐谱自己试着解读了，这种从“看不懂”到“初窥门径”的飞跃，真的让人很有成就感。这本书的排版设计也很用心，字里行间都透露着一种沉静而专业的味道，让人在阅读过程中非常专注，不会轻易分心。对于想要系统学习传统乐理，但又害怕枯燥理论的读者来说，这无疑是一剂良药。

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说实话，我是一个对阅读体验要求比较高的人，我对那种印刷粗糙、图例模糊的书籍非常反感。但《工尺谱浅说》在装帧设计和内容呈现上，绝对是达到了专业出版物的上乘水准。纸张的质感非常舒服，长时间阅读也不会觉得眼睛疲劳。而最关键的图表部分，无论是线条的清晰度还是色彩的区分，都做得极其考究。尤其是一些复杂的符号对比图，如果不够清晰，读者很容易混淆，但这本书的处理方式是——干净、精准、毫不拖泥带水。这对于学习一门精确的符号系统来说，是至关重要的。另外，书中的目录结构设计也体现了作者的用心，逻辑脉络清晰，检索起来非常方便，这对于我这种需要随时查阅特定知识点的读者来说，简直是福音。这本书的实体质量，完美地衬托了其内容的专业价值。

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我必须得说，这本书的深度和广度远超出了我最初的预期。我以为它会仅仅停留在基础知识的介绍，但深入阅读后，我发现作者对音乐文化的历史背景和理论体系的构建有着非常深刻的洞察力。它不仅仅是在教“怎么读”，更是在引导我们去“理解为什么”。例如，在讲解某个记谱法的演变时，作者会引用大量的历史文献和不同时期的音乐实例作为佐证，这使得整个学习过程充满了历史的厚重感和探索的乐趣。我特别欣赏作者在批判性思维方面的展现，他不会把任何一种记谱法奉为圭臬，而是客观地分析了每种体系的优缺点及其产生的时代局限性。这种严谨的学术态度，让这本书不仅仅是一本入门指南，更是一部值得反复研读的参考工具书。对于有一定基础，希望拓宽知识边界的音乐爱好者而言，这本书绝对能提供新的视角和更深层次的思考空间。

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【毕论口粮】之六。很早就看了一部分，后来看曲话去了，忘了这本还没看完。昨天做了几段工尺谱的翻译练习。

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工尺谱

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【毕论口粮】之六。很早就看了一部分，后来看曲话去了，忘了这本还没看完。昨天做了几段工尺谱的翻译练习。

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