戏剧舞台灯光设计

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出版者:上海人美
作者:马克斯·凯勒
出品人:
页数:238
译者:
出版时间:2009-4
价格:168.00元
装帧:
isbn号码:9787532260089
丛书系列:
图书标签:
  • 舞台灯光
  • 舞台设计
  • 舞美
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具体描述

《戏剧舞台灯光设计》这是一本关于戏剧舞台灯光设计的书。它向我们展示了各种设计规则、图表、技术详解、工具、灯光设备、灯光系统的构成和配置,它也涉及相关的理论和历史、物理和化学知识。可以说,这本以大量知识和素材作为支撑的精心编纂的图书囊括了当今戏剧舞台灯光设计领域的方方面面。

好的,这是为您构思的图书简介,该书内容与“戏剧舞台灯光设计”无关,且力求自然流畅,不显刻意: --- 《古韵新声:宋代文人园林艺术的审美嬗变》 卷首语:一方幽境,万千心绪 在中国传统文化的长河中,园林艺术无疑是一颗璀璨的明珠。它不仅仅是建筑与自然的简单结合,更是文人士大夫精神世界的外化,是哲学思考、诗词意境与生活哲学的具象体现。而宋代,作为一个在文化、艺术乃至社会结构上都发生深刻变革的时代,其园林艺术也经历了一场由盛唐的雄浑壮阔向内敛、精致、重意蕴的深刻转向。 《古韵新声》正是聚焦于这一关键的历史节点,深入剖析宋代文人园林从兴起到鼎盛,再到其审美取向如何潜移默化地影响了后世园林格局与精神气质的全景图谱。本书旨在带领读者穿越千年时光,走进那些充满书卷气的院落深处,探寻其中蕴含的宋人生活美学与生命哲学。 --- 第一部:时代的底色——宋代文化的转向与园林需求的萌发 一、从庙堂到书斋:士大夫阶层的崛起与审美转移 宋代,科举制度的完善极大地推动了文官阶层的壮大。这些新生的士大夫群体,不再如唐代贵族般热衷于狩猎和宏大叙事,他们更注重个人修养、内省与情志的抒发。这种身份的转变,直接催生了对私密性、精神寄托空间的需求。 本章将详细梳理宋代政治生态对园林空间布局的影响,分析“内廷修饰”与“外朝治理”在文人精神世界中的张力。我们将探讨,当“修齐治平”不再是唯一的价值导向时,园林如何成为他们实现“独善其身”的理想场所。 二、雅集风尚:从宴饮到清赏的文化仪式 宋代的士人雅集活动极为丰富,包括点茶、插花、挂画、焚香等“四般闲事”。这些活动对环境提出了更高的要求,不再是简单的亭台楼榭,而是需要与自然融为一体,能够提供沉思、对弈、吟诗环境的精致空间。 本书将通过对《东京梦华录》《梦粱录》等一手史料的梳理,还原宋代文人园林中雅集的场景,解析园林中的“花窗”、“曲廊”是如何服务于这些特定的文化仪式的。 --- 第二部:造境的精微——宋代园林艺术的技法革新 三、以“小”见“大”:咫尺山林的艺术策略 相较于唐代追求的磅礴气势,宋代园林更擅长“缩景”与“借景”。在有限的城市空间内,如何通过叠石、理水、植被的巧妙布置,营造出“不出城郭而获山林之趣”的效果,是宋代造园师们攻克的重点。 本部分将重点研究宋代园林中“太湖石”的运用。太湖石的瘦、漏、透、皱的特质,如何被文人视为“怪石”,并被赋予了人格化的审美价值。我们将对比分析苏州拙政园前身(明代)与宋代私人园林在堆山手法上的异同。 四、水之哲学:理性与意境的融合 水,在宋代园林中不再仅仅是景观元素,它成为了一种哲学的载体。无论是曲折的溪流,还是静谧的池塘,都暗含了道家“上善若水”的思想。宋人开始注重水流的声响、光影的变化,以及与建筑结构的呼应。 本书将详述宋代水利技术(如虹吸、水车)在园林中的间接应用,以及如何通过“月洞门”和“漏窗”对水面的分割与框景,实现空间意境的层层递进。 --- 第三部:意境的流淌——宋词与园林的审美互证 五、诗情入画,画意入园:造园的文学内核 宋代园林最核心的特征,在于其强烈的“文学性”。每一处景致的命名,每一条路径的蜿蜒,都与当时的诗词典故息息相关。园林成为了一种三维立体的诗歌。 我们将选取苏轼、辛弃疾、周邦彦等大家的作品,进行“文本-空间”的对照分析。例如,苏轼在黄州东坡雪堂周围的改造,是如何将“寒江独钓”的孤寂感融入实景的。 六、禅宗的渗透:空寂与留白的哲学张力 宋代理学和禅宗思想的盛行,对园林审美产生了深远影响。园林设计中,对“空”的强调,对“寂静”氛围的营造,与禅宗的顿悟境界相契合。 本章将深入探讨宋代园林中对“枯山水”雏形的探索(虽不成熟,但已见端倪),以及建筑材料的选择——如摒弃华丽的彩绘,转而偏爱素雅的白墙黛瓦,以突出自然光影的层次感。这种对“不完美”和“残缺”的欣赏,正是宋人独特审美情趣的体现。 --- 结语:未竟的余韵 宋代园林在元明清三代得到了继承与发展,但其那种内敛、重思、强调人与自然和谐共处的精神内核,是后世难以完全复制的。本书不仅是对历史遗迹的考察,更是对一种生活方式、一种精致到极致的文化心态的追溯。 通过对宋代园林艺术的细致剖析,我们得以洞察古人如何在有限的空间内,构建出无限的精神世界,理解中国文人如何将生存的压力转化为艺术的享受,最终实现“虽由人作,宛自天开”的至高境界。 --- 【本书特色】 跨学科研究: 结合建筑史、文学史、哲学史,提供多维度的解读视角。 详实图文考证: 辅以大量宋代绘画、墓葬壁画中关于园林场景的图像资料。 理论创新: 提出“园林情绪结构论”,解析空间如何影响文人的心境波动。

作者简介

目录信息

中文版序前言:创意灯光舞台灯光慨述舞台灯光的历史光和色彩 视觉 光 光谱 色彩 基色 混合色 原色指数 区别特征 色彩感觉 色温 CIE系统 显色指数,标准光类型 显色 光色 色彩混合光和色的应用 色彩理论 色彩效果 对比色慨念 彩色阴影 空让和色彩透视 色彩特性 油画中的光 色彩印象派 提灯夜行…… 赫伯特·卡普尔穆勒光学 反射——球面反射镜 非球面,对称反射镜 不对称槽式反射镜 反射器材料 透镜 光束聚散度 光学成像 透镜成像光源与灯具 照明技术的基本物理量 什么是白炽灯 卤钨循环 白炽灯是舞台上的热辐射源 更牢且更亮 气体放电灯 低压荧光灯 低压钠灯 高压钠灯 金属卤化物灯 HMI金属卤化物灯 双端HMI灯 舞台用HMI灯 单端HMI灯 PAR-HMI反射泡 HTI灯 氙灯 solar 1000/硫灯 高压放电灯(霓虹灯) 紫外线灯 光谱灯 灯、灯和更多的灯 灯头——灯座滤色片与滤色纸 滤色片 特殊滤色片 滤色纸 介质膜(二向色)滤色片 色漆 使用滤色片灯具、特种灯具、附属设备 灯其的选择 特殊灯具和附加装置技术装备及附件 线缆连接器 特殊效果 自制灯光效果投影 历兜 实践灯光控制台 操作台如何工作 现在与未来 预测舞台灯光的发展 设计和理念 技术剧场 观众席的灯位 舞台内灯位选择投光角度 投光角度灯光和灯光设计 投光角度与光的性质 实验性布光 选择光的类型和方向概念性灯光设计 照明角度 作决定的因素 有哪些可用资源 设计准备阶段 灯光设计的第一步 制作照明图表灯光排演和设计 对光 书面记录 使用电脑灯和换色器 音乐刷和小歌剧灯光设计灯光部门的结构创意灯光——灯光创意 有效的对比 色彩问题 剧院中光的性质 (曼弗雷德·瓦格纳)迷人的灯光之旅专业术语联系地址
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读后感

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用户评价

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我不得不承认,这本书在**技术前沿和跨界融合**方面的探讨,远超出了我原先对一本“设计规范”类书籍的期待。它并没有沉溺于传统戏剧照明的黄金时代,而是大胆地将目光投向了数字媒体、交互技术与舞台灯光的结合。书中有一整个章节专门讨论了**“媒体服务器与实时渲染在灯光设计中的角色演变”**,这部分内容虽然涉及一些前沿技术名词,但作者的解读非常到位,强调了技术本身只是工具,如何利用这些工具实现更具沉浸感和叙事深度的舞台体验才是核心。此外,书中对**灯光与建筑空间、城市景观的互动设计**也有涉及,这让我意识到,舞台灯光设计的思维模式,完全可以迁移到大型活动或公共艺术项目中去。它提供了一种**“场景化思维”**,鼓励设计师跳出传统的“黑盒子剧场”的限制,去思考光线在广阔环境中的可能性。这种前瞻性,使得这本书的价值不仅仅停留在当前的戏剧制作领域,更像是为未来十年的舞台艺术指明了一个可能的发展方向。

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初次接触这本书时,我有些担心它会过于晦涩难懂,毕竟“设计”二字背后往往隐藏着大量理论公式和技术术语。然而,实际阅读后发现,作者的叙事方式非常**亲切且富有实践导向性**。与其说它是一本教科书,不如说它是一位经验丰富的老设计师在向同行或初学者分享他多年沉淀下来的“舞台直觉”。书中反复强调的一个观点是:**灯光设计必须服务于导演的阐释和演员的表演**,而不是反过来主导一切。这一点在它讨论“现场调光(Dimming Practice)”的部分体现得淋漓尽致。它详细描述了在彩排过程中,如何与导演进行有效沟通,如何根据演员对光线的反馈来即时调整亮度与角度,而不是僵硬地执行预设的 cue list。书里提供了一些作者亲自参与的项目案例分析,但重点并非炫耀最终效果多么惊艳,而是着重剖析了**项目初期的困境、预算限制、技术挑战**以及最终是如何通过创造性的妥协找到最佳解决方案的。这种坦诚和对行业现实的把握,极大地增强了这本书的可信度和实用价值,让我觉得这不仅仅是纸上谈兵的理论堆砌。

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这本《戏剧舞台灯光设计》的封面设计和装帧风格给我留下了极为深刻的印象,它散发着一种沉稳而富有艺术气息的质感。我原本是抱着学习一些基础布光技巧的心态来翻阅的,但很快就被其中对于**空间感知与情感氛围营造**的探讨深深吸引住了。书中并没有急于介绍具体的灯具型号或者复杂的线路图,而是花了大量篇幅去探讨“光如何成为叙事的一部分”。比如,作者对于如何通过色彩的微妙变化来暗示角色内心的挣扎,或者如何利用硬光和柔光来构建戏剧场景中时间的流逝感,这些描述都极其细腻和富有启发性。我特别喜欢其中一个章节,它分析了不同历史时期戏剧流派对灯光运用的态度转变,从早期的自然光模拟到后来的表现主义的强烈对比,这种**跨越时空的梳理**,让灯光不再仅仅是技术的堆砌,而成为了艺术史的一个重要分支。书中配有一些历史剧照和设计草图,虽然是黑白的,但其构图和光影的张力,即便没有彩色辅助,也足以让人感受到原作者的匠心独运。这本书更像是一本关于“如何观看和理解光”的哲学导论,而非一本单纯的技术手册,对我现有的认知体系产生了一次强力的冲击。

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这本书的另一个突出优点在于其**严谨的参考文献和深度案例的引用**,这使得它不仅仅是一本经验分享录,更是一部有学术支撑的专业著作。我注意到作者在论证某些观点时,会引用到视觉心理学、光学物理学,甚至是戏剧理论的经典著作,这保证了书中所有论点的扎实基础。更令人称道的是,它并没有将这些理论知识“架空”,而是通过详细的**“设计流程图”和“工具箱对比分析”**将其落地。例如,它对比了不同品牌追光灯在光束锐利度、色彩饱和度上的细微差异,并分析了这些差异在莎翁悲剧与现代实验剧场中的适用性。这种将宏大理论与微小实操细节完美结合的写法,极大地帮助了像我这样既想理解“为什么”,又急需知道“怎么做”的实践者。读完后,我感觉自己像是完成了一次高强度的**“理论洗礼+实战模拟”**,对如何系统化地构建一套成熟的舞台灯光设计流程,有了前所未有的清晰认识。

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这本书在结构安排上展现出一种非常独特的**“由表及里、再由点及面”**的逻辑脉络。开头部分似乎在探讨一些看似宏大的主题,比如“光与观众心理的连接”,读者可能会觉得有些虚无缥缈。但是,随着章节的深入,你会惊喜地发现,这些看似抽象的理念,都被巧妙地转化成了具体的设计工具。比如,书中关于**“色温与心理暗示”**的对比实验描述得非常生动,它用不同场景的描述,让你清晰地感觉到 3200K 和 5600K 在舞台上的情绪差异,这比任何技术参数表都更具说服力。更让我眼前一亮的是,它探讨了**舞台设计中的“非可见光”运用**,比如如何利用环境光、侧逆光形成的剪影效果来增强悬念,而不是仅仅依赖正面照明来确保观众看清演员的脸。这种对“留白”和“缺失”的艺术处理,极大地拓宽了我对舞台照明边界的想象。整本书的行文节奏张弛有度,读起来酣畅淋漓,每读完一个小节,都感觉像是完成了一次短小的“设计速写练习”。

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对于不同位置光的影响描述的有意思。

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