李重光怎样练视唱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南文艺出版社

作者:李重光

出品人:

页数:296

译者:

出版时间:2002-6-1

价格:25.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787540428310

丛书系列:

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音乐的视听交响：从音符到感官的深度探索 书籍名称： 音乐的视听交响：从音符到感官的深度探索 作者： 音乐理论与感知研究团队 出版社： 律动之声出版社 出版日期： 2024年秋季 --- 内容提要： 《音乐的视听交响：从音符到感官的深度探索》是一部旨在全面解析音乐体验本质的学术专著。本书超越了传统的乐理分析和技法教学，深入探讨了人类大脑如何处理、感知和体验音乐这一复杂现象。它以跨学科的视角，融合了认知神经科学、心理声学、美学理论和音乐人类学的前沿成果，构建了一个多维度理解音乐视听过程的理论框架。本书的核心在于阐释“听觉”与“视觉”在音乐欣赏、创作和表演中的相互作用，以及文化、记忆和情感如何塑造我们的音乐感知。 --- 第一部分：听觉的基石——音乐感知的神经科学基础 (约400字) 本部分首先确立了声音作为物理刺激，转化为大脑中复杂体验的转化机制。我们从声波的物理特性入手，详细解析了耳蜗的结构、听觉神经通路的传递，直至皮层中初级听觉中枢对音高、音色、节奏和响度的初步编码。 重点探讨了“听觉皮层可塑性”在音乐学习中的作用，例如，专业音乐家与普通听众在处理和声不协和音或复杂对位时，大脑激活区域的差异。书中引入了最新的脑成像技术（如fMRI和EEG）研究成果，揭示了大脑如何实时地预测音乐的走向，以及“预期违背”如何产生愉悦或紧张的情绪反应。我们深入分析了节奏感知的生物学基础，探讨了节拍感（beat perception）与运动皮层的紧密联系，解释了为什么音乐会引发身体的律动冲动。此外，本章还对声音的空间定位、声音的色彩感（Timbre perception）的复杂性进行了细致的剖析，强调了声音的物理属性如何被主观体验所重构。 --- 第二部分：视觉的介入——音乐实践中的具象化呈现 (约450字) 在音乐的物理呈现中，视觉元素绝非旁观者。第二部分聚焦于视觉信息在音乐接收和实践中的关键角色。我们首先分析了乐谱作为一种高度抽象的视觉符号系统，它如何精确地规范和引导听觉体验的实现。本书不仅分析了西方记谱法，还对比了其他文化体系（如中国工尺谱、印度拉格记法）的视觉结构，探讨不同记谱系统背后的思维方式差异。 随后，我们将焦点转向了现场表演的视觉维度。舞台调度、演奏者的肢体语言、面部表情，以及灯光设计，都被视为音乐叙事不可分割的一部分。我们研究了“同步性”的力量——观众对演奏者协调一致动作的观察，如何增强对音乐结构完整性的感知。书中详细探讨了指挥的视觉语言，分析指挥家如何通过手势、眼神和身体姿态，在没有发出任何声音的情况下，有效地控制乐队的力度、速度和情感表达。对于视觉障碍者，我们探讨了他们如何通过触觉、对空气流动的敏感度等替代感官信息，在内部构建音乐的“视觉图景”。本部分强调，视觉反馈是完善音乐学习和提升表演深度的重要途径。 --- 第三部分：情境与文化——感知框架的塑造 (约350字) 音乐体验从来不是孤立发生的。第三部分深入探讨了文化背景、个人历史和接收情境如何构建个人的“感知框架”，从而调制我们对音乐的理解和情感响应。我们考察了不同文化中对“和谐”、“美”和“噪音”的定义差异，例如，西方对十二平均律的偏好与非西方调式体系之间的根本性差异。 书中阐述了“音乐记忆”的形成机制，分析了特定旋律或和声进行如何与深层的情感事件（如初恋、哀悼）绑定，形成“情感锚点”。我们讨论了“怀旧效应”，即特定的音乐如何瞬间激活与特定时代相关的集体或个人记忆。此外，本书还考察了技术媒介对音乐体验的重塑，从黑胶唱片到数字流媒体，不同的播放方式改变了我们对音乐的“在场感”和专注程度。文化规范也指导着我们“应该”如何感受音乐，例如，在特定仪式中，音乐的社会功能远大于其纯粹的审美价值。 --- 第四部分：综合与创造——视听联觉的未来 (约300字) 本书的最后一部分展望了音乐感知的未来方向，特别是联觉（Synesthesia）现象在音乐创作中的启示。我们探讨了“声音到颜色”的交叉感知，以及如何通过技术手段（如算法生成的可视化音乐）来模拟或增强这种感官融合。 我们认为，最深刻的音乐体验发生在听觉和视觉信息完美交融的时刻——无论是作曲家在脑海中“看到”音符的结构，还是听众在欣赏一幅巴赫赋格曲时，在心中构建出清晰的逻辑线条。本书鼓励学习者和研究者超越单一感官的局限，将音乐视为一个动态的、多通道的感知对象。最终目标是培养一种能够全面调动听觉、视觉、情感和认知的、更具整体性的音乐素养。 --- 读者对象： 音乐学、认知科学、心理学、艺术教育领域的研究人员、专业音乐教育工作者、资深音乐爱好者以及所有对人类感知机制和艺术创作本质感兴趣的读者。 --- 推荐理由： 本书以严谨的科学态度和广阔的学术视野，系统地梳理了音乐感知中听觉与视觉交织的复杂网络。它不仅为理解音乐的“为什么动人”提供了坚实的理论支撑，更为未来音乐教育和艺术实践开辟了新的思考维度。它不是一本工具书，而是一次深入心智与感官边界的哲学之旅。

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这本乐理书的排版真是让人眼前一亮，那种典雅又不失现代感的设计，每次翻开都觉得是一种享受。作者在讲解一些比较抽象的音程关系和和声进行时，非常擅长运用生动的比喻和图示，完全打破了我以往对枯燥乐理的刻板印象。比如，他将调性转换比喻成“在迷宫中寻找正确的出口”，既形象又直观，让我一下子就抓住了核心概念。更值得称赞的是，书中穿插了大量不同风格的音乐片段作为案例分析，从巴洛克时期的对位法到浪漫主义的和声色彩变化，都有涉猎，极大地拓宽了我的音乐视野。阅读过程中，我明显感觉到自己对音乐结构有了更深层次的理解，不再是零散的知识点堆砌，而是形成了一个完整的知识体系。特别是关于节奏型态的解析部分，作者的独到见解让人茅塞顿开，我感觉自己对复杂节拍的处理能力都有了质的飞跃。总而言之，这是一本不仅能教你“是什么”，更能让你理解“为什么”的工具书，实用性与审美性兼备。

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这本书的装帧设计和纸张选择都透着一股用心，拿在手里很有分量感，让人感觉内容也必定是经过反复推敲的精品。我尤其欣赏作者在介绍听觉训练方法时所展现出的系统性和递进性。它不是简单地罗列一堆练习，而是构建了一个从基础的单音辨识，到复杂的三音和弦听辨，再到多声部和声关系的层次分明、环环相扣的学习路径。对于初学者来说，这个路径清晰明了，不易迷失；对于进阶者而言，它又提供了自我诊断和查漏补缺的工具。书中对“耳朵与大脑的连接”所做的科学性阐述，也让我对视唱练耳的生理机制有了更科学的认识，不再将其视为一种神秘的天赋。此外，书中的附录部分提供了许多自测工具和资源链接，极大地扩展了学习的广度和深度，显示出作者强烈的社会责任感和对读者负责任的态度。这本书的实用价值是毋庸置疑的。

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我过去学习视唱练耳总是觉得非常吃力，因为市面上很多教材要么过于学院派，要么就是只有大量的练习题而缺乏必要的理论支撑。但这本书的叙事方式却非常具有亲和力，读起来感觉就像是有一位经验丰富、耐心十足的老师在旁边手把手地教你。它没有采取那种高高在上的说教口吻，而是以一种探讨和交流的姿态，引导读者去发现和感受音乐的内在逻辑。特别是在讲解旋律进行中的“趋势感”时，作者深入剖析了人耳对声音运动的心理预期，这对我这种“靠死记硬背”学习音准的人来说，简直是醍醐灌顶。我尝试用书里提供的一些“听觉肌肉训练法”进行练习后，感觉音准的稳定性提高了很多，不再容易“飘”或者“滑音”。另外，书中对各种调式和非传统音阶的描述也相当到位，为我日后的即兴创作打下了坚实的基础。这本书真正做到了将高深的音乐理论“平民化”，让学习过程充满了探索的乐趣，而不是机械的重复劳动。

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这本书最大的特点，在我看来，是它对“音乐的语境”的重视。作者并没有将视唱练耳孤立地看待，而是始终将其置于更宏大的音乐实践中去考察。比如，在分析视唱片段时，作者总是会先介绍这段旋律在当时乐曲结构中的功能——它是引子、是发展、还是解决？这种置于整体的视角，极大地提高了我的阅读理解能力和表演的准确性。我过去常常觉得练什么唱什么，缺乏整体把握，读了这本书后，我开始学着去“听”出乐句的“呼吸”和“意图”。书中关于节奏重音与自然语流重音的对比分析尤为精彩，它教导我们如何避免机器式的机械演唱，转而追求富有生命力的、类似说话的自然流动感。这本书不仅仅是一本技能手册，更像是一本关于如何“聆听”和“思考”音乐的哲学小册子，它改变了我学习音乐的底层逻辑，使我从一个单纯的模仿者，逐渐向一个有主见、有深度的演奏者过渡。

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对于一个已经有一定基础，但想追求更高层次音乐表达的学习者来说，这本书的价值体现在其对“音乐性”的强调上。它超越了单纯的音高和节奏的准确性，深入探讨了如何赋予音符以“情感和重量”。作者在阐述如何处理乐句的呼吸感和张力时，引用了文学和绘画领域的术语进行类比，这种跨学科的思维方式非常启发人。我特别喜欢其中关于“情感记谱法”的章节，它教导我们如何通过对强弱、时值的微小处理，来传达作曲家想要表达的潜台词。书中提供的练习曲目选择也十分精妙，它们往往不是那种大家耳熟能详的“热门曲目”，而是更能体现特定技术难点的作品片段，迫使读者必须深入理解其结构才能准确表达。这本书真正让我意识到，视唱练耳不仅仅是耳朵和声带的训练，更是一场深层次的“音乐思维的重塑”。它帮助我把技术训练转化成了艺术表达，这是非常宝贵的收获。

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do it by doing it

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看了这书，发现想要教别人唱歌比我想象的要复杂的多。

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