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出版者:湖南文艺出版社

作者:[日]宫崎法子

出品人:浦睿文化

页数:0

译者:傅彦瑶

出版时间:2019-8

价格:78.00元

装帧:精装

isbn号码:9787540492779

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
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《丹青溯源：笔墨间的千年画魂》 在中国悠久的文明长河中，绘画始终扮演着不可或缺的角色，它不仅是视觉的艺术，更是思想、情感、哲学与历史的载体。本书《丹青溯源：笔墨间的千年画魂》旨在深入探索中国绘画的历史演进、美学精神及其在中国文化中的独特地位，揭示隐藏在水墨晕染、线条勾勒、色彩挥洒之下的深层意蕴。我们将穿越时空，从史前岩画的朴拙萌芽，到汉唐宫廷的辉煌气象，再到宋元文人的雅致情怀，直至明清的世俗风情与近现代的多元探索，勾勒出一幅波澜壮阔的中国绘画发展全景图。 本书并非简单罗列画家的生平与作品，而是致力于挖掘每一笔每一画背后所承载的文化基因与哲学思考。我们将从“天人合一”的宇宙观出发，解读中国画如何以“气韵生动”作为最高审美追求，如何通过“移情”、“托物言志”等方式，将客观景物与主观情思融为一体。五代时期的山水画大师们如何以“搜尽奇峰打草稿”的精神，将自然之美转化为笔墨的意境？宋代花鸟画如何通过对生命细微之处的刻画，传递出对自然的敬畏与对生命的关怀？文人画又如何将诗、书、画、印融为一体，成为一种独特的士大夫阶层的精神寄托与艺术表达？这些问题都将在本书中得到细致的梳理与解答。 第一章：溯源而上，初探文明的笔墨印记 本书的开篇，我们将回溯至中国绘画的源头。从甘肃敦煌、内蒙古阴山、云南沧源等地的原始岩画开始，探寻早期人类如何用最质朴的色彩与线条，记录下他们的生活、信仰与对世界的想象。这些充满生命力的图腾与叙事，为中国绘画的母体注入了最初的活力。 接着，我们进入青铜时代的艺术高峰。商周时期青铜器上的纹饰，虽然并非严格意义上的绘画，但其图案化的造型、流畅的线条以及蕴含的神话传说，已显露出抽象与具象相结合的早期艺术特征，为后来的绘画发展奠定了符号化的基础。 秦汉时期，随着统一王朝的建立，绘画开始走向更为成熟与多样化的道路。从墓葬壁画如马王堆汉墓帛画，到宫廷的壁画与屏风画，再到石刻图像中的人物故事，我们看到了绘画在叙事性、表现力上的显著提升。尤其是对人物的描绘，开始注重神态的捕捉与情感的表达，初步形成了“以形写神”的早期理念。 第二章：辉煌与转型，唐宋绘画的时代风貌 唐代是中国绘画的黄金时代，其气魄宏大、色彩绚丽、题材广泛，对后世产生了深远影响。我们将重点解读唐代绘画在人物画、山水画、花鸟画等方面取得的辉煌成就。阎立本的《步辇图》如何展现了宫廷的威严与人物的内心活动？吴道子的“吴带当风”技法如何突破了对线条的局限，赋予了人物以动感与生命力？张萱、周昉笔下的仕女画，又如何细腻地描绘了女性的优雅与风情？ 同时，我们也将探讨唐代山水画的初步发展，以及佛教艺术在唐代绘画中的重要地位，如敦煌壁画所展现的佛教故事与异域风情。 宋代是中国绘画的另一个高峰，尤其在山水画和花鸟画方面达到了前所未有的高度。宋代绘画强调“理”与“意”的结合，追求“意境”的营造。我们将深入分析范宽、郭熙、李唐等山水画大师如何通过对自然山川的细致观察与深刻体悟，创造出雄浑壮阔或秀美幽静的山水意境。《千里江山图》所展现的青绿山水的极致之美，又代表了怎样的时代风尚？ 在花鸟画领域，宋代画家如赵佶、崔白、林椿等，以精湛的写实技法，捕捉了花鸟虫鱼的生动姿态与自然情趣，体现了对生命细节的尊重与热爱，也蕴含着“写意”精神的萌芽。 第三章：文人情怀与世俗生活，元明清绘画的流变 元代，文人画得到了进一步的发展与确立。赵孟頫“尚古”、“重笔墨”的艺术主张，为元代绘画注入了新的活力。我们探讨元代文人如何在山水画中寄寓个人情怀，以书入画，追求笔墨的趣味与人格的象征。黄公望的《富春山居图》如何成为文人画的典范？ 明清时期，中国绘画呈现出更加多元化的发展趋势。一方面，宫廷绘画依然保持着一定的规模与影响力，但逐渐趋于程式化。另一方面，市民阶层的兴起，促进了世俗绘画的繁荣。我们将关注沈周、文徵明、唐寅、仇英等明代绘画大师，他们如何在继承传统的基础上，拓展了绘画的题材与风格，如“吴门画派”的雅逸与“浙派”的粗犷。 清代绘画，既有“四王”等守旧派的复古之风，也有八大山人、石涛等个性张扬的创新实践。同时，我们还将探讨扬州画派等民间画派的出现，以及海上画派在晚清的崛起，它们如何适应时代变迁，吸纳外来影响，并为中国绘画注入新的生命力。 第四章：笔墨的哲学，中国画的美学密码 本章将深入剖析中国画独特的美学体系。我们将从“气韵生动”这一核心审美原则出发，解析“六法”理论的内涵，以及“骨法用笔”、“传移模写”等技法如何服务于“写意”精神。 “留白”作为中国画的重要构成元素，不仅仅是空白，更是无限想象的空间。我们将探讨“虚实相生”、“计白守黑”等艺术理念，如何通过对空间的处理，营造出诗意的氛围与哲学的深度。 “意境”是中国画的灵魂所在。我们将分析画家如何通过“移情”、“托物言志”、“借景抒情”等方式，将主观情感与客观物象巧妙融合，创造出引人入胜的艺术境界。山水画的“意境”与花鸟画的“意趣”，又有哪些共通之处与区别？ 此外，本书还将探讨中国画中“诗、书、画、印”四位一体的独特艺术表现形式，以及“笔墨”作为中国画最核心的物质媒介，如何承载着哲学思考与精神追求。 第五章：时代的回响，近现代中国绘画的探索与演进 进入近现代，中国社会经历了翻天覆地的变化，中国绘画也面临着前所未有的挑战与机遇。西画东渐，对中国传统绘画产生了巨大的冲击，同时也激发了新的探索。我们将梳理这一时期的重要画家，如徐悲鸿、齐白石、黄宾虹、潘天寿等，他们是如何在坚守传统的基础上，吸收西方绘画的优点，推动中国画的现代化转型。 徐悲鸿如何以写实主义为基础，提升中国画的表现力？齐白石如何以“衰年变法”，将民间艺术的质朴与文人画的意趣融为一体？黄宾虹如何以“黑、密、厚、重”的笔墨，展现中国山水的苍润之美？潘天寿又如何以雄浑的笔墨与奇崛的构图，创造出独特的艺术风格？ 同时，我们还将关注新中国成立后，中国画在主题创作、题材选择、风格探索等方面所进行的实践，以及改革开放以来，中国画坛涌现出的各种新的艺术思潮与创作实践，展示了中国绘画在新时代下的勃勃生机与多元面貌。 结语：笔墨不绝，画魂永存 《丹青溯源：笔墨间的千年画魂》并非一部僵化的艺术史，而是一次与中国绘画灵魂的对话。我们期望通过本书的探索，让读者不仅仅看到一幅幅精美的画作，更能理解其中蕴含的深厚文化底蕴、哲学思考与人文关怀。每一根线条，每一次皴擦，每一抹色彩，都诉说着中华民族千年的智慧与情感。中国画，这朵东方艺术的璀璨奇葩，将继续在笔墨的流转中，绽放永恒的光芒。

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很有趣的一本书。推荐！非常适合对中国绘画进行一个初步的了解。 同时，由于是日本学者在讲述中国绘画，其实蛮容易能看到跟传统观点不一样的中国绘画乃至中国文化。 总觉得的西方绘画分为这几个大类：一是以构图的精妙生动见长，诸如米开朗基罗；二是以刻画的逼真灵动见长，诸...  

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很高兴能够阅读并且评价《中国绘画的深意》这本书。从我本人来讲，评价这本书实际是不够资格的，因为我不是专业人士，也不是中国画的资深爱好者。但受到阅读本书的影响，也为了能够客观的评价这本书，我还看了其他相关的书和文章。借此机会，让自己能够借阅读《中国绘画的深意...  

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现在市面上关于中国画入门的读物层出不穷，但其中的层次深浅其实各不相同，我自己对“入门”这个作用并不感兴趣，但无论是多么了不起的研究者，最后总会回到这个学科的一些基本问题，这也就是为何经典入门书能够诞生，阅读本书的目的正在于想了解这位日本作者对基本问题的判断...  

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这本书真是让我眼前一亮，完全颠覆了我对传统艺术鉴赏的一些刻板印象。我本来以为这是一本会把各种朝代的画风、笔墨技法罗列得清清楚楚的教科书，但读下来发现，作者的叙事视角非常独特，更侧重于探讨“意境”和“气韵”这些形而上的概念。比如，书中花了相当大的篇幅去解析一幅看似平平无奇的宋代山水画，并不是去分析它的构图是否严谨，而是深入挖掘了画家在创作时所处的心境，以及如何通过留白来表达“虚实相生”的哲学思想。作者的文字功底非常扎实，他能将那些抽象的美学理论，通过生动的历史轶事和对细节的敏锐捕捉描绘出来，让人仿佛身临其境，能感受到松烟墨色的变化和纸张纤维的纹理。尤其是在讨论文人画的“士气”时，作者没有简单地套用概念，而是结合当时的社会背景，阐述了知识分子在乱世中如何将内心的抱负和对自然的向往寄托于笔端。读完后，我感觉自己看画的角度都提升了一个层次，不再满足于表面的形似，而是开始追求背后的神似与哲思。这本书对初学者可能略显门槛，但对于有一定基础，渴望深挖中国艺术精神内核的读者来说，绝对是一部里程碑式的作品。

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这本书的结构安排非常精巧，它没有采用传统的编年史或断代史的写法，而是围绕着几个核心的主题概念来展开论述，比如“气的流动”、“墨的层次”、“线的生命力”等。这种主题式的结构使得每一章都像是一个独立但又相互关联的专题研究报告。我尤其欣赏作者在论证过程中，对材料性的关注，他不仅仅停留在视觉层面，还会去探讨不同颜料、不同纸张对最终审美效果的影响，这使得整个讨论变得非常扎实、接地气。读完全书，我最大的感受是，这本书提供了一种全新的解读框架，它鼓励读者去质疑既定的审美权威，用更开放、更具探索性的眼光去审视我们习以为常的艺术符号。它像一把钥匙，为我们打开了通往更深层次理解的大门，虽然路径不一定是笔直的，但沿途的风景绝对值得驻足欣赏。这是一部能够引发持续思考的著作。

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我发现这本书最精彩的部分在于其对“师承”与“变异”关系的探讨。作者并没有像许多艺术史著作那样，简单地将艺术家的谱系排列清楚，而是着重分析了每一位大师是如何继承前人，又如何在不完全背离传统的前提下，开辟出一条属于自己的创新之路。他详细剖析了不同时代背景下，画家们在“尊古”与“尚新”之间的微妙平衡。比如，他对元四家之间那种既相互致敬又暗藏锋芒的竞争关系的描绘，生动得如同在看一出精彩的家族戏剧。作者似乎拥有极强的同理心，他能跳脱出后世的评判标准，回到那个时代去理解画家们所面临的困境和选择。这种对“过程”而非仅仅“结果”的关注，让整部作品充满了人情味和历史的厚重感。它教会了我欣赏一件艺术品，不应只看它最终的定论，而更应该去探究它在历史长河中，是如何一步步演变、挣扎和最终定型的。

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这本书的装帧设计和排版布局也值得称赞，它本身就像是一件精心制作的艺术品。纸张的选取带着微妙的肌理感，使得即便是印刷出来的图版，也仿佛能感受到某种温度。我特别喜欢作者在关键段落后设置的“留白”区域，那不是简单的空白，而是留给读者思考和呼吸的空间，这本身就呼应了书中所阐述的留白哲学。作者的文笔带着一种古典的韵味，但又绝不矫揉造作，句式错落有致，长句深邃，短句精悍有力。例如，他描述某个画家的笔触时，会用上一些非常形象化的动词和比喻，让人仿佛能听到笔尖划过宣纸时发出的沙沙声，甚至能闻到墨汁散发出的那种特有的松烟气味。这本书的魅力在于它的“体验感”，它不只是在“告知”你知识，更是在“引导”你去体验艺术家的创作过程和心境。对于那些热爱纸质书，重视阅读体验的读者来说，这本书无疑提供了极佳的感官享受。

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我承认，一开始翻开这本书时，我的期望值其实非常高，毕竟“深意”二字就意味着厚重的内涵。然而，这本书最吸引我的地方恰恰在于它并不拘泥于我们通常理解的“中国画”，它更像是一场横跨东西方哲学的对话之旅。作者的论证过程极其严谨，他频繁地引入中国传统美学与西方现象学的概念进行对比和参照，比如将禅宗的“空”与海德格尔的“此在”进行类比，来解释中国画中“计白当黑”的精妙。这种跨学科的视角，让原本晦涩的理论变得立体起来，也让习惯了线性思维的读者能够找到一个理解的切入点。不过，这种广博的视野也带来了一个小小的挑战：章节之间的跳跃性较大，有时需要反复阅读才能完全消化作者构建的逻辑链条。但总体来说，它成功地拓宽了讨论的边界，不再将中国绘画局限于“国画”这个小圈子里，而是将其置于人类艺术史的宏大叙事中进行审视。这是一本需要用脑子去“读”的书，而不是用来消遣的。

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图片很多都印的得不好，颜色太深，都看不出内容了。内容值得学习的不多。

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作者在开篇前言中就说了，这是一本入门书——关于如何理解最基本的中国画绘画题材，所以对于专业人士而言，可能会觉得浅，不过如果对于小朋友或者初学者以及异域人士作为常识来了解，还是比较不错的。

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整本书其实谈的还是中国画在演进过程中雅俗之间的差异和转换 山水画中对于渔夫图 潇湘题材作了太多的解释 感觉扩写了点而没有顾及到面 如果能更加有体系一点的话会更加有启发性吧

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山水画部分比花鸟画部分精彩，前者不只有山和水，后者却只剩花和鸟……

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入门书籍，希望自己以后对画作有更深的了解。