实用琵琶弹奏入门与鉴赏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:184

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出版时间:2009-8

价格:23.80元

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isbn号码:9787510006753

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• 琵琶
• 民族乐器
• 乐器教学
• 入门
• 弹奏
• 音乐
• 艺术
• 鉴赏
• 文化
• 传统音乐

书籍简介：跨越时空的弦音之约 书名：乐府新声：二十世纪中国器乐的流变与创新 作者： 音乐史研究小组 出版社： 华夏乐韵出版社 出版日期： 2024年5月 --- 导言：在变革的洪流中重塑民族之声 本书《乐府新声：二十世纪中国器乐的流变与创新》，并非聚焦于某一种特定乐器的独奏技艺精进，而是以宏大的历史视野，审视了自清末民初至新世纪之交，中国器乐艺术在剧烈社会变迁、中西文化碰撞与民族复兴浪潮中的深刻转型与前瞻性探索。我们试图描绘的，是一幅波澜壮阔的音乐画卷——它记录了传统器乐在现代化进程中如何挣脱束缚，如何吸收外来养分，最终如何以全新的面貌屹立于世界音乐之林。 本书深入探讨了中国器乐在二十世纪所经历的“重构期”、“发展期”和“多元化探索期”三个主要阶段，通过梳理重要的器乐作品、代表性音乐家群体的思想转变、以及国家层面的音乐政策对器乐发展的影响，力求展现这一时期器乐艺术内在的复杂性和外在的推动力。 --- 第一部分：旧声的挽歌与新乐的萌芽（清末至抗战胜利前） 本部分聚焦于中国器乐在面临西方管弦乐体系冲击时的初步反应与艰难探索。彼时，传统乐器的生存空间受到严重挤压，但同时也催生了对“改革”的迫切需求。 一、传统器乐的困境与“西学东渐”的影响： 详细分析了传统五音体系与西方十二平均律的冲突，以及以“减字谱”为代表的记谱法在推广新音乐时的局限性。我们考察了早期音乐团体（如“振籁乐社”）在保留传统精髓与引入新和声概念之间的张力。 二、弓弦乐器的革新与身份重塑： 重点剖析了二胡、筝、琵琶等传统独奏乐器如何被引入乐队编制，并围绕“合奏”概念进行功能拓展。本章着重研究了刘天华先生对二胡的定型化贡献，以及在他影响下，中国器乐开始寻求“规范化”的尝试。虽然这些尝试带有明显的模仿西方室内乐的痕迹，但它们为后来的器乐创作打下了基础。 三、民族管乐器的初步探索： 探讨了早期音乐家们试图利用竹笛、唢呐等乐器进行“独奏会”的尝试，以及在器乐重奏中，如何用传统乐器模拟西方乐队声部，以及由此产生的音色与表现力上的限制与突破。 --- 第二部分：民族音乐的集体主义转向与“新作品”的诞生（建国初期至文革前） 这一时期，国家意志对艺术创作的影响达到顶峰，器乐创作的主题和形式都发生了根本性的转变。器乐不再仅仅是个人技艺的展示，而是成为了反映时代精神、歌颂新生活的“传声筒”。 一、器乐的“主题化”创作： 详细分析了以“叙事性”和“史诗性”为特征的器乐作品的兴起。作品不再满足于展现传统技法或抒发个人情怀，而是必须承载宏大的集体叙事。考察了如何运用中国传统音调、曲式结构（如套曲、组曲）来服务于新的政治主题。 二、乐队编制的“标准化”与“重型化”： 探讨了大型民族管弦乐队的建立过程，以及对传统乐器进行“改良”的努力，旨在提高音域、增强穿透力以适应大型合奏的需求。这包括对中阮、高胡等乐器的形制改造，以及对传统打击乐器组的系统性整合。 三、重要的器乐体裁的成熟： 重点分析了这一时期涌现出的优秀民族管弦乐作品，它们如何在结构上借鉴了西方交响乐的宏大布局，同时又在和声语言和旋律动机上坚定地植根于中国民间音乐的土壤。探讨了这一时期的作品如何平衡“政治正确”与艺术创造力。 --- 第三部分：沉寂、反思与多元的勃发（文革后至今） 本书的后半部分关注了中国器乐在“改革开放”后，在思想解放和全球化背景下，所展现出的活力与复杂性。 一、对传统的“再发现”与回归： 在经历过集体化创作的统一模式后，艺术家们开始重新审视传统器乐的内在价值，特别是对地方戏曲音乐、说唱音乐以及少数民族器乐的挖掘与吸收。本章分析了以“回归本真性”为目标的器乐创作思潮。 二、技法上的“非传统”探索： 深入研究了当代作曲家如何在坚持民族身份的同时，大胆吸收现代作曲技术，如序列主义、偶发音乐、电子音乐等元素，应用于传统乐器演奏中。例如，如何利用电子技术扩展传统乐器的音响领域，或将复调思维融入通常以单线条旋律为主的器乐作品中。 三、器乐在国际舞台的对话与身份定位： 考察了当代中国器乐作品在国际音乐节上的表现，以及其如何在全球文化语境下定义自身的“中国性”。分析了当代演奏家们在诠释古典作品与演绎新作品时，所采取的不同策略和美学立场。 --- 结语：面向未来的和声 《乐府新声》并非一部简单的音乐作品选集或演奏技巧指南。它是一部关于“中国之声”如何在历史的十字路口选择路径的编年史。本书旨在提供一个批判性的框架，帮助读者理解：二十世纪的中国器乐，是如何在保留“文心”的同时，成功地“换了骨骼”，从而完成了从“匠艺”到“艺术殿堂”的漫长而艰辛的跨越。对于研究中国现当代音乐史、民族音乐学，以及对希望深入理解中国器乐发展脉络的专业人士和爱好者而言，本书提供了详尽的史料支撑和深刻的理论分析。 --- 本书特色： 跨学科视角： 融合了音乐学、社会学和历史学的研究方法。 案例丰富： 详细分析了数十部代表性器乐作品的创作背景与结构分析。 史料翔实： 引用了大量解密的档案资料与第一手口述访谈。

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如果要说这本书有什么特点，那就是它成功地建立起了一种“跨界”的学习桥梁。它既能满足那种渴望快速上手、想摸到真家伙的“动手派”，又照顾了那些偏爱理论先行、注重体系构建的“思考派”。对于我这种在两者之间摇摆的人来说，这本书简直是完美的平衡点。它的练习曲目选择兼顾了难度递进和风格多样性，从简单的小品到更具表现力的乐章都有涉猎。而且，书中还穿插了一些关于乐器保养和日常维护的小贴士，这些看似枝节的内容，却极大地增强了读者与乐器之间的情感连接。读完这本书，我感觉自己已经有了一套完整的、可长期坚持的自学路径，而不是被动地等待他人的指导。

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我一直觉得，学习一门艺术，光有技巧是不够的，还需要对它背后的文化脉络有所了解，才能真正“悟”到精髓。这本书在这方面做得相当出色，它没有仅仅停留在枯燥的指法训练上，而是巧妙地将琵琶的历史演变、不同流派的风格特点融入到教学内容之中。比如，在讲解某些特定曲目的练习时，作者会穿插介绍这些曲目在历史上的地位，以及它们所代表的美学思想。这让我在练习时，不再只是机械地重复指法，而是开始思考：为什么要这样弹？这样的音色想要传达的是什么情感？这种深度的挖掘，极大地提升了我学习的动力和对艺术的敬畏感。它成功地将“术”与“道”结合起来，使得学习过程充满了探索的乐趣，而不是单纯的苦练。

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这本书的装帧设计和排版质量也值得一提，这直接影响了学习时的体验。市面上很多入门书籍的纸张薄、油墨易洇，或者谱子印刷得过于拥挤，让人阅读起来很吃力。但这本书采用了高克重的哑光纸张，即使在灯光下阅读也不会反光，而且字体和五线谱（或者说工尺谱）的间距处理得非常科学，即使是初学者也能迅速定位到自己需要关注的段落。特别值得称赞的是，它在关键的指法图示上使用了彩色的强调标记，使得复杂的手部动作一目了然，有效避免了因为看错图示而产生错误习惯的风险。这种对细节的关注，体现了出版方对知识传播的严肃态度。

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从一个已经有一定音乐基础的听众角度来看，这本书的“鉴赏”部分简直是一场及时的雨露。虽然我不是弹奏者，但我对琵琶音乐的细腻之处一直非常好奇，比如如何区分不同演奏家对同一段旋律的处理差异，或者如何通过听觉去判断演奏中是否出现了规范性错误。这本书提供了一套系统的听觉训练框架，它指导听者如何去“听”，去识别那些微妙的力度变化、滑音的圆润程度，以及快速轮指的均匀性。作者用词精准而富有画面感，即便是抽象的音乐概念，也能被描述得栩栩如生。这种对音乐细节的剖析，让我对以往听过的许多琵琶名曲有了全新的认识和更深层次的欣赏，极大地丰富了我的音乐生活。

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这本关于中国传统乐器琵琶的入门书籍，简直是为像我这样对手持乐器有着浓厚兴趣，却又对从何入手感到茫然的初学者量身打造的。书中的编排逻辑非常清晰，从最基础的乐理知识讲起，逐步过渡到持琴姿势、手指的正确运用，每一个步骤的讲解都配有详尽的图解和清晰的文字说明。我尤其欣赏它在介绍基础指法时所采用的那种循序渐进的方式，没有一上来就堆砌复杂的技巧，而是耐心地引导读者建立扎实的指力与准确性。对于一个完全的新手来说，这种细致入微的引导是至关重要的，它极大地降低了学习的心理门槛，让我感觉自己真的可以掌握这门乐器。而且，书中对初学者常犯的错误进行了预判，并提前给出了修正建议，这在很多同类教材中是比较少见的。整体而言，这本书不仅仅是一本技术手册，更像是一位耐心的老师，陪伴你走过最艰难的起步阶段。

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