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出版者:中国大百科全书出版社

作者:中国社会科学院考古研究所等编著

出品人:

页数:146页

译者:

出版时间:1996年

价格:60.00

装帧:

isbn号码:9787500052746

丛书系列:考古学专刊·丁种

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好的，这是一部关于中国古代瓷器史的专著的简介，与“南宋官窑”无关。 --- 书名：《明清两代御窑的兴衰：从永乐盛世到康雍乾盛世的辉煌与变革》 作者： [此处留空，请自行填写] 出版社： [此处留空，请自行填写] 定价： [此处留空，请自行填写] 版次： [此处留空，请自行填写] 字数： 约50万字 开本： 16开 装帧： 精装 --- 内容简介： 一部系统梳理明清两代宫廷瓷器发展脉络的权威著作 本书旨在深入剖析中国陶瓷史上最为辉煌、艺术成就最为集中的一个历史时期——明清两代（1368年—1912年）的宫廷制瓷业。不同于仅聚焦于某一朝代或某一品类的传统研究，本书采取宏大的叙事框架，力图勾勒出近五百年间，以景德镇御窑为核心的中国皇家用瓷的生产体系、技术演变、艺术风格更迭以及其背后的政治、经济与文化动因。 本书内容翔实，考证严谨，通过对历代窑址出土遗存、内府档案记录、传世官窑精品以及相关文人笔记的交叉印证，构建了一幅全面、立体的明清御窑发展图景。全书共分为上、下两卷，二十余章，层层递进，细节入微。 上卷：明代御窑的奠基与鼎盛（洪武至万历） 上卷着重探讨明代早期在元代技术基础上，如何建立起一套独立、规范的宫廷用瓷生产制度。 第一部分：初创与规范（洪武至永乐） 开篇详述洪武时期，宫廷对制瓷业的初步管控与对前朝遗存的继承。重点剖析永乐宣德时期，被誉为“明代御窑的黄金时代”。我们不再仅仅关注“永乐甜白”和“宣德青花”的表层美学，而是深入探究其釉料配方、钴料来源（苏麻离青的运用及其烧制特点）、修胎工艺的飞跃。书中对永乐年间“奉先之思”的款识规范化、官搭民烧制度的初步形成，以及大型礼器、冥器烧造的规模进行了细致的描述。特别是对宣德青花中“一笔莲”的技法特征与官窑的明确界定，提供了新的观察视角。 第二部分：风格的成熟与过渡（正统至成化） 本部分关注明代中期，御窑在技术稳定后所展现出的艺术自觉。正统、景泰时期的“青花偏淡”现象，并非技术倒退，而是受制于时代背景和宫廷审美的微妙变化。核心章节集中于成化斗彩的横空出世。本书详尽解析了成化斗彩的“釉下青花勾线，釉上彩料填色”的复杂工艺流程，并首次将成化斗彩的纹饰主题（如婴戏图、高士图）与当时的宫廷生活、道教思想相结合进行解读。此外，对成化斗彩中出现的罕见小件器皿的审美情趣进行了专门探讨。 第三部分：晚明的技艺高峰与转型（弘治至万历） 弘治朝的“娇黄”与“无款”现象，揭示了宫廷对色彩纯净度追求的极致。进入万历时期，本书着重分析了嘉靖、万历五彩的成熟与繁缛化。研究发现，万历官窑在批量生产的需求下，对釉料的稳定性进行了大量试验，并出现了“青花料用国产料为主，五彩料追求浓艳”的特点。书中对万历青花的“铁锈斑”现象进行了科学分析，并讨论了景德镇民窑在此时期对官窑技术扩散所起到的关键作用。 --- 下卷：清代御窑的集权与极致（顺治至宣统） 下卷将焦点转向清代，特别是康熙、雍正、乾隆“三朝盛世”对御窑的空前投入与最终的衰落轨迹。 第一部分：清初的重建与技术革新（顺治至康熙） 清初，御窑经历了一个艰难的重建过程。本书详细记录了顺治、康熙初年，朝廷如何从江南地区抽调工匠，恢复南庙（指内府官窑）的生产。康熙朝是清代制瓷的转折点。我们深入分析了康熙青花的“康熙款”确立过程，以及其“恢复宣德”、“仿古”的明确旨意。重点描绘了“硬彩”（即我们今日所称的康熙五彩）在釉料纯净度上对明代五彩的超越，以及康熙“康熙御制”款识的规范化对后世的影响。 第二部分：雍乾盛世的工艺巅峰（雍正、乾隆） 雍乾时期是清代御窑的艺术高光时刻。本书认为，雍正朝是“以士人审美主导”的时期，其特点是：造型秀雅、纹饰精细、色彩柔和。书中详细梳理了雍正朝新创的釉彩品种，如“娇黄地”、“仿官釉”在御前陈设器上的广泛应用，并首次揭示了雍正朝官窑体系中，督陶官（如唐英）对设计稿和烧制流程的绝对控制权。 乾隆朝则标志着“集大成与符号化”的特点。本书认为，乾隆御窑的特点在于“求新、求繁、求博”。我们详尽分析了“粉彩”工艺在乾隆朝的极度精细化表现，如“通景山水”、“珐琅彩”（作为独立工艺体系的讨论）的制作难度。书中对比了乾隆官窑对唐英督造期与后期的区别，指出随着乾隆帝审美趣味的变化，御窑在后期出现了“过度装饰”的倾向，为后期的技术固化埋下了伏笔。 第三部分：中晚清的式微与终结（嘉庆至宣统） 本书的最后部分，审视了清代御窑在晚期面临的挑战。嘉庆、道光、咸丰时期，由于战乱和内廷对成本的控制，官窑的整体水平有所下降，但“粉彩”依然是主流。我们重点分析了道光时期的“青花缠枝莲纹”和“粉彩蟠螭纹”的审美取向。最后，本书详细论述了光绪、宣绪时期御窑的艰难复兴，以及在清末“仿古风潮”下，如何试图回归康雍时期的典范，并最终随着清王朝的覆灭而宣告了长达五百余年的宫廷制瓷史的终结。 本书特色与价值： 1. 技术驱动型研究： 不仅描绘了“它是什么样子”，更探究了“它是如何做成的”。对釉料配方、烧成温度曲线、施釉方式等硬核技术细节的还原，是本书的核心贡献。 2. 档案与实物结合： 首次引入了部分清宫造办处档案中关于瓷器烧造的记载，与传世实物进行对比分析，增强了论述的说服力。 3. 横向对比与纵向贯通： 结构上清晰地划分了明清两个宏观阶段，内部则通过对“青花”、“彩瓷”等核心技术线的追踪，展现了技术的延续与断裂。 本书是陶瓷史研究者、博物馆工作者、资深藏家以及对中国工艺美术史感兴趣的读者的必备参考书。它不仅是一部关于器物的书，更是一部关于权力、品味与匠心如何共同塑造一个伟大时代的史诗。

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阅读这本书的过程中，我最大的感受是作者在考据上的“执拗”与“审慎”。它绝不是一本泛泛而谈的入门读物，而是建立在一系列扎实的一手资料和反复的交叉验证之上的。书中多次提及作者为了确认某一窑址的年代区间，是如何与国内多家考古研究所的报告进行比对，甚至为了辨析一类釉料成分的差异，引用了现代材料科学的分析数据。这种对每一个结论都力求精确到位的态度，让读者产生了极大的信赖感。在处理那些争议较大的学术命题时，作者也表现得十分得体，他不会武断地下结论，而是将主流观点、次要观点以及自己的推测清晰地划分出来，并给出各自的支撑证据，留给读者自行判断的空间。这种开放而又严谨的学术姿态，体现了真正的大家风范，远超一般的科普读物所能企及的高度。

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这本书的语言风格中蕴含着一种深沉的历史感和人文情怀，让人在学习知识的同时，也感受到一种跨越时空的对话。作者行文间偶尔会流露出对那个逝去时代的无限缅怀，比如描述到某一特定时期烧制的器物上所带有的那种“天真烂漫”的气质，或者某件流失海外的国宝所承载的民族记忆。这种情感的融入，使得冰冷的器物仿佛拥有了灵魂和生命，不再是单纯的考古标本。它让我们思考，在那个特定的历史节点上，是什么样的生活场景、什么样的审美导向，催生出了如此精美绝伦的工艺品。这不仅仅是一本关于“如何鉴定”的书，更是一本关于“如何理解”历史和文化的书。读完后，我对那个朝代的理解，不再仅仅停留在政治和军事层面，而是多了一层关于日常美学与精工细作的深刻感悟。

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这本书的装帧设计和印刷质量简直让人爱不释手，那种沉甸甸的质感，光是捧在手里就能感受到制作者的用心。特别是那些高清彩图的呈现效果，色彩的还原度极高，即便是那些釉色微妙变化的细节，也能被清晰地捕捉和展现出来。我对着其中几幅关于器物底款的特写图片看了很久，那些细如发丝的款识，在放大后依然能看到书写时的力度和韵味，仿佛能透过纸张触摸到当时工匠的手指温度。装帧上选择的纸张似乎也有特别的考量，光泽度恰到好处，既能很好地承载油墨，又不会产生刺眼的反射，阅读体验非常舒适。书脊的装订也看得出是经过精密计算的，无论如何翻开，书页都能平整地展开，即便是新书，也不需要费力地去“驯服”它。这种对物理形态的极致追求，让这本书本身就具有了收藏价值，它不仅仅是知识的载体，更是一件精美的工艺品，摆在书架上，本身就是一道亮丽的风景线，让人每次路过都会忍不住想再次翻阅。

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这本书的配图选择和编排简直是教科书级别的示范。通常涉及古代工艺品的书籍，配图往往是质量参差不齐，或者角度单一。然而，在这本书里，每一张图片似乎都经过了精心的挑选，它们不仅是用来展示器物的造型，更是用来佐证作者论点的关键证据。很多图片的角度设计得非常巧妙，比如针对性地拍摄了器物的内壁、足底的修足方式，甚至是光线照射下釉面产生的“橘皮纹”或“蟹爪纹”等特殊肌理。更赞的是图注的详尽程度，几乎每一张都有明确的尺寸、出处（如某省博物馆藏或某次考古发掘），这极大地便利了深度研究者。我甚至注意到，作者在引用某件关键器物时，会同时提供不同角度的数张照片，形成一个多维度的视觉档案，这种对细节的极致关注，让读者仿佛身临其境地在展柜前进行观察与比较。

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这本书的叙事脉络极其精妙，作者采用了时间轴与专题研究相结合的叙事手法，使得原本可能枯燥的学术梳理变得生动有趣，引人入胜。我特别欣赏作者在阐述某一特定器型演变时，那种抽丝剥茧的逻辑推导过程。他并非简单地罗列出不同时期的样品图片，而是深入挖掘了支撑这些变化的社会经济背景、技术瓶颈的突破，甚至是宫廷审美趣味的微妙转移。比如，书中对某一种花口造型在不同年代的微小变化进行了近乎于人类学田野调查式的细致描摹，结合出土报告和传世实物的对比分析，让人茅塞顿开。作者的笔法时而如严谨的科学报告，数据详实，论证有力；时而又像一个经验老到的鉴赏家，用充满洞察力的语言点评每一件作品的“神韵”，这种文风的切换自然流畅，极大地丰富了阅读的层次感，使得非专业人士也能轻松跟进其深邃的思考。

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