中国传统音乐在海外的传播与变迁

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出版者:
作者:王静怡
出品人:
页数:292
译者:
出版时间:2009-8
价格:23.00元
装帧:
isbn号码:9787010080741
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐
  • 中国传统音乐
  • 海外传播
  • 音乐文化
  • 文化交流
  • 音乐史
  • 民族音乐
  • 变迁
  • 中外音乐
  • 文化研究
  • 音乐遗产
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具体描述

中国音乐对外传播有着悠久的历史,特别是在东南亚地区,由于移民的因素,更是由来已久。《中国传统音乐在海外的传播与变迁:以马来西亚为例》以中国传统音乐在马来西亚的传播与变迁为个案,立足于民族学和历史学的视角,通过对马来西亚华人传统音乐的实地考察和个案分析,并结合大量的一手历史文献,真实描摹了马来西亚华人传统音乐的历史和现状,努力探寻马来西亚华人传统音乐变迁的轨迹及根源,力图在此基础上揭示中国音乐在海外传播的规律。

《中国传统音乐在海外的传播与变迁:以马来西亚为例》是国内第一本研究中国音乐文化对外传播的专门性著作,也是第一本研究海外华人音乐文化传承与变迁的专著。

《丝绸之路上的和声:古代中亚音乐的交流与融合》 作者: [请在此处填写真实作者姓名] 出版社: [请在此处填写真实出版社名称] 出版年份: [请在此处填写真实出版年份] --- 内容简介:穿越时空的音乐回响 本书深入考察了古代丝绸之路上,中亚地区不同文明之间音乐的复杂互动与演变历程。不同于侧重于单一文化视角的传统研究,本书以地理上处于东西方十字路口的“中亚”为核心地理坐标,构建了一个宏大的音乐生态系统模型,旨在揭示在漫长历史中,胡旋、龟兹乐、疏勒乐等极具地方特色的音乐体系,是如何在游牧民族的迁徙、佛教的东传、粟特商队的往来以及帝国的兴衰中,实现物质性的传播、观念性的适应与艺术上的深度融合。 全书共分六个主要部分,结构严谨,层层递进,既有宏观的时代背景梳理,又不乏微观的乐器形制与曲目分析。 --- 第一部分:中亚音乐地理学的重构与语境确立 (约 300 字) 本部分首先界定了“古代中亚”在音乐史上的地理范围,涵盖了从帕米尔高原以西的巴尔喀什湖区域,直至河西走廊以西的绿洲文明(如楼兰、高昌、龟兹)。作者摒弃了将中亚视为单纯“中转站”的传统观念,强调其作为独立音乐创新中心的地位。 核心内容包括: 1. 地理与族群的互动: 分析了塞种、月氏、鲜卑、突厥等不同族群在不同历史阶段对当地音乐风格的主导权更迭,及其对音乐调式与演奏技法的长期影响。 2. 早期音乐的考古学证据: 梳理了新疆和中亚地区出土的古代乐器实物(如琵琶的早期形态、筚篥的雏形、以及独特的打击乐器)的形制演变,结合壁画、雕塑中的乐伎图像,重建了早期的乐队编制与演出场景。 3. 文本证据的检视: 考察了早期波斯、希腊、印度史料中对中亚音乐的零星记载,并将其与中国史籍(如《周书》《旧唐书》中的西域乐志)进行交叉比对,以期勾勒出较为立体的早期音乐图景。 --- 第二部分:龟兹乐的鼎盛与体系的成熟 (约 350 字) 龟兹,作为丝绸之路上的音乐中心,其乐舞体系对东亚音乐的渗透最为深刻。本部分聚焦于龟兹乐在公元四至九世纪的黄金时期,及其核心音乐要素的特征。 主要探讨: 1. 龟兹乐的结构分析: 深入剖析了被誉为“乐曲之冠”的《婆罗门曲》等代表性乐曲的复调倾向、复杂的节奏型(特别是散板与定拍的交替使用),以及其特有的“胡旋”风格的音乐基础。这部分将参考敦煌莫高窟和克孜尔石窟中对龟兹乐舞的描绘,尝试对失传的五声体系进行“反向推导”。 2. 核心乐器的变迁: 重点研究了“琵琶”(主要指曲项琵琶的原型)和“箜篌”在中亚的起源、本地化改造(如音箱材质与弦数的变化),以及它们如何成为影响唐代燕乐、教坊音乐的关键元素。 3. 音乐与宗教的共生: 分析了佛教音乐(如梵呗)的传入对龟兹世俗音乐的影响,探讨了龟兹乐师如何将印度、西亚的音乐理念巧妙地融入本土体系,形成一种既具异域色彩又适应中土听感的过渡风格。 --- 第三部分:粟特商队与“胡乐”的商业化传播 (约 300 字) 粟特人作为古代中亚最活跃的商业民族,他们的迁徙路线不仅是贸易的通道,更是音乐流动的河流。本部分关注音乐的“世俗化”与“商业化”传播。 内容聚焦于: 1. “胡戏”的兴起: 考察了粟特人在中国北方城市(如长安、洛阳)建立的娱乐场所和戏班,他们带来的杂技、舞蹈与伴奏音乐。探讨了“胡旋舞”流行的社会文化背景,以及其在宫廷与民间接受度的差异。 2. 音乐人才的流动网络: 绘制了从撒马尔罕到西京的音乐家职业轨迹,分析了这些乐师如何利用自身的专业技能在异地获取社会地位和经济回报,从而推动了特定乐器与演奏技巧的普及。 3. 音乐术语的借用与汉化: 研究了诸如“曲”、“调”、“番”等与西域音乐相关的词汇在汉文史料中的出现频率与语义变化,反映了外来音乐元素被吸收的过程。 --- 第四部分:西域音乐对东亚“燕乐”体系的奠基 (约 300 字) 唐代是中国古代音乐吸收外来元素的高峰期,本书认为中亚音乐在此过程中扮演了“催化剂”和“基石”的双重角色,直接影响了隋唐至宋代的“燕乐”结构。 关键分析点: 1. “相和曲”与“胡曲”的融合: 详细比对了唐代“燕乐十八调”中,哪些调式和旋律骨架明显带有源自中亚的特征。展示了中亚的五声或七声音阶如何被融入中国传统的五声体系,创造出新的音乐张力。 2. 乐律学的冲突与调和: 探讨了中亚音乐使用的基于平均律或近似平均律的音高体系,与中国传统音律(如十二律)在理论上的张力,以及古代乐律学家为实现两者兼容所做的理论调适工作。 3. 唐宋歌舞大曲的“中亚底色”: 以唐代的“破阵乐”及宋代的“大曲”为例,论证了其宏大结构、多段体形式以及特定的配器组合,实则是在吸收了中亚大型合奏与舞蹈音乐传统后形成的产物。 --- 第五部分:音乐的“遗存”与后续的地域分化 (约 250 字) 随着丝绸之路的陆路贸易衰落以及中亚地区政治版图的更迭,古代中亚音乐的直接传播路径被削弱,但其影响以“遗存”的形式在周边地区持续存在。 本部分收尾工作包括: 1. “变体”的追踪: 研究了古代中亚音乐元素在西藏音乐、维吾尔木卡姆音乐(作为后继者)中保留的痕迹,特别是旋律进行、装饰音的使用习惯等方面。 2. 音乐典籍的“孤岛”: 分析了某些失载于汉文史料,却在波斯或阿拉伯文音乐理论著作中被提及的特定乐器或演奏技法,以期建立中亚音乐史的完整图谱。 3. 结论: 总结古代中亚音乐传播的周期性、区域性特征,强调其在东西方文明交流史上,作为音乐“熔炉”的核心地位及其不可磨灭的历史功绩。 --- 本书特色: 本书的独特之处在于其跨学科的方法论,融合了考古学、文献学、民族音乐学(虽然主要聚焦古代)与乐律学,力求以扎实的史料依据,重现古代中亚作为世界音乐文明交汇点的辉煌乐章。它不仅是研究中国音乐史不可或缺的一环,更是理解古代世界音乐互动的关键文本。

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我个人对书中对于地域性音乐形态的深度剖析感到非常惊喜。作者显然没有满足于泛泛而谈的“中国音乐”概念,而是深入到不同省份、甚至特定城镇的音乐分支中进行了细致入微的田野调查式描述。例如,对川渝地区的民间戏曲中那些独特的板式变化与情绪表达的梳理,那种对地方“味儿”的把握,绝非纸上谈兵可得。书中详尽地记录了不同社群在特定仪式中使用的乐器配置和曲目传承的谱系,很多细节恐怕连一些资深的音乐爱好者都未必知晓。这种扎实的文本构建,让人在阅读时,脑海中仿佛自动浮现出那些尘封已久的老艺人拉奏古琴时的指法,或是山村里鼓点敲击时的节奏感。它不仅仅是记录,更像是一次对中华文化脉络深处的溯源,展现了音乐如何作为一种活态的文化基因,在不同土壤中生根发芽、演变不息的生命力。

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本书的理论框架构建得极为严谨且富有启发性。它巧妙地将人类学、社会学和音乐本体论进行了有机的嫁接,使得原本可能枯燥的学术讨论变得生动且具有穿透力。作者对于“文化变迁”这一核心议题的探讨,绝非简单的线性发展论,而是展现出复杂的互动和张力。我特别欣赏其中关于“非物质文化遗产”概念在实践中如何被不同文化环境所诠释和“挪用”的分析。书中提出的关于音乐符号在跨文化交流中如何被“编码”和“解码”的视角,极大地拓宽了我对音乐传播的理解。它不再是单向度的输出,而是一场多方参与的、充满博弈和创新的复杂过程。这种高屋建瓴却又不失个体案例支撑的论述方式,让人在吸收知识的同时,也获得了批判性思考的工具。

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这部作品的装帧设计简直是一场视觉的盛宴,从封面到内页的排版,无不透露着对文化底蕴的敬畏与现代审美的巧妙结合。特别是纸张的选择,那种略带粗粝却又手感温润的质地,让人一上手就感觉这不是一本简单的学术读物,而是一件值得珍藏的艺术品。封面那几笔写意的泼墨晕染,仿佛能让人听见远古的编钟之声,又像是江南丝竹的婉转低回,色彩的搭配沉稳大气,既有历史的厚重感,又不失当代设计的灵动。更值得称赞的是,书中插图的选择和排布极具匠心。那些精选的历史文物照片,清晰度极高,细节纤毫毕现,配上精准的图注,极大地提升了阅读的沉浸感。而那些现代的演出剧照,光影的捕捉更是精彩绝伦,仿佛能穿透纸面,感受到现场那种热烈而又庄重的氛围。整体来看,这种对物质形态的极致追求,无疑为即将展开的阅读体验定下了一个极高的基调,让人迫不及待地想要深入探索其文字的内容。

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从阅读的流畅度和可读性来看,这本书的文字功底同样达到了一个非常高的水准。作者的叙事风格在保持学术严谨性的同时,又极富文学色彩,行文如行云流水,毫不滞涩。他擅长运用富有画面感的语言来描摹那些抽象的音乐概念和遥远的场景。比如,描述某段宫廷雅乐的庄重氛围时,那种层层递进的描摹,让人几乎能感受到空气的凝滞和时间仿佛慢下来的感觉。更难得的是,即便是介绍复杂的乐理知识或复杂的历史背景时,作者也能找到非常精妙的比喻和类比,使得非专业背景的读者也能迅速抓住核心要点,不至于在专业术语的迷雾中迷失方向。这种兼顾专业性与大众性的平衡拿捏,是很多学术著作难以企及的。

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这部著作的文献引用和参考资料的广度与深度,着实令人叹服,显示了作者在前期调研上付出了巨大的心血。它不仅仅局限于国内的传统文献,更大量地引入了西方的民族音乐学经典论著以及大量一手的外文资料,构建了一个宏大的对话平台。书末的参考文献列表本身就是一本极具价值的导读手册,涵盖了从早期传教士的记录到近现代国际学者的研究成果。通过这种多维度的文献交叉验证,作者的论点显得尤为扎实可靠,避免了任何一家之言的偏颇。这种严谨的学术态度,让读者可以放心地跟随作者的思路,深信其得出的结论是有坚实的数据和理论基础支撑的。它成功地建立起一座连接不同学科、不同文化视角的桥梁。

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