具体描述
在当代，知识分子所做的种种不负责任的事情中又多了一件，即写一些空洞无物的大作，让求知的读者枉费心神，浪费掉重于尺璧的珍贵光阴。在这种学术空疏的气氛中写作，一部真正呕心沥血的作品，则往往明珠暗投，被淹没在出版物的海洋之中。邵宏先生就是怀着这种感慨著述的，因此，他这部书时写时缀地拖了五六年之久。我知道，他想写出新意，一方面，想澄清人们在所谓的文艺学中所固守的那些陈陈相因甚至被误用误解的观念，一方面又力图在西方美术史学史中拓出一条新的研究路线。我也深知，他为自己规定的任务何其沉重，又何其艰难，他谦虚的心灵又是如何常常使他掷笔长叹的。然而，他理想中的学术大师就在他的面前，他的心胸已被提到了一种高度，他也不甘心降低自己撰书的抱负，这也许就是他经常中断写作的原因。
作者简介
邵宏，广州美术学院美术史教授，暨南大学文艺学博士，中国美术学院美术学博士，武汉理工大学设计管理学博士后，广东美学学会副会长。已出版的专著有《艺术学方法批判》（合著）、《艺术史的意义》、《美术史的观念》，译著有《美术术语与技法词典》（合译）、《西方美术理论文选》（合译）。
目录信息
读后感
评分
评分
评分
评分
用户评价
这本书提供了一种全新的视角来解读艺术史，它不再是简单地描述风格的演变，而是深入挖掘那些塑造了不同时期艺术形态的“观念”是如何产生、发展和相互作用的。作者如同一个思想的侦探，细致地剖析了诸如“永恒”、“瞬间”、“真实”、“想象”、“神圣”、“世俗”等一系列关键艺术观念，揭示了它们如何在历史的进程中被赋予不同的含义，并对艺术的创作和接受产生深远影响。书中对于现代艺术观念的分析尤其具有启发性，例如，从“形式主义”到“观念艺术”，艺术创作的重心如何从视觉转向思想，以及“解构主义”为何能够成为一种新的艺术语言。作者以一种极其流畅且富有逻辑的叙事方式，将这些抽象的哲学概念变得易于理解，并且通过丰富的艺术实例来佐证其观点。我尤其欣赏书中对不同文化背景下艺术观念的比较，它让我认识到，我们所习惯的审美标准并非普适，而是特定文化语境下的产物。这本书让我不再满足于被动地接受艺术，而是学会主动地去思考艺术背后的观念，从而能够更深刻地理解艺术的价值与意义。
评分一本关于美学理论发展史的著作，深入浅出地剖析了从古希腊至今，人们对“美”的理解和定义是如何随着时代、文化、哲学思潮而演变的。作者以其渊博的学识和严谨的逻辑，将抽象的美学概念具象化，让读者仿佛置身于历史长河之中，亲眼见证那些伟大的思想家们如何构建、挑战、重塑着我们对美的认知。书中不仅梳理了柏拉图、亚里士多德、康德、黑格尔等西方哲学巨匠的美学思想，更触及了东方艺术哲学中关于意境、神韵的独特理解，形成了一个跨越东西方、贯穿古今的宏大视野。尤其令我印象深刻的是，作者并没有将这些理论割裂开来，而是通过精巧的论述，展现了它们之间复杂的联系与碰撞，揭示了美学观念的演进并非线性发展，而是充满了曲折与张力。例如，书中对“模仿说”的批判性分析，以及如何从模仿自然转向关注艺术家主观情感的转变过程，都描绘得生动而深刻。读这本书，不仅仅是在学习知识，更像是一次精神的洗礼，它引导我去反思自己对美的固有观念，去欣赏那些超越时代、超越物质的深层美学价值。这本书的阅读体验极佳，语言流畅，叙事性强，即便对于初学者来说，也能轻松理解那些深奥的哲学概念，并从中获得启迪。它是一本值得反复品读的艺术哲学入门读物，也是一本能够拓展读者思想边界的经典之作。
评分这是一本关于艺术史“幕后故事”的书，它所揭示的不是艺术家们用了什么材料，或是如何运用技巧，而是那些支配着他们创作、以及我们理解和评价他们作品的“看不见的手”——艺术观念。作者以其深厚的学养，带领读者穿越古今，探寻那些塑造了不同时代艺术风貌的核心思想。书中对西方艺术观念的梳理尤为精细，从古希腊的“模仿说”，到中世纪的“神圣象征”，再到文艺复兴的“人文精神”，每一个阶段的观念转变都与当时的社会文化背景紧密相连。让我印象深刻的是，作者并没有将这些观念视为孤立的模块，而是展现了它们之间复杂的联系与演变，例如，“模仿说”如何在不同历史时期被赋予不同的解读，又如何逐渐被“表现说”所挑战。这本书让我意识到，我们对艺术的判断，很大程度上受到我们所处时代的观念的影响。它鼓励我以一种更具批判性和历史性的眼光去审视那些我们认为理所当然的审美原则，从而能够更深入地理解艺术的丰富性与多层次性。
评分这是一部关于艺术发展史上的重要思潮及其背后哲学支撑的探索，它不仅仅是罗列了不同时期的艺术风格或大师作品，而是着重于分析那些支配着艺术家创作、评论家评价，乃至普通观众审美判断的“观念”。作者以一种解构的方式，深入到艺术观念的生成、传播和变革的机制中，让我们看到，我们今天所习以为常的“艺术”概念，其实是漫长历史中无数次思想斗争和文化积淀的结果。书中的论述充满了洞察力，比如对于“原创性”观念的演变，从早期对工匠技艺的强调，到文艺复兴时期对艺术家天才地位的推崇，再到现代主义对颠覆传统、探索新形式的追求，每一个阶段的转变都伴随着深刻的哲学思考。作者还巧妙地将社会、政治、宗教等因素纳入分析范畴，展现了艺术观念并非孤立存在，而是与更广泛的文化语境相互渗透、相互影响。例如，宗教改革对艺术题材和表现方式的影响，工业革命催生的机械美学，以及现代社会大众文化对精英艺术的挑战，这些都得到了细致的阐述。我特别欣赏书中对于“美”的相对性与多元性的强调，它打破了固有的审美偏见，鼓励读者以开放的心态去理解和欣赏不同文化、不同时代的艺术表达。这本书不仅拓宽了我的艺术视野，更提升了我对艺术现象的批判性思维能力，让我不再满足于表面的视觉感受，而是去追问其深层的意义和价值。
评分这本书是一次对艺术史深层“规则”的探索，它关注的不是表面的风格潮流，而是那些支配着艺术创作和接受的“观念”系统。作者以一种考古学家的耐心和哲学家的洞察力，挖掘出了那些在不同历史时期扮演着关键角色的艺术思想。书中对西方艺术观念的梳理，从古希腊对“自然模仿”的推崇，到中世纪对“宗教叙事”的 Emphasis，再到文艺复兴时期对“人文关怀”的强调，每一个阶段的观念转变都与其社会、政治、宗教背景紧密相连。我尤其赞赏书中对“美”的观念是如何被历史重塑的分析，从最初的客观和谐，到主观情感的抒发，再到现代对颠覆与实验的追求，展现了“美”的定义是如何随着人类思想的进步而不断扩展和演变的。作者并没有提供一个单调的艺术史叙事，而是展现了不同观念之间的碰撞、融合与对立，这使得艺术史的发展显得更加生动和富有张力。阅读这本书，我不仅增长了艺术史的知识，更重要的是，它让我能够以一种批判性的思维去审视我们当下的审美习惯，并理解那些我们认为理所当然的艺术原则是如何形成的。
评分这本书以一种独特的方式，深入探讨了那些支配艺术创作与接受的“思想基因”——即艺术观念的演变。它不仅仅是关于艺术史的事实陈述，更是一场关于艺术“是什么”以及“为何如此”的哲学追问。作者以清晰的逻辑和丰富的例证，勾勒出了从古典时期对和谐与秩序的追求，到浪漫主义对情感与个性的张扬，再到20世纪对形式与语言的极致探索，艺术观念如何一步步演化，并且相互影响、渗透。我尤为赞赏书中对“媒介”与“观念”关系的深刻分析，例如，摄影技术的出现如何挑战了绘画的再现功能，数字时代的到来又如何模糊了真实与虚构的界限，这些都展现了科技进步如何深刻地重塑艺术观念。作者并不将艺术观念视为静态的存在，而是强调它们在历史长河中的动态发展和内在张力。例如，对“现实主义”观念的批判性反思，以及“抽象艺术”为何能够成为一种新的“再现”，这些都展现了观念的复杂性和非线性发展。读完这本书，我对艺术的理解不再局限于作品的表面，而是能够追溯到那些塑造了艺术形态的深层思想根源，这种视角上的提升，对我而言具有里程碑式的意义。
评分一本关于艺术史的“思想图谱”，它描绘的不是艺术作品的轨迹，而是塑造了这些作品背后逻辑的“观念”之网。作者以一种宏大的历史视野，梳理了那些贯穿东西方、连接古今的艺术哲学思想。书中对西方艺术观念的演变，从古希腊对“完美形式”的追求，到中世纪对“精神启示”的强调，再到文艺复兴对“人本价值”的回归，每一个转变都清晰地展现了观念如何与时代精神同频共振。我印象深刻的是，作者对于“再现”与“表现”这两种核心观念的深入剖析，它们之间的此消彼长，以及如何不断地被重新定义，这本身就是艺术史发展的重要线索。此外，书中对东方艺术观念的引入，如中国山水画中的“意境”与日本茶道中的“侘寂”，更是丰富了我们的视野，让我们看到，艺术观念的多元化与文化多样性是密不可分的。这本书不仅拓宽了我对艺术史的认知边界，更重要的是，它教会了我如何去“读懂”艺术背后的思想，如何理解那些看似不同寻常的艺术形式为何能够产生并被接受。
评分这本书如同一幅宏大的艺术史画卷，但它绘制的不是具体的作品，而是塑造这些作品背后无形“理念”的脉络。作者像一位细心的考古学家，层层剥去历史的尘埃，挖掘出那些曾经影响了无数艺术家、理论家、收藏家，甚至普通人对艺术理解的基石性观念。阅读过程中，我仿佛置身于一个思想的实验室，亲眼见证了“真实性”、“表现力”、“形式主义”、“消费主义”等各种观念如何诞生、发展、演变，又如何相互激荡，甚至被颠覆。书中对不同时代艺术观念的对比分析尤为精彩，例如，中世纪对神圣的崇拜如何体现在艺术中，而文艺复兴时期对人文主义的强调又如何解放了艺术的表现力。我尤其惊叹于作者对现代艺术观念演变的梳理，从印象派对光影的捕捉，到抽象派对形式本身的探索，再到观念艺术对思想本身的重视，每一步都清晰地展现了艺术作为一种观念载体的深刻变革。这本书让我深刻体会到，我们今天所看到的艺术，不仅仅是材料和技巧的堆砌，更是无数思想碰撞、文化交融的结晶。它让我不再以单一的标准去评判艺术，而是学会从更广阔的历史和文化维度去理解艺术的丰富性和多样性。对于任何想要深入了解艺术背后逻辑的读者而言，这都是一本不可多得的指南。
评分这本书并非一本简单的艺术史概述，而是一次对艺术观念的深度溯源与批判性审视。它引导读者去思考，我们今天对艺术的理解，是如何被一系列历史形成的“观念”所塑造的，而这些观念本身又经历了怎样的流变与挑战。作者以一种极具批判性的眼光，剖析了诸如“模仿”、“情感”、“理性”、“创新”等艺术评论中经常出现的概念，揭示了它们在不同历史时期所承载的不同含义，以及它们如何成为构建或颠覆艺术评价体系的工具。书中对西方艺术史的梳理尤其精辟，例如，它如何解析了古希腊追求的理想化美，中世纪对象征意义的偏重，以及启蒙运动后对理性与普适性审美的追求。让我印象深刻的是，作者并不回避观念的内在矛盾与冲突，而是将其作为艺术史发展的重要动力来呈现。例如，对“形式”与“内容”之间关系的持续争论，对“精英艺术”与“大众文化”的边界模糊，都揭示了艺术观念的动态性和不确定性。这本书不仅为我提供了一个看待艺术史的全新视角，更激发了我独立思考艺术本质的欲望。它让我意识到，理解艺术，不仅要看作品本身，更要理解那些塑造了我们审美经验的无形力量。
评分这是一本关于我们如何“观看”艺术的书，但它关注的不是具体的观看技巧，而是塑造我们观看方式的深层“观念”。作者如同一个精神向导，带领我们穿越数千年的艺术史，去探究那些关于“美”、“再现”、“表现”、“象征”等观念是如何形成、演变，并最终影响我们对艺术作品的感知与解读。书中对不同文化背景下艺术观念的比较分析，尤其引人入胜，它让我们看到，那些我们习以为常的审美标准，在其他文化中可能完全不被认同，甚至被视为异类。我特别欣赏书中对“艺术”这一概念本身不断被重新定义的过程的描绘，从最初的神圣之物，到后来的模仿自然，再到现代的自我表达，每一个阶段的转变都反映了人类对自身、对世界理解的深刻变化。作者并没有提供一套固定的“正确”观念，而是鼓励读者去拥抱艺术观念的多元化和历史性，去理解不同观念之间的张力与对话。阅读这本书，就像在进行一次跨越时空的哲学对话，它不仅丰富了我的艺术知识，更重要的是，它改变了我与艺术互动的方式，让我能够以更开放、更深刻的视角去欣赏和理解那些伟大的艺术作品。
评分一个很实在的导师。
评分风格与形式问题。
评分只看了上编和下编相关部分。概念源流的溯源相当有趣，只是段落间的逻辑性实在太捉急了_(:з」∠)_
评分有文学理论背景的学者，对艺术理论发展史的总结性成果
评分按主题分章节介绍，蛮成体系的，逻辑感较强，个人觉得比陈平老师那本好读。
相关图书
本站所有内容均为互联网搜索引擎提供的公开搜索信息，本站不存储任何数据与内容，任何内容与数据均与本站无关，如有需要请联系相关搜索引擎包括但不限于百度，google,bing,sogou 等
© 2026 book.wenda123.org All Rights Reserved. 图书目录大全 版权所有