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出版者:中国轻工业出版社

作者:张浩

出品人:

页数:237

译者:

出版时间:2001-01

价格:40.00

装帧:平装

isbn号码:9787501929702

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《风尚千年：时尚变迁的丝绸之路》 卷一：衣冠王国，礼序之美（史前至秦汉） 早在文字记录之前，人类便已懂得利用天然材料包裹身体，不仅是为了抵御风寒，更蕴含着最初的审美追求和社群认同。在中国广袤的大地上，从新石器时代的河姆渡遗址出土的骨针，到仰韶文化的彩陶纹饰，我们能窥见先民们对编织、染色和装饰的初步探索。那些朴素的纹样，或许承载着对自然的敬畏，对丰收的祈愿，抑或是部落的图腾。 夏商周时期，礼乐文明的兴起，将衣冠的重要性提升到前所未有的高度。青铜器上精美的纹饰，暗示着织物的复杂工艺。周公制礼作乐，更是将服饰纳入森严的等级制度。天子、诸侯、士、庶人，各守其分，衣冠的形制、颜色、纹饰都必须符合规制，不得逾越。这是一种“章服之会”，是社会秩序的视觉体现。贵族们身着宽袍大袖，材质考究，细节处尽显尊贵，如“玄端”之制，严谨而庄重。祭祀、朝聘、婚礼，不同的场合有着特定的服饰要求，每一次穿着都是对身份和礼仪的郑重宣告。 秦汉一统，帝国气象磅礴，服饰也随之展现出宏伟与厚重。秦朝的“直裾”袍，简洁有力，与秦军锐士的风格相得益彰。汉朝则在继承秦制的基础上，进一步发展了“曲裾”和“直裾”。曲裾袍的层层叠叠，垂坠感十足，体现了汉代含蓄内敛的审美，也方便了骑射的需求（虽然有些曲裾并不适合大规模骑射，但其作为礼仪服饰的地位不可动摇）。而直裾袍则更为便捷，逐渐成为主流。汉代的色彩也愈发丰富，如“五色”之说，不仅是装饰，更是象征着阴阳五行，蕴含着宇宙观。丝绸之路的开辟，更是为汉代带来了前所未有的异域风情。来自西域的色彩鲜艳的织物、精美的工艺，不仅丰富了汉人的服饰选择，也促进了中原织造技艺的交流和发展。同时，胡服的传入，也为汉代服饰注入了新鲜血液，汉代女性的“襦裙”形制，宽松飘逸，与早期紧身窄袖的胡服形成了鲜明对比，展现了不同文化背景下的服饰魅力。 卷二：华丽转身，多元融合（魏晋南北朝至隋唐） 魏晋南北朝，一个动荡却也孕育着艺术勃发的时代。战乱频仍，民族融合加速，文化的碰撞与激荡，在服饰上留下了深刻的烙印。北方游牧民族的简洁利落的“裲裆”（一种短衣），与汉族传统的宽袍大袖相结合，催生出新的服饰样式。南方则承袭了汉魏的雅致，文人墨客们追求“褒衣博带”，飘逸洒脱，寄情山水，服饰成为他们精神世界的写照。“竹林七贤”的玄谈，与他们随意自在的衣着风格相得益彰。此时的服饰，已经开始摆脱纯粹的等级束缚，更添了个性和审美的自由度。色彩也更加大胆，如深色系的流行，与当时清谈玄学的风气相呼应。 隋朝短暂而辉煌，作为大一统王朝的开端，它集南北之长，为唐朝的服饰盛世奠定了基础。隋朝的服饰，在继承前朝的基础上，更显精美和华丽。特别是隋文帝提倡节俭，但随着国家强盛，服饰的用料和工艺也日益讲究。 唐朝，一个自信、开放、包容的时代，其服饰文化达到了空前的繁荣。这是一个万国来朝的时代，也是一个文化交融的黄金时期。唐朝的服饰，色彩艳丽，样式繁多，既有汉族的传统，也吸收了西域、波斯等地的风格。女性服饰尤为突出，襦裙是基本款式，但其变化无穷。高腰襦裙，拉长了身材比例，显得修长窈窕。裙子的颜色、花纹更是五彩缤纷，如“石榴裙”、“百花裙”，都充满了生命力。还有“半臂”，一种套在襦外的小袖上衣，增加了层次感和装饰性。唐朝女性的妆容也极为大胆，花钿、额黄、斜红，无不彰显着自信与风情。男子的官服，如圆领袍衫，则显得英武干练。胡服的流行，更是唐朝开放性的一个缩影，窄袖、紧身的胡服，在军旅和日常生活中都十分常见，与汉族服饰并行不悖，形成了独特的“胡汉融合”风格。唐朝的织锦技术也达到了顶峰，如“锦”的出现，更是将服饰的美学提升到新的高度。丝绸之路上的往来，使得唐朝的服饰成为东方乃至世界都瞩目的焦点。 卷三：风雅古韵，内敛含蓄（宋辽金元） 宋朝，一个经济文化高度发达的时期，其服饰风格却转向内敛与理性。相较于唐朝的华丽奔放，宋朝的服饰更注重线条的简洁、色彩的淡雅和款式的适度。男性服饰以“袍衫”为主，注重服饰的质感和工艺，丝绸、麻布等材质被精细加工，体现出一种素雅的文人气质。女性服饰则以“褙子”和“襦裙”为主，褙子轻盈飘逸，为襦裙增添了一层朦胧的美感。色彩上，宋朝偏爱青、白、黑、素色，如淡雅的月白、浅葱、藕荷，传递出一种宁静致远的心境。宋朝的服饰，不再是身份的炫耀，更多的是一种对生活品味的体现，一种“士大夫”精神的象征。 辽、金、元三个少数民族政权先后统治中原，也带来了各自独特的服饰文化。辽朝的服饰，融合了契丹民族的粗犷与汉族的精细。他们的袍服，多为窄袖，便于骑射。金朝的服饰，则继承了女真族的服饰特点，注重实用性。元朝，作为一个庞大的帝国，其服饰呈现出明显的蒙古族风格与汉族服饰的融合。元朝贵族服饰，如“质孙服”，宽袍大袖，色彩鲜艳，多用金银线绣制，尽显奢华。同时，元朝也大量吸收了汉族的服饰元素，汉族传统的襦裙、袍衫在民间依然流行，并与蒙古族服饰相互影响，形成了一种独特的多元服饰景观。然而，元朝的服饰也带有明显的等级划分，不同身份的人有着严格的服饰规定。 卷四：锦绣繁华，最后的辉煌（明清） 明朝，在继承宋元服饰的基础上，发展出了自己独特的风格。明朝的服饰，既有汉族传统的复兴，又融入了时代的审美。男子的官服，如“补服”，在胸前和背后绣制不同的禽兽纹样，代表着官阶，既是身份的象征，也极具装饰性。士人服饰则趋向宽大飘逸，如“道袍”、“直身”等，体现了文人的儒雅风范。女性服饰以“袄裙”为主，上身穿袄，下身穿裙，款式丰富，色彩也逐渐变得更加鲜艳。明代的织锦技术也达到了一个新的高度，苏绣、缂丝等工艺精湛，为服饰增添了无限光彩。明末，随着西方传教士的到来，一些西式元素也开始悄然影响明朝服饰，如一些宽大的袖袍，也可见一丝西方风格的影子。 清朝，满族入主中原，带来了具有民族特色的满族服饰。最具有代表性的就是“旗袍”和“马褂”。旗袍，最初是满族妇女的常服，宽大平直，后来在民国时期经过改良，成为举世闻名的女性时装。马褂，则是男子穿着的上衣，搭配长袍，成为清朝男子的典型装束。同时，清朝也继承了明朝的部分服饰制度，汉族传统的服饰在民间依然保留，但也在一定程度上受到了满族服饰的影响。清朝的服饰，在后期，尤其是官服，更加注重细节和装饰，如繁复的盘扣、精美的刺绣，都体现了皇权的威严和奢华。然而，随着西学东渐，到了晚清，西式服装开始逐渐进入中国，尤其是在军队和政府官员中，预示着中国传统服饰时代的落幕。 卷五：时代回响，经典新生（近现代至今） 近现代以来，中国服饰经历了翻天覆地的变化。辛亥革命推翻了帝制，也带来了服饰的革新。剪辫易服，西式服装开始在中国流行，中山装、西装成为男性主流着装。女性服饰也经历了从传统汉族服饰到旗袍、连衣裙的转变。旗袍在民国时期得到了极大的发展，融合了中西方的审美，成为中国女性的经典形象。 新中国成立后，出于政治和社会理念的影响，服装风格趋向朴素、实用，如“干部服”、“列宁装”一度成为主流。改革开放后，中国经济腾飞，对外交流日益频繁，西方时尚潮流涌入，人们的穿着开始变得多元化、个性化。从牛仔裤、T恤的普及，到各类国际品牌的涌入，中国人的穿着风格与世界接轨。 如今，中国服饰文化正以前所未有的姿态拥抱世界，同时也在不断挖掘和传承中华传统服饰的精髓。从传统汉服的复兴，到将传统元素融入现代设计，中国服饰正经历着一场深刻的“创造性转化，创新性发展”。从古老的丝绸之路，到如今的时尚舞台，中国的服饰，承载着历史的记忆，流淌着文化的血脉，在新时代焕发出新的光彩。它不再仅仅是遮体保暖的工具，更是个人身份、社会地位、文化认同乃至国家形象的重要载体。它在历史的长河中不断演变，吸收、融合、创新，每一次变革都折射出时代的风貌，每一次重生都凝聚着民族的智慧。

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这本书给我带来的最深感受，是一种跨越时空的共情。作者非常擅长捕捉那些转瞬即逝的、关于“人”的故事。比如，书中描述了某些服装设计如何成为女性解放运动中的隐形盔甲，或者某个特定造型如何帮助演艺明星在公众压力下找到自我身份的瞬间。这些故事不再是冰冷的时尚史料，而是充满了人性的挣扎、追求和胜利。我特别欣赏作者对不同文化背景下时尚影响力的讨论，它不仅仅局限于欧美主流视角，而是努力去呈现全球视野下的时尚脉络，这使得全书的格局一下子打开了。阅读的过程中，我常常会联想到自己衣柜里那些保留多年的旧衣服，开始思考它们在我个人生命历程中扮演的角色。这本书，与其说是在介绍“时尚”，不如说是在探讨“人类如何通过外表与世界进行对话”这一永恒的主题，它像一面镜子，让我们得以反思自己的选择和表达。

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作为一名对设计美学略有涉猎的爱好者，我发现这本书在细节呈现上的考究到了近乎偏执的程度。它不是那种浮光掠影地介绍几个当红单品，而是对服装构造、剪裁工艺甚至缝纫技术的细微变化都有所着墨。比如，关于面料是如何从传统的手工纺织向工业化大规模生产转变，以及这种转变对服装版型产生的决定性影响，作者阐述得极为清晰。在谈到某个特定年代的裤装剪裁时，书中甚至会提及当时制作裤子的具体机器型号和工艺难度，这种专业度是很少在面向大众的时尚读物中看到的。这种深度让整个阅读体验变得非常扎实可靠，感觉自己不是在读一本“流行指南”，而是在翻阅一本关于应用美学的百科全书。我发现，自己以前看旧照片时那种模糊的“感觉”，这本书用精确的文字和理论框架将其清晰地界定和解释了出来，极大地提升了我对视觉审美的鉴赏能力。

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这部书的叙事手法真是令人耳目一新，它没有采用那种流水账式的编年史写法，而是像一位经验丰富的时尚评论家在娓娓道来。作者对不同年代时尚风格的捕捉极其敏锐，每一个转折点都像是精心设计的戏剧高潮。比如，书中对二战后“新风貌”（New Look）的描写，那种从战时实用主义到极致女性化的华丽回归，被描绘得淋漓尽致，仿佛能闻到那股浓郁的香水味和感受到紧身胸衣的束缚感。不仅仅是服装本身，作者还深入挖掘了背后的社会思潮和经济背景，解释了为什么女性会在那个特定时刻选择那样的着装方式。从迪奥的高级定制到街头青年的反叛着装，每一笔都充满了力量感和历史的厚重。阅读过程中，我多次停下来思考，原来我们今天习以为常的一些搭配，其根源竟然如此复杂和耐人寻味。书中对色彩、面料乃至廓形变化的解读，既有学术的严谨，又不失大众阅读的趣味性，真正做到了雅俗共赏，让我对“美”的定义有了更深层次的理解。

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这本书的结构设计堪称艺术品。它不是简单的线性时间轴推进，而是采用了主题模块化的方式，比如专门有一章讨论“面料的革命”，另一章则专注于“配饰的权力转移”。这种非线性的叙事，极大地增强了阅读的趣味性，避免了因年代跨度过大而产生的阅读疲劳。例如，在讨论到极简主义的兴起时，作者能够将八十年代末期的某种设计理念，与上世纪初的包豪斯运动进行巧妙的对比和串联，展现了时尚史上那些看似无关的元素是如何相互呼应、螺旋上升的。我特别喜欢作者在描述那些已经消逝的时尚风潮时所使用的那种略带怀旧却又保持客观的笔调。它让人感到，时尚的更迭不是一种浪费，而是一种持续不断的创造性破坏与重建的过程。读完后，我对那些过时的潮流不再抱持轻蔑的态度，而是充满了理解和尊重，因为它们都是特定历史时刻的珍贵注脚。

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老实说，我一开始对这种主题的书是抱持着怀疑态度的，以为无非是些漂亮的图片和空泛的赞美之词。但这本书的深度远远超出了我的预期。它真正厉害的地方在于，它把时尚上升到了文化符号的高度去审视。书中对七十年代朋克文化的分析，简直是一堂精彩的社会学课。作者没有停留在讨论铆钉和破洞牛仔裤的表面，而是深入探讨了这种风格如何成为对主流社会秩序的一种无声反抗，它代表了哪一代人的焦虑与激情。更让我震撼的是，作者在探讨品牌演变时，那种对商业逻辑和艺术创造力之间微妙平衡的洞察力。读到关于某些标志性设计师如何平衡市场需求和个人艺术坚持的部分，我感觉自己就像在看一部关于现代艺术史的纪录片。文字的密度非常高，信息量爆炸，但组织得井井有条，让人欲罢不能，仿佛在跟一位充满智慧的长者对话，他不仅知道“什么流行”，更知道“为什么流行”。

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图片很多，非常不错的资料集。

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