Great Jazz Guitarists 02 On From The 50s pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Faber And Faber Ltd.

作者:Ivor Mairants

出品人:

页数:195

译者:

出版时间:2001-09-01

价格:CAD 21.50

装帧:Paperback

isbn号码:9781860742484

丛书系列:

图书标签:

• 爵士吉他
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爵士吉他大师的黄金时代：从摇摆到波普的演变 本书深入剖析了20世纪40年代末至50年代初爵士吉他领域所经历的革命性转变，聚焦于那些定义了现代吉他演奏风格的先驱者们。这不是一部关于特定乐手或专辑的简单罗列，而是一次对技术、理论和文化交汇点的详尽考察，探讨了吉他如何从伴奏乐器一跃成为独奏领域的绝对主角。 第一章：战后语境下的吉他困境与新生 在二战结束后的喧嚣中，爵士乐正经历着从宏大管弦乐式的摇摆乐（Swing）向更内敛、更具智性挑战的“酷”（Cool Jazz）和新兴的“比波普”（Bebop）过渡。这一时期的吉他手们发现，传统的吉他音色和技法在快速、复杂的比波普和声进行中显得力不从心。 音色之战： 钢弦吉他与电拾音器的早期融合，以及对音量和清晰度的追求。我们探讨了Gibson ES-175等标志性乐器如何开始普及，以及它们如何塑造了后续的音色标准。同时，木吉他演奏家们也在努力寻找在大型乐队中穿透力更强的发声方式。 和声的重塑： 比波普带来了对延伸音程（九音、十一音、十三音）和复杂的和弦替换的偏爱。吉他手们不再满足于简单的三和弦或七和弦伴奏，他们必须掌握快速的指板转换，以适应查理·帕克和迪兹·吉莱斯皮那般令人目眩神迷的旋律线。 第二章：从摇摆节奏到现代独奏的桥梁人物 本章重点分析了那些在风格过渡期扮演关键角色的吉他大师，他们既尊重了前人的传统，又勇敢地踏入了前人未曾涉足的领域。 巴尼·凯塞尔（Barney Kessel）的叙事性： 凯塞尔的演奏充满了清晰的线条感和近乎完美的节奏精准度。他的独奏充满了对传统蓝调和弦的巧妙引用，但其和声选择和乐句的构建方式，已经明确指向了未来的现代爵士乐。我们分析了他如何将即兴创作塑造成一个连贯的故事，而非简单的音符堆砌。 霍提·莱德贝特（Tal Farlow）的闪电速度与对位： 莱德贝特以其近乎不可思议的指板跨度和音阶运行著称。他的演奏体现了对器乐限制的突破，尤其是他如何将贝斯手的Walking Line融入到自己的独奏中，创造出一种紧凑而充满活力的对位效果。他的和声运用也开始展现出比波普的复杂性，但始终保持着一种流畅的、令人愉悦的听感。 第三章：波普吉他的诞生：清晰、逻辑与速度的胜利 50年代初期，爵士乐的中心开始从纽约的哈林区向格林威治村和西海岸转移，催生了对技术纯粹性的极致追求。 韦斯·蒙哥马利（Wes Montgomery）的崛起前的酝酿： 虽然蒙哥马利的成熟期稍晚，但其早期对单音线条的强调，以及对和弦旋律（Chord Melody）的精细处理，反映了当时对清晰度和音符选择的重视。本章探讨了当时吉他手如何从钢琴家主导的和声体系中提炼出适合吉他的“歌唱性”旋律。 吉米·拉尼（Jimmy Raney）的精炼： 拉尼是将比波普的复杂性真正融入到吉他演奏中的重要人物之一。他的乐句尖锐、节奏感强，对每一个音符的选择都经过了深思熟虑，极少有冗余的音符。我们深入剖析了他的乐句是如何在快速的 ii-V-I 循环中穿梭，以及他如何处理那些在传统乐器上难以奏出的高把位音符。 第四章：西海岸的冷静与内省：酷爵士对吉他的影响 与东海岸的激进相比，西海岸的爵士乐倾向于更加放松、内省和精致的音色处理。 吉他音色的柔化： 这一流派的吉他手们更倾向于使用温暖、圆润的音色，通常伴随着混响的恰到好处的运用，以营造出一种开阔的空间感。这与比波普吉他追求的“前置、清晰”形成了鲜明对比。 旋律而非技巧的胜利： 在酷爵士的语境下，吉他独奏的重点从展现手指的速度转移到了情感的深度和旋律的优美性上。他们倾向于使用更少的音符来表达更丰富的情感层次，这需要演奏者对呼吸感和时值的精妙控制。 第五章：幕后英雄：节奏组与吉他手的互动 爵士吉他手的进步并非孤立的现象。本章着眼于50年代初期的节奏部分如何为吉他独奏提供了更稳定、也更具挑战性的基础。 鼓的进化： 侧重于Ride Cymbal（叮叮镲）在节奏上的统治地位确立，以及它如何为独奏者提供了更清晰的“时间感”。这种更稳定的节奏框架，使得吉他手能够更专注于和声的探索，而不必担心节奏的松散。 低音提琴的作用： 步行贝斯（Walking Bass）的清晰化和音准的提高，为吉他手提供了更可靠的和声参考点，使他们在即兴时敢于冒险进入更远的调性区域。 本书旨在为严肃的吉他学习者、爵士乐研究者以及所有对声音演变历史感兴趣的听众，提供一个详尽、深入且非教科书式的解读，描绘出从战后到50年代中期，爵士吉他如何完成了其“成人礼”。

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哇，这本书简直是吉他爱好者的福音！我花了整整一个周末才把它啃完，但绝对值回票价。作者对于爵士吉他黄金时代的洞察力令人惊叹。他不仅仅是在罗列名字和唱片，更是在深入挖掘每一位大师的音乐哲学和技术演变。比如，书中对 Wes Montgomery 那种“八度演奏”技巧的分析，简直是手把手教学的级别，让你清晰地感受到他是如何将布鲁斯根基融入到无比精致的和声色彩中的。还有对 Joe Pass 那种无伴奏独奏能力的剖析，那种如何在只有一个吉他的情况下创造出旋律、和声、低音三者完美融合的魔力，光是阅读就能感受到指尖的颤动。我尤其喜欢作者在描述技术细节时，总能巧妙地穿插那个时代爵士乐的社会背景，让你明白为什么这些音乐会以那种方式诞生，那种对自由和即兴精神的极致追求是如何通过琴弦爆发出来的。这本书的排版和照片选择也极为考究，那些老照片仿佛能带你回到录音室的那个年代，亲眼见证传奇的诞生。如果你真的想从“听众”升级到“演奏者”的角度去理解爵士吉他，这本书是绕不开的圣经。它提供了一种深度，是那些泛泛而谈的音乐史读物无法比拟的。

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这本书读起来，就像是收到了一封来自爵士乐黄金时代最内行人士的密信。它的语气非常亲切，充满了对所讨论音乐家们的深深敬意，但绝不是那种阿谀奉承的赞美之词。作者仿佛是坐在你对面的老乐手，手里摇晃着一杯威士忌，开始跟你娓娓道来那些尘封的往事。他非常擅长捕捉那些转瞬即逝的“时代精神”。例如，书中有一段精彩的描写，关于摇滚乐兴起初期，几位老牌爵士吉他手如何既保持警惕又好奇地观察新浪潮，并尝试将一些更具侵略性的拨弦方式融入到他们原本流畅的线条中去。这种对代际更迭和风格冲突的敏锐捕捉，让整本书充满了动态感，而不是一本静止的“历史陈列”。我最欣赏的地方在于，它没有预设读者必须是专家，而是以一种循序渐进的方式，将复杂的爵士语汇拆解成一个个可以理解和消化的模块，让你在享受故事的同时，不知不觉间提升了自己的音乐鉴赏能力。读完它，我感觉自己不仅学到了知识，更重要的是，重新点燃了对爵士乐那份最初的、纯粹的热爱。

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这本书的排版和设计本身就是一种艺术表达。我买的是精装版，纸张的质感非常好，那些老照片扫描得极其清晰，光影的对比度把握得恰到好处，能让人清晰地分辨出琴弦的张力和指板上的汗渍痕迹。更重要的是，作者在讨论不同流派的融合时，采用了非常直观的图表和乐谱示例来辅助说明，这对于我这种视觉学习者来说简直是福音。我特别喜欢其中几章对“录音室工程”如何影响吉他音色的探讨。比如，如何通过改变麦克风的位置，仅仅是前后移动几英寸，就能彻底改变一把Gibson ES-175在混音中的角色——是从背景的温暖和声到清晰的前景独奏。这种对技术细节的关注，让我意识到伟大的演奏不仅仅是手指的功劳，更是那个时代技术和艺术相互成就的结果。读完后，我对如何设置自己的音箱和效果器都有了全新的思考方向，不再只是盲目模仿，而是开始有目的地去塑造自己的声音面貌。

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我得承认，这本书的学术性确实挺强的，但绝不枯燥。它巧妙地将音乐理论的严谨性与摇摆乐的律动完美结合。作者在分析前波士顿学派（West Coast Jazz）吉他手时，对和声进行的分解，简直是教科书级别的清晰度，尤其是对“色彩音”（Color Tones）在即兴旋律构建中的作用的阐述，我以前总觉得是凭感觉在弹，现在终于有了一套可以套用的逻辑框架。但最妙的是，每当理论分析达到顶峰时，作者总会立刻引出一个具体的录音片段作为佐证，并用一种近乎诗意的语言描述那个瞬间的听觉冲击。比如，他描述Grant Green 在某个五六十年代的蓝调小品中，如何用最少的音符营造出最强烈的紧张感，那种“留白即是音乐”的哲学，让我对“少即是多”有了全新的理解。这本书的论证过程就像是跟着一位极其博学的导师在音乐厅里进行私人导览，既有理论的深度，又不失欣赏音乐的纯粹乐趣。

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说实话，我原本是冲着某几个特定吉他手的大名来的，但读完之后，我的音乐视野被彻底拓宽了。这本书的叙事方式非常独特，它不是线性的，更像是一张由无数相互交织的故事组成的巨幅挂毯。我欣赏作者没有陷入那种过度推崇“完美主义”的泥淖，而是非常坦诚地展示了这些大师们在探索新领域时所经历的挣扎和失败。书中提到了几位前辈在试图融合新兴的放克（Funk）元素到传统爵士乐时的内部争论，这让人物形象一下子变得立体而真实，不再是高高在上的神坛偶像。这种对“人性”的刻画，通过对他们即兴段落中那些“不和谐音”的细致解读体现出来，让人明白真正的创新往往伴随着巨大的风险和自我怀疑。我感觉这本书更像是一份深入的田野调查报告，充满了作者多年来搜集的口述历史和未曾公开的录音室轶事。对于任何试图在自己的演奏中寻找独特声音的音乐人来说，这本书提供的不仅仅是技巧，更是一种面对创作瓶颈时的精神支撑和方向感。

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