西方流行音乐发展概况 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津教育出版社

作者:陈倩

出品人:

页数:265

译者:

出版时间:2010-1

价格:29.00元

装帧:平装

isbn号码:9787530955291

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东方韵律的流变：中国传统音乐体系的审美与演变 本书聚焦于中国传统音乐的深厚底蕴与漫长发展历程，旨在系统梳理自先秦至近现代，中国音乐在理论构建、乐器形制、曲目范式及哲学思想层面的核心特征与历史变迁。本书将避开对西方流行音乐的任何直接或间接论述，专注于解析东方音乐体系的独特美学价值与文化承载力。 --- 第一章：源头探秘——先秦至汉代的音乐哲学与制度构建 本章深入探讨中国音乐的哲学基石。从《尚书》中的“礼”与“乐”的辩证关系入手，阐释早期音乐在国家治理和社会伦理中的核心地位。重点解析雅乐制度的建立，包括其在祭祀、朝会等国家典礼中的具体应用，以及“中和位育”思想如何形塑了中国古典音乐的结构逻辑。 理论基础的奠定： 对“五声”、“七音”理论的详尽考察，分析其与阴阳五行学说的紧密关联。探讨古代音律学派的争鸣，例如以史夔、李瞽为代表的古代乐官对音阶制定的贡献。 乐器形态的初现： 追溯如钟、磬、瑟、篪等核心乐器的起源与早期形制。结合考古发现（如曾侯乙墓出土的编钟），重建先秦宫廷音乐的声学景观与演奏规模。汉代音乐的承袭与发展，特别是太常雅乐的成熟化过程，及其在儒家复兴背景下的地位强化。 第二章：魏晋风度的回响——玄学思潮下的音乐精神转向 魏晋南北朝时期，社会动荡与玄学思潮的兴起，为中国音乐注入了全新的精神内核。本章着重分析文人音乐的崛起及其对宫廷音乐的冲击。 竹林七贤与“曲水流觞”： 探讨嵇康、阮籍等名士如何通过音乐表达对现实的疏离与对个体生命的关注。重点剖析“清商乐”的发展，以及其在民间和士大夫阶层中的传播，揭示其音调上较雅乐更为自由、趋向个体情感抒发的特点。 乐律的细化与转译： 考察丝竹乐器的地位提升，如琵琶的初步本土化演变。分析七弦琴（古琴）在这一时期的独立发展，“琴道”的兴起，及其如何超越单纯的娱乐功能，成为士人修身养性的重要途径。本章将对比雅乐的规范性与玄学音乐的个性化表达之间的张力。 第三章：盛唐气象——多元融合与燕乐的勃兴 唐代是中国古典音乐的黄金时代。本章将细致描绘这一时期音乐的繁荣景象，体现其兼收并蓄的博大胸襟。 燕乐体系的成熟： 阐释唐代燕乐（宴会音乐）如何吸纳了西域、南亚等地的音乐元素，形成了庞大而精细的乐曲分类体系，如“相和歌”、“清商曲”、“胡部曲”。重点介绍“教坊”的设立及其在音乐人才培养、曲谱整理方面的重要作用。 器乐的革新与定型： 探讨唐代筚篥、箜篌、羯鼓等乐器的广泛应用，及其对乐队编制的影响。分析“燕歌十八调”的音乐结构与和声（复调性）的初步探索。通过对唐代壁画、文献中乐舞场景的重构，复原大唐盛世的音乐图景。 第四章：宋代文人士大夫的音乐生活与词曲结合 宋代，市民阶层兴起，音乐的传播载体和审美趣味发生深刻变化。本章关注音乐如何更贴近世俗生活，以及文学与音乐的深度结合。 词曲的兴盛与“戏文”的萌芽： 重点分析宋词作为一种高度成熟的歌唱文学，对音乐旋律和节奏的制约与启发。探讨“大曲”向更具叙事性的“诸宫调”演变的过程，这是后来戏曲音乐的直接源头。 “以乐载道”的转型： 考察宋代理学思潮对音乐的规范化倾向，但同时，市民阶层对“瓦肆”、“勾栏”中新兴音乐形式的偏爱，形成了官方审美与民间娱乐之间的张力。古琴音乐在文人阶层中得到了进一步的精致化发展，注重指法和吟猱的表现力。 第五章：元明清戏曲音乐的鼎盛与地域分化 元代以后，戏曲成为中国音乐最主要的表现形式。本章将聚焦于戏曲音乐的结构、板式系统及其在全国范围内的分流。 元曲与南戏的成熟： 详述“板式”系统的构建，即音乐如何围绕文学散板、过门、慢板、流水板等固定节奏框架展开。分析“曲牌”在不同剧种（如元杂剧、南戏）中的运用差异。 昆曲的精微与雅化： 深入研究明代中后期兴起的昆山腔（昆曲）。探讨其以“水磨腔”为代表的细腻、婉转的音乐风格，以及对唱腔发声、气口控制的极致要求，并分析其如何成为上层社会的雅致娱乐。 地方戏曲的崛起与交融： 梳理秦腔、弋阳腔等地方声腔的形成，分析它们在音乐色彩、伴奏乐器（如板胡、二黄腔的运用）上如何区别于昆曲，体现了中国音乐在地域文化影响下的多样化发展。 第六章：传统乐器的演进与形制定型 本章作为技术性补充，专注于考察中国传统核心乐器在历史长河中的物质性变迁，完全不涉及西方乐器学的知识体系。 吹管乐器： 笛子（横笛、竖笛）、箫、笙的形制演变、音域拓展及在不同音乐体系中的定型。特别是管乐的“一宫一调”概念对音色选择的影响。 弹拨乐器： 从古琴、古筝（七弦、减字谱与工尺谱）、琵琶（曲项琵琶到直项琵琶）的结构变化，到阮、月琴在乐队中的角色确立。 拉弦乐器： 考察二胡的前身——奚琴、鬼年等拉弦乐器，分析其在明清时期成为主要独奏与合奏乐器的过程。 打击乐器： 鼓板在雅乐与戏曲中的功能区分，以及在不同场合（如军乐、祭祀、宴饮）所用的不同组合规则。 --- 总结： 本书旨在为读者构建一个完整、连续的中国传统音乐发展脉络图，强调其内在的哲学精神、制度沿革、艺术形式的自我完善与地域性的审美差异，展现东方古典艺术的独特魅力。

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我个人在阅读过程中，对书中对不同地域音乐文化差异性的探讨印象最为深刻。很多同类书籍倾向于以英美音乐为主线进行讲述，但这本书显然更具国际视野。它细致地勾勒出了欧洲大陆（特别是德国和法国）在电子音乐和前卫摇滚领域的独特贡献，并且没有回避美国本土音乐在不同区域（如西海岸的迷幻与东海岸的朋克对立）所展现出的鲜明地域特征。这种平视的、去中心化的视角，帮助我打破了过去对音乐史的固有认知框架。通过对照阅读不同地域的音乐发展轨迹，我能更清晰地看到，虽然技术和商业潮流具有一定的普适性，但不同文化土壤滋养出的音乐，在旋律、节奏和歌词主题上，依然保留了深刻的文化烙印。这对于一个希望全面了解全球音乐生态的读者来说，是极其宝贵的财富。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮。封面采用了深邃的午夜蓝色调，配上烫金的字体，散发出一种低调而又不失格调的复古气息。纸张的选择也很有讲究，触感温润细腻，翻页时发出的“沙沙”声响，仿佛能将人带回那个黑胶唱片吱吱作响的黄金年代。我尤其欣赏作者在版式编排上的匠心独运，每一章节的过渡都设计得极为自然流畅，章节标题的字体大小和行距都拿捏得恰到好处，使得长时间阅读也不会感到视觉疲劳。更妙的是，书的内页中穿插着一些精心挑选的、高清晰度的早期音乐会照片和唱片封面艺术，这些视觉元素不仅极大地丰富了阅读体验，更像是一扇扇通往过去世界的窗口，让人在文字的引导之外，也能直观感受到那个时代音乐的脉搏与魅力。整体来看，这本书的实体质感完全配得上它所承载的文化重量，放在书架上本身就是一件赏心悦目的艺术品，体现了出版方对音乐文化载体的尊重。

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我对这本书的深度和广度感到非常惊喜。我原本以为这会是一本比较浅尝辄止的概述性读物，但事实证明，作者显然在音乐史料的挖掘和梳理上花费了巨大的心血。书中对于二十世纪中叶，比如摇滚乐起源初期的那些社会文化背景的剖析，简直是入木三分。它不仅仅是罗列了哪些乐队在何时发布了哪张专辑，而是深入探讨了特定历史事件、技术革新（如电吉他的普及、录音棚技术的进步）是如何像催化剂一样，共同推动了音乐风格的演变和突破。比如，作者对蓝调音乐如何被“白人化”并最终催生出英伦入侵浪潮的分析链条，逻辑严密，论据扎实，让我对那些耳熟能详的经典曲目背后隐藏的复杂社会动因有了全新的理解。这种将艺术史与社会学、技术史紧密结合的叙事方式，使得整本书的论述立体而饱满，远超一般音乐入门读物的范畴。

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作为一本梳理发展脉络的著作，本书在时间轴的把控上表现出了极高的专业水准。它巧妙地避开了简单的线性时间推进，而是采用了“主题簇”的方式来组织内容。比如，某个章节可能围绕“合成器技术对舞曲音乐的影响”这一核心，跨越数十年，将七十年代的迪斯科、八十年代的New Wave和九十年代的Techno串联起来，展现出一种螺旋上升式的演进关系。这种结构要求读者具备一定的背景知识，但一旦跟上节奏，就会发现这种组织方式远比按年代罗列要有效得多，因为它能更好地揭示出不同音乐风格之间的“血缘关系”和技术传承。我发现自己不再是孤立地看待某个流派的兴衰，而是将其置于一个宏大的、不断相互影响、相互渗透的音乐进化系统中去理解，极大地提升了对音乐历史演变的洞察力。

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这本书的叙事风格非常具有个人色彩，读起来完全不像是在啃一本教科书，更像是在听一位学识渊博、热爱音乐的老朋友娓娓道来。作者在论述严肃的音乐流派更迭时，时不时会穿插一些幽默风趣的轶事或犀利的个人观点，这极大地增强了文本的可读性。我特别喜欢作者对那些“边缘化”音乐现象的关注。例如，它并没有一味聚焦于那些占据主流榜单的超级巨星，而是花了不少笔墨去探讨实验电子乐、前卫摇滚等在当时并未获得广泛商业成功的流派，以及这些“异类”是如何为后来的主流音乐铺设了基础。这种“以小见大”的写作策略，使得对整个音乐图景的描绘更加全面和公允。每当读到一个关键转折点，作者的语气会变得格外激昂，那种对音乐纯粹热爱的文字感染力，让我几乎想立刻起身，去把那些被提及的经典专辑找出来重新聆听一遍，以印证书中的论断。

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还不错

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入门级读物

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还好，简单介绍了流行音乐发展的轮廓，没有涉及太多的乐理知识，能看懂，对爵士，摇滚，乡村，电子，轻音乐和新世纪音乐和歌剧进行的简要的介绍，对于还有很多音乐风格，有些是早已独立的音乐风格没有介绍，比如雷鬼 放克，民谣。专辑和音乐推荐也见仁见智吧。后面几章介绍乐器和音乐剧情节和音乐节和颁奖礼，个人感觉比较累赘。介绍歌手的时候也很套路。看着玩就行。

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入门级读物

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