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出版者:

作者:盖勒

出品人:

页数:200

译者:黄訸

出版时间:2010-5

价格:59.00元

装帧:

isbn号码:9787115223272

丛书系列:

图书标签:

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聚焦光影，定格瞬间：掌握影像叙事的艺术 这本书并非关于如何按下快门，也非局限于器材的堆砌，它关乎的是一种思维方式，一种观察世界的独特视角，以及将瞬间的感动转化为永恒影像的能力。它是一次深入影像内心世界的探索，一次关于如何用光影、构图、色彩和情感来讲述故事的实践指南。 第一章：看见“光”的语言——解构自然与人造光源的魔力 光，是摄影的灵魂。本章将带领你超越“曝光补偿”的机械操作，去理解光线的本质。我们将细致剖析自然光在一天中不同时段、不同环境下的变化，无论是晨曦的柔和、正午的硬朗，还是夕阳的温暖，每一种光都承载着独特的情感和氛围。你将学会如何“阅读”光线，预测它的走向，并利用它的特性来塑造主体，营造空间感。 自然光的多重奏： 朝霞与晚霞的诗意： 探索低角度光线带来的长影、金黄色的渲染以及如何捕捉转瞬即逝的色彩。了解如何利用逆光勾勒轮廓，制造唯美的剪影。 日光的严峻与柔情： 学习在正午强光下寻找阴影，利用散射光柔化人像，以及如何通过遮挡和反光板来控制光线。 阴天的低语： 剖析阴天散射光带来的均匀、柔和的特性，以及如何利用它拍摄细腻的色彩和纹理。 室内光线的智慧： 洞悉窗户光、台灯光、甚至环境中细微的光线变化，并学会如何巧妙运用它们来增强画面的层次感和氛围。 人造光源的创造力： 灯光的情感调色板： 深入研究不同色温光源（如白炽灯、荧光灯、LED灯）对画面色彩的影响，并学会如何通过白平衡设置或后期调整来达到理想的色彩表现。 闪光灯的塑形魔法： 摆脱直闪的单调，学习如何通过跳闪、柔光罩、反光板等附件，将闪光灯转化为塑造立体感、营造戏剧性光影的有力工具。 灯光方向与景深： 理解主光、辅光、轮廓光的作用，以及它们如何共同作用来塑造被摄主体，创造空间纵深感。 第二章：构图的哲学——让画面“说话”的奥秘 一张引人入胜的照片，离不开巧妙的构图。本章将带你进入构图的艺术殿堂，学习那些超越“三分法”的视觉语言。你将理解画面元素的排布如何引导观众的视线，如何通过留白、对称、引导线等手法来赋予照片情感和故事性。 视觉引导的艺术： 引导线的魔力： 探索线条（直线、曲线、斜线）如何在画面中引导观众的目光，将视线从前景引入主体，再延伸到无限远。学习如何利用道路、河流、建筑线条等来增强画面的纵深感和故事性。 黄金分割与视觉平衡： 深入理解黄金分割点和分割线在构图中的应用，以及如何通过对称、对衬、留白等手法来达到画面的视觉和谐与平衡。 框架式构图的深度： 学习如何利用前景的元素（如门框、窗户、树枝）来形成画面的“框架”，从而突出主体，增加画面的层次感和立体感。 情感传递的载体： 留白的力量： 理解“少即是多”，学习如何通过恰当的留白来营造意境、突出主体，并给观者留下想象的空间。 打破常规的视角： 鼓励你尝试不同的拍摄角度，如俯拍、仰拍、低角度等，来打破视觉的惯性，赋予画面新的活力和冲击力。 叙事性构图的构建： 思考如何通过构图来暗示故事，例如通过人物的视线方向、动作的预示性，以及画面元素的相互关系来构建一个微型叙事。 第三章：色彩的交响——捕捉、表达与重塑情绪 色彩是照片的情绪之源，也是最直观的语言。本章将引导你深入探索色彩的心理学和美学，学会如何捕捉环境的色彩信息，并利用色彩来表达情感、营造氛围，甚至重塑现实。 色彩的语言解读： 色彩的情感联想： 深入分析不同颜色（红、黄、蓝、绿、紫等）在视觉感知和心理层面所传递的情感信息，例如暖色调的活力与激情，冷色调的宁静与忧郁。 色彩的对比与和谐： 学习如何运用对比色来制造视觉冲击力，例如蓝与橙、红与绿的搭配；同时，也探讨如何利用相近色来营造和谐、统一的画面氛围。 色彩的饱和度与明度： 理解色彩的饱和度和明度对画面情绪的影响，学会如何通过调整来强化或弱化色彩的表现力。 色彩的运用策略： 环境色彩的捕捉： 训练你对环境色彩的敏感度，学会如何观察和记录不同场景下的色彩特征，并找到最能代表该场景的色彩组合。 色彩的呼应与统一： 学习如何通过画面中元素的色彩呼应来增强画面的整体感和视觉韵律。 后期色彩的再创造： 探讨如何在后期调整中，更精妙地运用色彩，例如通过色调分离、局部色彩调整等手法，来强化画面的艺术表现力，甚至创造出独特的色彩风格。 第四章：虚实之间——景深与对焦的艺术化表达 景深和对焦，是控制画面“清晰度”的关键，也是表达“意图”的有力工具。本章将带领你超越简单的“清晰”与“模糊”的二元对立，去理解如何利用景深和对焦来突出主体，引导视线，甚至营造梦幻般的视觉效果。 景深控制的魔力： 大景深下的细节叙事： 学习如何运用小光圈来获得更大的景深，从而清晰地呈现前景、中景和远景，适合风光、建筑等需要展现宏大场景的摄影。 浅景深下的主体聚焦： 探索如何运用大光圈、长焦镜头来制造浅景深，有效地分离主体与背景，突出被摄者，营造梦幻般的背景虚化效果，尤其适用于人像摄影。 景深与空间感的营造： 理解不同景深如何影响画面空间感的呈现，浅景深能拉近主体与观者的距离，而大景深则能展现更广阔的场景。 对焦的精准与艺术： 精准对焦的要义： 强调在拍摄过程中，理解被摄主体的关键点，并进行精准对焦的重要性，尤其是在拍摄运动物体或微距时。 “失焦”的诗意： 探讨在某些特定场景下，故意使用“失焦”或“柔焦”效果所能带来的独特艺术魅力，例如梦幻般的氛围、朦胧的美感。 对焦与情绪的关联： 理解选择不同的对焦点如何影响观众的视线停留，以及如何通过对焦来引导观众的阅读顺序。 第五章：动态的瞬间——捕捉与凝固时间的轨迹 时间是摄影最核心的媒介，而捕捉动态则赋予了照片生命力。本章将深入探讨如何运用快门速度来记录或改变时间的流逝感，从而创造出截然不同的视觉效果。 快门速度的魔法： 凝固瞬间的定格： 学习如何使用高速快门来冻结快速运动的物体，例如飞鸟、运动员的动作，捕捉那些肉眼难以捕捉的精彩瞬间。 慢门拉伸的轨迹： 探索如何运用慢速快门来记录物体的运动轨迹，例如车流的灯光、瀑布的水流，创造出流畅、梦幻的视觉效果。 “运动模糊”的艺术： 理解如何在适当的场景下，利用运动模糊来表达速度感、动感，甚至抽象的美感。 捕捉运动的策略： 预判与时机： 强调观察和预判被摄物体运动规律的重要性，以及在最佳时机按下快门。 摇摄的动态之美： 学习如何通过相机跟随运动物体进行摇摄，实现主体清晰而背景模糊的效果，强化动感。 记录时间的连续性： 探讨如何通过多张照片的组合或特定拍摄技巧，来表现时间段的连续变化。 第六章：情感的共鸣——照片背后的人文关怀与故事 摄影的终极意义在于情感的传递和故事的讲述。本章将引导你超越技术层面，去思考如何通过照片与观众建立情感连接，如何捕捉人物的情绪，如何用画面来讲述一个引人入胜的故事。 人物的情绪捕捉： 观察与理解： 强调深入观察被摄者的神态、表情、肢体语言，理解他们的内心世界，并耐心等待最能打动人心的瞬间。 沟通与引导： 学习如何通过真诚的沟通与引导，让被摄者放松，自然地流露出真实的情感。 眼神的叙事： 深入解读眼神在人物摄影中的重要性，学会捕捉那些充满故事的眼神。 故事的视觉化表达： 细节的力量： 关注那些能够烘托故事氛围的细节，例如人物的环境、手中的物品、脸上的痕迹等。 氛围的营造： 学习如何通过光影、色彩、构图等元素来营造特定的故事氛围，例如喜悦、悲伤、神秘、怀旧等。 “留白”的叙事空间： 理解如何在画面中留有“叙事空间”，让观众通过想象来补充故事的细节，参与到叙事过程中。 系列照片的叙事： 探讨如何通过一系列有逻辑关联的照片来讲述一个更完整、更深刻的故事。 第七章：后期处理的升华——点亮影像的灵魂 后期处理并非“欺骗”，而是对影像灵魂的升华。本章将引导你理性看待后期，将其视为一种创作工具，通过精妙的调整，让照片的艺术表现力得到最大程度的释放。 理解“真实”与“艺术”： 后期并非“重塑”： 强调后期处理是在尊重原始影像信息的基础上进行的艺术化再创作，而非凭空捏造。 适度原则： 学习把握后期调整的尺度，避免过度处理导致照片失真或失去灵魂。 后期工具的精妙运用： 基础调整的精准： 深入掌握亮度、对比度、饱和度、白平衡等基础调整的运用，以及如何利用曲线、色阶等工具来精细控制画面影调。 局部调整的智慧： 学习如何通过蒙版、选区等工具，对画面局部进行精细调整，例如提亮暗部、压暗亮部、锐化主体等。 色彩的二次创作： 探索通过色相/饱和度、色彩平衡、分离色调等工具，对画面色彩进行艺术化处理，营造独特风格。 锐化与降噪的平衡： 理解锐化与降噪在画面清晰度和细腻度之间的权衡，以及如何找到最佳的平衡点。 风格化的探索： 鼓励你尝试不同的后期风格，例如复古、LOMO、黑白等，形成自己的影像语言。 这本书的目的，是激发你内心深处对影像的渴望，让你看到摄影的无限可能。它不提供标准答案，而是抛出问题，引导你思考，鼓励你实践。最终，你会发现，真正的技法，藏在你对世界的观察、对情感的捕捉，以及对光影的驾驭之中。愿你在这趟影像探索之旅中，发现属于自己的独特视界。

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这本摄影集，坦白说，如果不是冲着那个略显神秘的标题去的，我可能根本不会注意到它。拿到手的时候，第一印象是装帧很朴素，内页的纸张质感也偏向于那种老派的哑光，和现在动辄高清亮彩的图册风格大相径庭。翻开第一页，映入眼帘的是一系列关于光影的探讨，但奇怪的是，里面没有一张清晰可辨的“大片”，全是一些裁剪得非常规、构图近乎抽象的黑白照片。作者似乎对传统的“美”毫无兴趣，他更像一个物理学家在研究光线如何穿透介质，记录下那些转瞬即逝的微小变化。我记得有一章专门讲“阴影的质地”，用的是非常晦涩的语言，引用了许多哲学家的观点，读起来颇为费力，像是在啃一本硬邦邦的理论著作，而非一本教你如何按快门的指南。有一张图，画面主体是一片被阳光斜切开的墙角，灰度过渡极其微妙，初看平平无奇，但如果你盯着它看久了，会感觉那道光线仿佛有重量、有温度。这本书给我的感觉是，它不是教你如何拍出好看的照片，而是逼着你去思考，到底“看”这件事本身意味着什么。对于那些期待快速上手、即学即用的摄影爱好者来说，这本书可能是一场灾难，但对于那些想在摄影的泥沼里挖掘更深层次意义的人，它或许是块不错的磨刀石，前提是你能忍受它那近乎故作高深的表达方式。

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这本书的影像风格极其统一，贯穿着一种冷峻的、近乎病态的清晰度。几乎所有的照片都锐化到了极限，细节纤毫毕现，连物体表面的尘埃和微小的纹理都清晰可见，给人一种强烈的“超现实”感。我一度怀疑作者是不是用某种特殊的扫描仪或者后期技术来达成了这种效果。在谈到“景深控制”的那一章，我本以为会看到光圈和焦距如何影响虚化效果的对比图，但看到的却是作者对“焦点作为意识锚点”的哲学探讨。他认为，清晰的焦点代表了主观意志的完全投射，而模糊则是一种对世界的妥协。书中有一张关于人像的特写，眼睛清晰得仿佛能直视你的灵魂，而背景则完全被压制成一片平滑的、毫无细节的色块。这种处理方式在商业摄影中或许有用，但书中对此的讲解，完全没有提及如何操作才能稳定地获得这种效果，全是围绕着“为什么要这样呈现你的观看立场”进行阐述。总而言之，这本书更像是一部关于“观看的姿态”的学术论文，而不是一本可以帮你解决实际拍摄难题的技术手册。

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我借阅这本书的时候，是在一个户外摄影工作坊上。当时大家都在交流如何应对复杂光线环境，有人推荐了这本书，说它在处理高反差场景上有独到见解。然而，当我打开书后，我发现我对它产生了一种错位感。书里用了大量的篇幅去分析“瞬间”的捕捉，但这些“瞬间”都不是我们通常理解的体育赛事、飞鸟或水花，而是某种极度静止、几近凝固的状态，比如一滴水珠即将落下的前一毫秒，或者一束烟雾在空气中形成的特定涡旋。作者对时间感知的描述极为细腻，他似乎能将一秒钟拆分成无数个可以被精确测量的微小片段。问题在于，他给出的“技术指导”总是停留在意境层面。例如，描述如何拍好“时间的静止”，他写道：“你需要让你的快门速度与被摄对象的内在频率达成共振。” 这种描述在文学上或许优美，但在实际操作中，我完全不知道应该设置多少分之一秒。这本书的价值，或许在于它拓宽了我们对“摄影瞬间”的定义，但如果期望它能帮你提高快门速度设置的准确性，那无疑是缘木求鱼了。

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我本来是想找一本关于后期处理技巧的书，结果误打误撞淘到了这个大家伙。说实话，这本书的排版简直是一种折磨。字体小得可怜，而且很多技术术语都用了非常生僻的表达，感觉作者根本没想让普通人读懂他到底在说什么。我花了一整晚试图理解其中关于“色彩空间转换的非线性误差”的那部分，结果越看越迷糊，最后不得不放弃，直接跳到了后面的案例分析。而这些案例，又是另一个极端：纯粹是作者个人艺术风格的展示，几乎没有附带任何参数说明或者操作流程。比如，他展示了一张夜景，色彩饱和度高得近乎夸张，但文字描述却轻描淡写地说了一句“通过对感光元件噪声的有意引入，实现了情绪的强化”。这对于我这种想知道他用了什么曲线、什么滤镜的实用主义者来说，简直是浪费生命。这本书更像是一本艺术家的个人宣言，充满了对主流审美的挑衅，每一个页面都在无声地宣告：“我的方法，你学不来，也别想复制。”它带来的不是知识，而是一种强烈的挫败感和对自我学习能力的怀疑，但奇怪的是，这种挫败感又带着一种莫名的吸引力，让你忍不住想去探究他到底是如何构建出这种“非理性”视觉的。

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这本摄影集给我的体验非常奇特，它不像一本实体书，更像是一次非常冗长且私人化的策展。内容组织上几乎找不到逻辑主线，前一页可能还在讨论微距镜头对景深的影响，后一页就跳到了对纪实摄影伦理的尖锐批判，两者之间没有任何过渡。我特别留意了关于“曝光三角”的章节——这是所有入门书籍都会着重讲解的基础知识，对吧？然而，这本书里只用了一个插图，那个插图画的是一个钟表齿轮的简化模型，旁边写着一行字：“时间与光线的博弈，并非线性关系。”完了，没有公式，没有曝光值对照表，什么都没有。这简直是故意在给初学者制造障碍。它仿佛预设了一个前提：读者已经了如指掌一切基础知识，现在我们来谈点更高层次的东西。对于一个刚从卡片机升级到单反的新手来说，这本书的阅读价值基本为零，它提供的不是工具，而是一堆无法消化的哲学碎片。我合上书时，第一反应是：这真的是一本关于“技法”的书吗？

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学到了一些知识，弄懂了几个问题，如果再选些照片讲解下就好了

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