Finale 最新电脑打谱速成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:新时代出版社

作者:高松华

出品人:

页数:246

译者:

出版时间:2003-3

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787504208101

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• FINALE-teach
• 电脑打谱
• 乐谱制作
• Finale
• 音乐软件
• 音乐教学
• 作曲
• 编曲
• 乐理
• 音乐入门
• 软件操作

图书简介 书名： 旋律的匠心：数字音乐编曲与制作全景指南 作者： [此处留空，或填写虚构的专家名字，如：李明、张伟] 出版社： [此处留空，或填写虚构的出版社名称，如：和声文化出版社] 字数： 约 1500 字 --- 导言：从灵感到声响的桥梁 在数字时代，音乐的创作和表达方式正经历着一场深刻的变革。我们不再受限于实体乐器和昂贵的录音棚，而是拥有了前所未有的自由去构建、编排和精炼我们的音乐构想。本书《旋律的匠心：数字音乐编曲与制作全景指南》旨在成为每一位有志于跨越“想法”与“成品”鸿沟的音乐爱好者的必备手册。它不是关于某一款特定软件的操作速成，而是一部系统、深入地探讨现代数字音乐制作哲学、技术应用与艺术决策的综合教程。 本书的宗旨是培养读者构建完整音乐作品的能力——从最初的旋律火花，到复杂的和声布局，再到最终的混音与母带处理，确保每一步都充满了理论依据和实践指导。 第一部分：音乐理论的数字重生 (The Digital Renaissance of Music Theory) 在进入任何软件界面之前，强大的理论基础是构建复杂音乐的基石。本部分将传统的音乐理论知识，以一种更贴合数字工作流程的方式重新审视。 第一章：超越五线谱的思维框架 音高、音色与节奏的数字化解析： 探讨 MIDI 信号如何精确捕捉和传达音乐意图，与传统记谱法的区别与互补。 和声结构的现代解读： 深入分析功能和声在流行、电子和电影配乐中的应用与变体。如何利用高级和弦、转位和副属和弦来丰富音乐的色彩。 动机发展与形式构建： 讲解如何将一个微小的旋律动机，通过延展、倒影、移位等手法，构建起完整乐章的结构，如奏鸣曲式、回旋曲式在现代电子音乐段落设计中的隐性应用。 第二章：律动的几何学——节奏与复节奏 时间伸缩与量化艺术： 探究弹性时间处理（Time Stretching）和量化（Quantization）的精确控制，以及如何有意识地“不”完全量化，以注入人声的“摇摆感”（Swing/Groove）。 复合节拍与非传统韵律： 教授如何处理 5/4、7/8 等不规则拍号，以及如何在多层循环中构建复杂的复节奏织体，特别适用于前卫摇滚和实验电子音乐。 第二部分：编曲的架构艺术 (The Architecture of Arrangement) 编曲是将理论转化为具体听觉体验的艺术。本部分侧重于如何构建一个既引人入胜又结构合理的音乐场景。 第三章：音色雕塑与乐器配置 合成器哲学： 详细解析振荡器（Oscillator）、滤波器（Filter）、包络（Envelope）和 LFO 的相互作用。不再局限于预设音色，而是引导读者理解如何从零开始设计标志性的合成器音色（如厚重的贝斯、闪烁的垫音）。 采样与真实性： 学习高级采样技术，包括多层采样映射、循环点编辑以及如何使用环境噪音和环境声场来增加录音的深度和可信度。 配器法的跨界应用： 探讨在没有真实管弦乐队的情况下，如何通过谨慎的音域分配和动态控制，模拟出交响乐团的层次感，以及如何将传统乐器（如吉他、钢琴）的声音特质融入电子环境中。 第四章：动态的叙事线索 起承转合的节奏点： 明确区分歌曲结构中的关键转折点（如副歌的进入、桥段的过渡），并教授如何通过节奏密度的变化、低频能量的增减来突出这些瞬间。 滤波与效果链的层次推进： 讲解如何利用高通、低通滤波器作为动态工具，而不是仅仅作为音色修正手段。例如，如何从一个低沉的“水下”声效，逐步“浮出水面”直至完全清晰。 自动化：让声音“呼吸”： 深入讲解自动化（Automation）的精妙之处。如何绘制复杂的自动化曲线来控制音量、声像（Panning）和效果器的参数，使作品充满持续的变化和生命力。 第三部分：混音与声学空间 (Mixing and Acoustic Sculpting) 成功的编曲需要精准的混音来实现其潜力。本部分聚焦于声音的物理空间感和平衡构建。 第五章：平衡的艺术——频率的王国 频段划分与声场定位： 系统介绍人耳听觉在不同频率段的敏感度。学习如何使用均衡器（EQ）进行“减法处理”（Cutting）以腾出空间，而不是盲目地“加法提升”（Boosting）。 立体声像的构建： 探讨声像（Panning）的心理学效应。如何通过精确的左右声像定位，建立一个清晰、宽广的混音舞台，避免元素之间的相互掩盖。 动态控制的精细打磨： 压缩器（Compressor）不再是洪水猛兽。本章详细解析阈值、比率、起音和释放在不同乐器（如人声、鼓组、贝斯）上的最佳实践，确保动态范围既有冲击力又不失细节。 第六章：空间感与沉浸式体验 混响（Reverb）的深度哲学： 区分板式、房间、弹簧和卷积混响的声学特性。学习如何利用早期反射（Early Reflections）和尾音（Decay Time）来模拟特定的音乐场景，如小型俱乐部或大型音乐厅。 延迟（Delay）的节奏应用： 探索延迟不仅仅是回声，更是增强节奏感和制造复杂织体的工具。如何使用同步延迟来创造特定的律动感。 母带预处理： 介绍在最终母带处理前，对各个轨道的信号进行优化，包括电平匹配、相位检查和串扰消除，为最终的响度竞争做好准备。 结语：持续的进化 本书提供的知识体系是跨越流派的，旨在赋予读者一套坚实的制作框架，使他们能够独立评估和解决任何制作中的技术与艺术难题。音乐制作是一个永无止境的探索过程，我们鼓励读者将书中所学融入到自身的听觉经验和创造实践中，不断打破既有藩篱，铸就属于自己的“旋律匠心”。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量和内容深度达到了令人惊喜的平衡。封面虽然专业，但内页的纸张选择却相当柔和，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳。更重要的是，它成功地架起了“艺术创造”与“技术实现”之间的桥梁。很多音乐家在创作时会因为担心技术限制而妥协艺术构想，这本书的目的似乎就是要消除这种顾虑。书中有一段话我印象极深：“技术不应成为你的镣铐，它应是让你飞得更高的翅膀。”作者通过大量的“如果……那么……”的场景构建，展示了软件如何适应音乐的无限可能性，而不是音乐如何被软件的既有功能所束缚。比如，在处理复杂的非对称拍号组合作业时，作者提供了一种混合模式的输入技巧，这种技巧在网络上几乎找不到标准教程。这本书不是教你如何“做对”，而是教你如何“做得更好，做得更像你自己”，它激发的是一种对完美排版的内在追求，让人在合上书本后，立刻想回到电脑前，重新审视自己所有的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常引人注目，那种深邃的蓝色调和金色的标题字体搭配在一起，立刻就给人一种专业、高端的感觉。我是在一家独立书店偶然发现它的，当时我正在寻找提升自己乐谱制作效率的方法，毕竟现在这个时代，没人愿意花大把时间在繁琐的排版和格式调整上。翻开扉页，首先映入眼帘的是作者对音乐排版哲学的一些深入思考，这让我意识到这本书不仅仅是一本操作手册，更像是一本关于如何“思考”音乐呈现方式的指南。作者似乎非常注重细节，每一个示例的截图都清晰无比，字体选择、谱表间距、连线处理……所有这些在初学者看来是难点的地方，都被拆解成了可以轻松理解的小步骤。我特别欣赏作者在讲解高级技巧时所采用的类比手法，他能把复杂的软件逻辑转化为日常生活中常见的场景，比如将复杂的和弦记号放置比喻成“衣柜的合理收纳”，这种接地气的比喻方式极大地降低了学习曲线。书中的案例选材也很有代表性，从简单的独奏曲到复杂的管弦乐总谱，覆盖面很广，确保了无论是古典乐迷还是现代音乐制作人都能从中获益匪浅。整体来看，这本书的排版本身就是一种艺术展示，它在潜移默化中向读者传达着专业排版的标准和审美。

评分☆☆☆☆☆

与其他教人软件操作的书籍相比，这本书的侧重点显得非常独特和前卫。它几乎没有在基础的安装或界面介绍上浪费笔墨，而是直接跳入了“效率最大化”和“自动化处理”的核心。我之前使用的另一个热门软件教程，花了大量篇幅介绍菜单栏的位置，但这本书上来就展示了如何利用脚本或宏功能批量处理上百个延音记号的对齐问题。其中关于“智能布局算法”的讲解，虽然技术性稍强，但作者通过流程图的形式将复杂的计算过程可视化了，让人很容易理解软件内部是如何权衡各种冲突因素来确定最佳位置的。我尤其喜欢其中关于“遗留问题修复”的章节，它模拟了导入大量老旧乐谱文件时可能遇到的编码错误、格式错乱等棘手问题，并提供了系统性的“急救”方案。这些方案不是一刀切的修复，而是根据错误的类型采取差异化处理，显示出作者深厚的实战经验，仿佛在身边有一位资深编辑随时提供咨询，非常可靠。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我是一个对电子设备学习感到略微头疼的人，每次面对新的软件界面总是习惯性地想要放弃。然而，这本书的编排逻辑简直是为我这种“技术恐惧症”患者量身定做的。它的章节划分不是按照软件菜单的顺序来的，而是完全围绕“完成一个作品”的实际流程来组织的。比如，第一部分是“声音的骨架搭建”——专注于音符输入的效率；第二部分是“视觉的呼吸与韵律”——讨论了力度记号、演奏法符号的精确放置；直到最后才涉及复杂的混音预览和输出设置。这种以项目驱动的学习路径，让我能立刻看到自己每一步努力带来的实际效果，极大地增强了学习的动力。我尤其喜欢其中关于“跨乐器”排版兼容性的讨论。很多软件教程只关注单个乐器，但这本书花了专门的篇幅讲解如何让小提琴的连奏与大提琴的揉弦符号在同一页上和谐共存而不产生视觉冲突。作者似乎拥有多年乐谱编辑的实战经验，他提出的很多“快捷键组合”和“隐藏设置调整”，都不是官方文档里会轻易提到的“秘籍”，而是真正能将编辑时间缩短一半的实战技巧。读完前三章，我几乎能脱离鼠标，仅用键盘就能快速修正大部分基础错误了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超出了一个简单的“如何使用”的教程。它更像是一本关于“音乐排版心理学”的著作。作者在字里行间流露出的那种对音乐家创作意图的尊重，让我深受触动。他不仅仅教你如何把音符敲上去，更深入探讨了为什么要在特定位置使用休止符的延长线，或者为什么某个小节的连线应该略微抬高。书中专门开辟了一块区域，详细分析了不同历史时期作曲家们偏好的排版风格，比如巴赫时代的严谨与德彪西时代的自由之间的视觉差异。这对于我这种同时处理不同风格乐谱的编曲人来说，简直是醍醐灌顶。我以前总是机械地套用模板，但这本书让我理解了“语境”的重要性。此外，作者对字体和纸张比例的讨论也极其细致入微。他不是简单地推荐某个字体，而是分析了不同衬线体和无衬线体在长篇乐谱中对读者视疲劳的影响，甚至提到了印刷厂对特定墨水浓度的要求，这体现了极高的专业素养和对最终成品质量的极致追求。

评分☆☆☆☆☆

汉化的是个毛线啊！

评分☆☆☆☆☆

汉化的是个毛线啊！

评分☆☆☆☆☆

汉化的是个毛线啊！

评分☆☆☆☆☆

汉化的是个毛线啊！

评分☆☆☆☆☆

汉化的是个毛线啊！