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出版者:南海出版公司

作者:[澳]克里斯托弗·劳伦斯

出品人:新经典文化

页数:231

译者:符夏怡

出版时间:2020-3-20

价格:58.00元

装帧:精装

isbn号码:9787544297233

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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《迷失的旋律：都市传说与失落的音乐》 这是一本关于音乐与都市传说的奇妙融合之书。它并非一本简单的乐评集，也不是枯燥的音乐史，而是一场深入城市肌理，挖掘隐藏在街头巷尾、咖啡馆角落、以及老旧唱片店里的音乐秘密的探险。书中，我们将跟随作者的脚步，穿越那些被时间尘封的角落，倾听那些关于音乐家、歌曲、以及与音乐相关联的神秘事件的低语。 本书的叙事风格如同电影镜头般细腻，又如口述历史般亲切。作者摒弃了学术化的冰冷笔触，而是以一位热情的音乐发烧友的视角，带领读者一同进入一个充满未知与惊喜的世界。每一个章节都像一扇门，推开后，你可能会遇见一位才华横溢却匿迹多年的街头艺人，听他讲述一段关于一首未曾发表的杰作的动人故事；你也可能走进一家即将关闭的老唱片店，在泛黄的专辑封面上，发现一段关于禁忌之爱与音乐的凄美传说。 《迷失的旋律》精心挑选了世界各地那些鲜为人知的音乐都市传说。它们有的令人毛骨悚然，仿佛潜藏着某种超自然的力量，比如关于某个古老剧院里，每当午夜钟声敲响，就会传出幽灵乐师奏响的凄婉乐章；有的则充满了浪漫与伤感，讲述着音乐如何成为维系情感、弥合创伤的桥梁。书中不乏那些曾经风靡一时，却因种种原因而逐渐被遗忘的音乐流派，作者通过生动的笔触，重现了它们曾经的辉煌，以及它们背后那些鲜为人知的故事。 例如，书中会详细描绘一段关于早期爵士乐黄金时代，一位名叫“低语者”的传奇萨克斯手的故事。传说他能在演奏中融入旁观者的心声，让每一个听众都觉得乐曲是为自己而写。虽然关于他的真实身份众说纷纭，但他在那个时代的地下爵士俱乐部留下的无数传说，至今仍在老乐迷中流传。作者深入考证，结合当地的历史风貌，试图还原这位神秘音乐家的生平片段，让读者在阅读时，仿佛能亲临那个年代，感受爵士乐的自由与奔放。 又比如，书中还会探访一座欧洲古老城市，挖掘一段关于一首被诅咒的歌谣的传说。据说，这首歌由一位饱受折磨的作曲家创作，任何听到它的人都会陷入深深的忧郁，甚至引发不幸。作者将追溯这首歌的起源，调查围绕它的各种离奇事件，并试图从音乐本身的结构、旋律的走向，以及历史的背景中，寻找解读这个传说的线索。这并非是简单的猎奇，而是对音乐与人类情感之间复杂关系的深刻探讨。 《迷失的旋律》不仅仅是在讲述故事，它更是在探索音乐作为一种文化载体，如何承载着人类的情感、记忆、以及集体无意识。书中会触及到一些关于音乐的“失落”之美，比如那些因战争、政治动荡、或者技术革新而被遗弃的乐器，那些曾经流行的音乐风格，以及那些因为时代变迁而无法被再现的现场表演。作者用充满敬意的笔触，为这些“失落的美”留下文字的印记。 本书也关注了音乐在特定社会环境中的角色。例如，书中会有一章关于某个特定历史时期，地下音乐场景如何成为反叛与表达的载体，那些充满激情与力量的歌曲，如何在黑暗中点燃希望的火种。作者会通过采访当年的亲历者，或是挖掘保存下来的珍贵资料，来展现音乐的社会力量。 在阅读过程中，读者会发现，音乐不仅仅是旋律和节奏的组合，它更是一种连接过去与现在，连接个体与集体的纽带。那些都市传说，那些失落的音乐，都如同散落在城市角落里的宝石，等待着有心人去发现，去解读。 《迷失的旋律》是一次跨越时代的音乐之旅，它邀请你放下手中琐碎的日常，沉浸在一片由声音、故事和想象编织而成的奇妙乐章之中。它会让你重新审视你所听到的每一个音符，感受音乐背后那些不为人知的故事，以及它在我们生命中所扮演的，远比我们想象中更加丰富而深刻的角色。这是一本献给所有热爱音乐、热爱故事，以及对生活充满好奇的读者的礼物。

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我必须承认，我是一个对排版和字体有近乎偏执要求的人，而这本《音乐迷醉指南》在这一点上，完全满足了我的“阅读洁癖”。它的字体选择既有足够的衬线感来保持文本的庄重，同时字距和行距的设置又极其舒适，即便是长时间沉浸在复杂的乐理分析中，眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是，书中的术语标注系统做得非常人性化。当一个专业词汇首次出现时，旁边会用一个极其细小的、不同于正文的字体进行简洁的定义，而后续的引用则会用斜体区分，这种细微的视觉区分，让我在快速阅读时能够清晰地捕捉到重点和辅助信息，完全避免了在不同段落间来回翻阅术语表的窘境。这种对细节的极致打磨，体现了出版方和作者对读者体验的深切关怀，阅读体验的流畅性，在同类书籍中几乎是无可匹敌的。

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我原本以为这会是一本晦涩难懂的音乐理论书籍，毕竟书名听起来就带着一种高深的意味，但翻开目录后的第一印象是：出乎意料的亲切和生活化。作者似乎非常懂得如何与一个初学者对话，他没有直接抛出复杂的术语，而是用了一种非常生活化的比喻来引导。比如在介绍和声进行时，他不是直接列举I-IV-V的公式，而是将其比作一场“情感的对话”——主和弦是提出一个观点，属和弦是疑问和紧张，而下属和弦则是回应和铺垫。这种叙事方式极大地降低了我的心理门槛，让我觉得音乐的逻辑并非冰冷的数学公式，而是人类情感最细腻的表达。我甚至发现里面穿插了一些关于不同时代音乐家日常琐事的轶事，这些小故事让抽象的音乐史变得立体起来，仿佛那些伟大的作曲家瞬间从历史的尘埃中走了出来，就在我身边轻声低语。这种“讲故事”的教学法，无疑是这本书最打动我的一点。

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这本书的结构安排逻辑严密到令人叹服，它似乎是按照“感知—理解—创造”的路径精心设计的。开篇并没有急于讲解复杂的技巧，而是花了大量的篇幅去探讨“聆听的艺术”，如何真正地“听见”音乐中的细节，而不是仅仅让声音流过耳朵。作者提出了很多非常规的练习方法，比如要求读者在听某个协奏曲时，只关注大提琴声部的旋律线，忽略其他部分，这极大地锻炼了我的专注力。随后，它开始逐步深入到音乐的“语法”层面，但即便在讲解对位法时，也总能找到一个锚点，将其与听觉体验联系起来，而不是孤立地呈现知识点。这种层层递进，步步为营的编排，让我有一种被专业导师牵引着，稳步攀登知识高山的踏实感，每解决一个概念的困惑，都能感受到自身音乐素养的切实提升。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“情感与结构”之间关系的探讨，这往往是很多音乐书籍会忽略的“灰色地带”。它没有止步于分析奏鸣曲式的标准结构，而是深入挖掘了贝多芬在某个特定小节中，如何通过突然的和声色彩的转变，来表达一种“希望的破灭”或“瞬间的顿悟”。作者似乎拥有极其敏锐的心理洞察力，能够将听众内心最隐秘的情绪波动，精确地对应到乐谱上的某个音符或某个休止符。阅读这些章节时，我甚至会忍不住暂停，去重听那段特定的音乐，试图用文字描绘出的情感蓝图去重新解析自己的听觉感受。这种将冰冷的音乐符号还原为炽热的人类情感的努力，让我对音乐的理解上升到了一个新的维度，它不再是单纯的“听”，而是一种深层次的“共鸣”和“解码”。

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这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴，那种略带复古的墨绿色封皮，配上烫金的书名“音乐迷醉指南”，每一次拿起都像是在进行一场秘密的仪式。内页的纸张选用了那种略带米白、触感温润的特种纸，油墨的印刷清晰度极高，即便是细小的五线谱图样也能纤毫毕现。我尤其欣赏它在版式上的用心，许多关键的乐理概念旁边，都配有精心绘制的、极具艺术感的插画辅助说明，完全不是那种枯燥的教科书排版。比如讲解巴赫赋曲结构的那一页，插图用类似哥特式教堂的线条结构来比喻对位法的层次感，非常巧妙。虽然我还没有深入阅读内容，光是翻阅这些视觉元素，我已经能感受到作者对音乐美学的极致追求，它不仅仅是一本“指南”，更像是一件值得收藏的艺术品。它散发出的那种对经典艺术的尊重和现代审美的融合，让我对即将展开的阅读之旅充满了期待，仿佛已经闻到了旧唱片和新墨水的混合香气。

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这本书装帧精美质感好，而且还附了一张音乐节目单，有一种真的在听音乐会的感觉诶，深得我这种仪式感爱好者之心！

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古典音乐能让人平静，但是每次听就会神游哈哈哈，从这本书开始学习欣赏古典音乐。阅读感受挺好，故事很有趣，最喜欢莫扎特，读了故事再听音乐更加有带入感了。

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一本冷知识非常多的音乐书，很多大师八卦和有趣的故事，作者前一秒还在ghs（我在说啥）后一秒又开始一本正经地写乐评，根据情感情绪的选曲很有趣，不是那种“古典乐入门必听100首”那种类型的，整本书几乎都是笑着读完的。但是偶尔也有戳中我泪点的时候，大概是因为音乐谈的是人们的普遍经验，曲子中的那些激情与爱，痛苦与悔恨、孤独、难堪、耻辱，都是人类的共同情感，它们被作曲家谱写出来，穿越时间空间和死亡来到我们面前，被我们所听到。这本书告诉我们，古典乐真的不难懂！

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这本书太好笑了！适合我这种入门级读者，还能看得到很多大师的生平故事

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古典音乐能让人平静，但是每次听就会神游哈哈哈，从这本书开始学习欣赏古典音乐。阅读感受挺好，故事很有趣，最喜欢莫扎特，读了故事再听音乐更加有带入感了。