具体描述
《霍克尼论攝影》(增订本)收录了大卫·霍克尼与好友保罗·乔伊斯关于摄影的对谈十七篇，内容关于霍克尼的图像思考与影像实验，展现了一位多才多艺、创造力十足的艺术家，在探索摄影可能性的道路上可以走多远。观看与空间，是霍克尼一如既往的关注。在本书中，他认为拼贴是摆脱传统观看方式的关键，是对表面的确认。霍克尼将自己的创作看作是用摄影来批判摄影。“毕竟，光用言语是不行的。你得使用摄影的语言。”
《霍克尼论摄影》充分体现了一位杰出艺术家的实践自觉与理论自觉。作为大卫·霍克尼唯一一部专⻔论述摄影与影像艺术的著作，本书第一版曾在1994年被引进中国，在艺术相关专业的师生群体中引起了广泛讨论。此后的二十余年，随着大卫·霍克尼著作的中文版陆续推出，本书逐渐淡出了国内读者的视野。理想国首次引进增订本，期待它将持续激起新的、更大的水花。
————————————
📷以摄影的语言批判摄影，用绘画的方式反思照片。
摄影成了我们辨认事物必不可少的工具。它提供了一种观看的方式，并且会让人觉得是一种正式的、正确的观看方式。但在霍克尼看来，这是摄影在本质上应被批判的所在。如果想要改变我们对世界的观看，图像就必须发生改变。
📷双色封面，随机发售！更有隐藏配色，加印解锁！
皮质封面满足触感，镭射烫印低调炫目。开本便携结实耐用，看展路上伴读良友。
作者简介
大卫·霍克尼（David Hockney）
画家、摄影师。20世纪60年代波普运动在英国的代表，被认为是20世纪最具影响力的英国艺术家，也是当今国际画坛最有影响力的艺术家之一。霍克尼早年接受正规艺术教育，毕业于伦敦皇家艺术学院，1966年（29岁）即在画廊举办个人画展。受现代主义思潮影响，创作了大量蚀刻版画，受到艺术界的重视。20世纪60年代多次到美国旅行，后在加州设立了自己的工作室。由此转向写实风格，并创作了多幅经典名作。如《更大水花》，《一个艺术家的肖像》等。
20世纪80年代起，霍克尼创作了一系列名为“Joiners”的摄影拼贴作品，通过宝丽来相片，探讨了绘画与摄影在视觉表现上的关系，对摄影作为艺术的可能性做了具有重要意义的探讨。这使他在摄影史上，享有与画家格哈德•里希特同样的重要地位。而在贡布里希的《艺术的故事》中，霍克尼也成为仅有的两位被介绍到的摄影师，另一位是布列松。
保罗·乔伊斯（Paul Joyce）
电影制作人，拥有一家名为Lucida Productions的电影公司，主要拍摄艺术类纪录片。他是大卫•霍克尼的好友，20世纪80年代至21世纪初，因为工作关系，他曾有大量机会和霍克尼在一起，对霍克尼那一时期的生活、工作有较为全面的了解。
目录信息
对话1
伦敦，1982年7月………………………13
对话2
洛杉矶，1984年5月……………………33
对话 3
墨西哥城，1984年5月…………………71
对话 4
洛杉矶，1984年6月……………………123
对话 5
纽约，1984年11月… …………………137
对话 6
伦敦，1985年9月………………………151
对话 7
纽约，1985年11月… …………………169
对话 8
洛杉矶，1986年4月……………………181
对话 9
纽约，1986年9月………………………193
对话 10
洛杉矶，1987年3月……………………215
对话 11
洛杉矶，1988年… ……………………247
对话 12
伦敦和洛杉矶，1992年11月至12月……255
对话 13
洛杉矶，1994年3月至1995年…………263
对话 14
洛杉矶，1997年2月……………………273
对话 15
科隆、伦敦和洛杉矶，1997年… ……291
对话 16
洛杉矶，1998年6月……………………327
对话 17
巴黎和伦敦，1999年6月………………345
图录……………………………………361
· · · · · · (收起)
读后感
《霍克尼论摄影》（Hockney on Photography）1988年于英国首次出版，收录了大卫·霍克尼与好友保罗·乔伊斯关于摄影的对谈十一篇。1994年被引进中国，在艺术相关专业的师生群体中引起了广泛讨论。此后的二十余年，随着大卫·霍克尼著作的中文版陆续推出，本书逐渐淡出了国内读...
评分这本书是一本谈话集，作者保罗乔伊斯是霍克尼的好友，电影制作人，主要拍摄摄影艺术类纪录片。对话的时间跨度是从1982年到1999年，谈话的地点有时在欧洲的伦敦、巴黎等，大部分是在美国纽约、洛杉矶等。看书的时候，我不断地提醒自己，书里的字句记录于20-40年前，所以，书里的...
评分文艺复兴时期，欧洲人发明了透视法，在平面上表现空间的纵深感，采用近大远小的原则，纵深方向平行的直线在无穷远处最终汇聚消失的一点，也称为焦点。 这种传统透视法在图像层面的叙事有一种局限性，那就是只能呈现一个动作的瞬间，像是一种摆拍。 对于空间真实性的追求所导致...
评分文艺复兴时期，欧洲人发明了透视法，在平面上表现空间的纵深感，采用近大远小的原则，纵深方向平行的直线在无穷远处最终汇聚消失的一点，也称为焦点。 这种传统透视法在图像层面的叙事有一种局限性，那就是只能呈现一个动作的瞬间，像是一种摆拍。 对于空间真实性的追求所导致...
评分《霍克尼论摄影》一书谈论的是摄影，但其实是想探寻艺术家观看事物的方式。受立体主义和毕加索影响，霍克尼在探索「观看方式」时，发现可以利用摄影来推进「移动透视」的绘画技法，无心插柳一般创作了一系列独特的摄影作品。 霍克尼的方法出乎意料的简单——在移动中用不同的焦...
用户评价
作者对于“观看”这个行为的剖析，其深度和广度令人咋舌。他似乎拥有某种魔力，能将我们习以为常的日常景象，瞬间剥离开来，还原成最原始的光影关系和几何构成。我记得有一章专门讨论了风景画与摄影的张力，那种对比分析不是简单的罗列，而是深入到观看主体的心灵结构中去挖掘，探讨媒介如何塑造了我们的感知世界。读完之后，再去看任何一张照片，包括手机里随手拍的图，都会不自觉地带上一种审视的眼光——光线是如何落在物体上的？构图的“不平衡”是否恰恰是平衡的另一种体现？这种认知上的提升是渐进却又颠覆性的，它强迫你走出“美”或“丑”的二元对立，进入到更纯粹的结构分析层面。这本书的价值就在于，它教会的不是“如何拍好一张照片”，而是“如何更清晰、更有意识地去看待世界”。
评分这本书的装帧设计简直是一次视觉的盛宴。封面选用的那种略带粗粝感的纸张，触感上就让人联想到艺术家工作室里那些带着颜料气息的画板，配合着内页的印刷质量，着实让人眼前一亮。尤其是那些彩图的呈现，色彩的饱和度和细节的还原度都达到了极高的水准，即便是那些跨越了几十年的经典作品，也仿佛是昨天才刚从相机里冲洗出来一般鲜活。装帧上的用心程度，从书脊的平整度到内文排版的疏密有致，都透露出出版方对内容本身的尊重。它不仅仅是一本关于摄影理论的书，更像是一件值得收藏的艺术品。每一次翻阅，都能感受到纸张与油墨之间微妙的质感对比，这对于一个长期沉浸在数字屏幕前的读者来说，无疑是一种久违的、踏实的阅读体验。这种对物理实体的执着，似乎也在暗示着作者对于媒介本体的某种坚持与思考，让人在阅读文字之前，就已经被这种精心构建的“物性”所吸引和说服。
评分这本书的语言风格，可以说是极其鲜明且富有个人色彩的，介于严谨的学术论述和随性的艺术家笔记之间游走。他擅长使用极具画面感的比喻，将抽象的理论概念瞬间具象化，这极大地降低了理解门槛，同时又保持了内容的深刻性。例如，他对“偶然性”的探讨，并非停留在哲学思辨，而是通过讲述具体的创作瞬间，让读者仿佛身临其境地感受到了那个决定性的“快门声”背后的哲学重量。这种叙事上的亲密感，使得即便是初涉摄影理论的门外汉，也能被深深吸引。它读起来不像教科书，更像是一位资深前辈在你身边，一边泡着咖啡，一边与你畅谈他对光影与世界的深刻见解。这种口语化的叙事魅力，使得即便是枯燥的理论部分，也充满了生命力和可读性，让人忍不住想要一口气读完，生怕错过任何一个精彩的“旁白”。
评分真正让我感到价值凸显的，是书中对于“媒介边界”的不断试探与解构。在如今各种技术不断模糊传统界限的时代，作者提出的那些关于“摄影的本质是什么”的追问，显得尤为及时和尖锐。他毫不留情地挑战了许多被奉为圭臬的行业惯例和审美定式，引导我们去思考，在算法和生成式图像大行其道的今天，我们究竟还应该如何定义一张“被摄”的照片。这种批判性的思维训练，对于任何一个身处内容爆炸时代的创作者来说，都是至关重要的“精神按摩”。它促使你停下来，审视自己创作的动机是否仅仅是随波逐流，还是真的源于对某一瞬间、某一光影的独特捕捉和表达欲望。这本书提供了一套强有力的工具，来抵御信息洪流带来的认知钝化，保持我们思维的敏锐度和对艺术本真的追求。
评分行文的逻辑推进，采用了非常独特的螺旋式上升结构。它不像传统的学术著作那样线性展开，而是通过反复回溯和引入新的视角来深化主题。初读时可能会觉得某些概念有些跳跃，但当读到后半部分时，那些先前看似零散的片段突然串联起来，形成了一个宏大而自洽的知识体系。这种叙事方式极其考验读者的耐心与专注力，但一旦适应了这种节奏，便能体验到思想不断被拓宽和强化的快感。特别是他对艺术史脉络的梳理，那种跨越不同媒介和流派的对话能力，显示了作者深厚的学养。他仿佛是一位站在高处的引航员，指引我们在摄影这条复杂的河流中，找到那些关键的转向点和深水区，而非仅仅停留在表面的波光粼粼之中。这种层次感，使得这本书的阅读体验是动态的，需要读者不断地进行心智上的调动和重组。
评分其实是霍克尼批判摄影，本书最有意思的地方还是霍克尼评论其他艺术家的部分，就是不知道为什么电子版排版要把所有的作品放在最后一部分，阅读过程中很多作品都不知道霍克尼说的是哪幅
评分霍克尼的拼贴摄影作品中，主体让位于观看方式。非客观的私人记忆碎片如何通过重组，激发群体的不同认知并引起客观讨论。霍克尼的骄傲和自信让我钦羡。能按照时间顺序了解霍克尼思考方式的变化有种养成游戏的快乐。我从前只是点到为止地联想到杜尚《下楼梯的裸女》2号，读了这部书才意识到他的野心——用二维介质呈现将四维空间，利用摄影真实性的优势，将时间概念融入艺术叙事。所以看霍克尼的拼贴摄影，不应该钻研其技法或是主题，而是应该用阅读小说的思维观看，还原场景和故事。霍克尼对于当代摄影的伟大贡献包括且不限于，用一种强势的方式宣告摄影艺术的真实性，瞬时性和独一性。以至于在他的理念中，绘画不过是对现实和摄影的拙劣模仿。赫拉克利特所谓的："人不能两次踏进同一条河流。”亦可用于解释霍克尼的艺术理念。
评分这才是真正的艺术家！！不仅仅是放肆的表达自我营造不同，而是有自己独特且自洽的理论体系；在对前人的研究中保持勤奋的思考来突破当下的困境，并且对其他文化亦秉持开放的心态。
评分最大的收获是理解了立体主义。
评分霍老师谈了绘画和摄影，说了摄影的核心问题，谈了不少，受益！
