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出版者:第1版 (2005年11月1日)

作者:陈正雄

出品人:

页数:124

译者:

出版时间:2005-11

价格:29.0

装帧:平装

isbn号码:9787302119289

丛书系列:清华艺术学丛书

图书标签:

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好的，这是一部名为《凝视之域：具象的界限与描绘的技艺》的图书简介： 《凝视之域：具象的界限与描绘的技艺》 导言：重返可见之境 自文艺复兴的光辉奠定西方视觉艺术的基石以来，“再现”（mimesis）——即对可见世界的忠实摹写——便构成了艺术实践的核心命题。然而，随着人类认知边界的拓展与感知经验的复杂化，单一的视觉模仿已无法完全承载时代的全部重量与个体经验的深度。《凝视之域：具象的界限与描绘的技艺》并非探讨图像如何脱离现实的尝试，而是深入剖析艺术家如何在坚实的具象基础之上，挖掘、重塑并超越“所见”的全部潜能。本书聚焦于那些在明确的、可识别的物象世界中，通过精湛的技艺、审慎的构图和对光影、质感的极致把握，探寻存在本质的艺术作品。 第一部：形体之维——具象的构建与解构 本部分系统梳理了自古典主义晚期至20世纪初，具象艺术在不同文化语境下如何处理“形”与“体”的关系。我们探讨的不是对既定形式的僵硬复制，而是艺术家如何通过对透视法、解剖学和材料特性的深刻理解，赋予静止的形体以生命力与内在张力。 第一章：光影的语法与物质的触感 成功的具象描绘，其关键在于对“光”的理解与运用。本章细致分析了伦勃朗式的“暗部照明”如何塑造戏剧性的精神深度，以及荷兰黄金时代画家如何通过对玻璃、丝绒、金属等不同材质的微观描摹，实现触感上的逼真。我们考察了不同媒介——油画颜料的厚涂与稀释、素描中线条的力度与方向、版画中墨的渗透——如何各自构建出独有的物质性，使观者在视觉上完成对物质的“触摸”。重点案例分析将集中于对人体解剖结构精确把握的学院派大师，以及他们如何超越纯粹的科学记录，注入情感与叙事。 第二章：空间叙事——构图的张力与视点的策略 具象作品的空间并非简单的三维场景的平面投影，而是一种精心策划的“观看陷阱”。本章深入研究了空间布局的心理学效应。从古典黄金分割的和谐，到巴洛克时期对角线构图所产生的动态引导，再到后印象派对二维平面感的有意强调，我们追溯了艺术家如何通过改变视点（高视点、低视点）、利用前景的遮挡或背景的虚化，来控制观者的凝视路径和信息接收的顺序。探讨的焦点在于：如何在一个限定的画面中，构建出无限延伸的可能性。 第三部：心灵的肖像——具象中的非具象信息 具象艺术的最高成就，往往在于其“描绘”超越了被描绘的对象本身，转而指向更深层次的人类境况、道德困境或精神状态。 第三章：静物：存在的短暂与永恒的象征 静物画（Still Life）常被视为最纯粹的具象练习，但它也是哲思的温床。本章解析了“虚空派”（Vanitas）传统中，对腐烂的果实、熄灭的蜡烛、易碎的器皿的描绘如何成为对生命无常的深刻冥想。我们研究了塞尚对苹果形态的几何化提炼，这种提炼并非否定真实，而是通过结构上的强化，揭示物体在时间洪流中依然保持的内在秩序。静物中的每一个细节，都是对“存在”的一次沉重且审慎的标记。 第四章：人物的眼神——不可言说的内在剧场 肖像画是具象艺术中最直接的人类对话。本书批判性地审视了从文艺复兴到20世纪初的经典肖像，分析了艺术家如何通过对眼睛、嘴唇周围肌肉的细微处理，以及对服装与环境的象征性选择，来构建人物的性格档案。我们关注那些“凝视”本身成为焦点（如维米尔的作品）的实例，探讨描绘一张脸庞如何等同于描绘一个宇宙观。这些描绘并非简单地记录外表，而是通过具象的手法，抵达了人类经验的普遍性。 第三部：媒介的边界——具象的终极挑战与回归 进入现代的门槛，具象艺术面对着摄影技术带来的“再现危机”。本部分探讨了艺术家如何以更主动、更具反思性的方式，回应媒介的挑战，并在坚持具象描绘的前提下，拓展了其表达的广度。 第五章：笔触的宣言：从印象到感知的重塑 印象派和后印象派的兴起，标志着对“客观实在”的首次集体动摇。然而，需要明确的是，莫奈和雷诺阿描绘的依然是光线下的真实场景——阳光下的水波、咖啡馆里的人群。他们改变的不是描绘的对象，而是描绘的方式：用分离的笔触记录瞬间的视觉感受，将主观的“看”强加于客观的“物”之上。本章分析了梵高强烈的、富有情感驱动力的线条如何成为他个人精神状态的直接外化，即使这些线条已经明显地偏离了可见世界的精确记录，它们依然锚定在明确的景物（如柏树、麦田）之上，成为对具象的极致强调而非放弃。 第六章：物体的回归：对材质与重量的执着 面对抽象艺术的冲击，许多具象艺术家采取了“回归原点”的策略，他们将焦点重新投向物质本身的纯粹存在感。本章分析了后印象派对形体重量的强化，以及20世纪初的某些流派，如何通过夸张的轮廓和更厚重的色彩，重新确认物体在三维空间中的“在场性”。这是一种对物质世界的致敬，拒绝漂浮，坚持具象描绘的厚重感与不可抗拒的实体性。 结语：描绘，即是理解 《凝视之域》旨在为读者提供一把钥匙，用以进入一个充满细致入微的观察、精湛技艺和深刻洞察的具象世界。它论证了，在对世界进行精确描绘的努力中，艺术家实际上是在最有效地与世界进行对话，并通过对可见之物的坚守，完成了对更深层真理的探寻。本书是一部关于“如何看”以及“为何要看”的深度论著，献给所有相信具象描绘的力量，并愿意在既定的界限内探寻无限可能性的艺术爱好者、学生与实践者。 本书适合对象： 艺术史研究者、绘画专业学生、古典与现代具象艺术的鉴赏家，以及对视觉艺术中的技艺与哲学交叉点感兴趣的广大读者。

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这本书的排版设计堪称典范，大量使用留白，使得那些复杂的图文信息在视觉上得到了充分的呼吸空间，阅读体验非常舒适。我尤其欣赏作者在探讨非西方文化对早期抽象艺术的间接影响时所展现出的广阔视野。书中对比了日本书法中的“空”的概念与西方几何抽象的某些趋势，这种跨文化的比较分析，极大地拓宽了我对艺术全球化进程的认知。作者的语言风格偏向于一种细腻的、近乎诗意的散文笔调，即便是描述最枯燥的技法演变，也能被他写出一种韵律感。有一章专门讨论了“偶然性”在创作过程中的角色，书中引述了许多艺术家的口述，这些鲜活的、未经修饰的第一手资料，为全书增添了极强的现场感和真实感。这本书的价值在于，它不仅梳理了“是什么”，更深入挖掘了“为什么”，将艺术史置于更宏大的思想史背景下去审视。它不是一本用来快速浏览的书，而是一本需要你沉下心来，与其进行一场深度对话的智力伙伴。

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这本书的装帧和印刷质量令人赞叹，纸张的质感厚实，色彩的还原度极高，这对于一本专注于视觉艺术的著作来说至关重要。我特别喜欢它收录的那些高清的、跨越不同历史时期的作品插图，从早期的立体主义尝试到后来的色域绘画的沉静，每幅图旁都有详尽的、不流于表面的注解。作者的叙述风格是那种老派的、带着学者特有的严谨和克制，但字里行间又流露出对艺术的无限热情。有一部分内容集中探讨了艺术品在工业化时代的生产与消费背景下的意义变迁，这部分内容让我深受启发。我以前总觉得抽象艺术是高高在上的、精英化的，但作者通过引入社会学视角，展示了这些艺术形式是如何悄无声息地渗透到我们日常生活的方方面面，比如建筑设计、平面广告甚至时尚领域。合上书本的时候，我的脑海里不再是零散的、跳跃的图像，而是一个结构完整、脉络清晰的知识体系，它让我对“美”的定义有了一个更具包容性的理解。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种大胆的色彩碰撞和不规则的几何图形组合，让我忍不住在书店里多停留了几分钟。我一直对艺术史上的各个流派抱有浓厚的兴趣，特别是那些挑战传统审美观念的作品。拿到手里翻开扉页，首先映入眼帘的是对早期现代主义运动如何挣脱具象束缚的深刻剖析，文字的逻辑性极强，仿佛带领我亲身走进了那些工作室，感受艺术家们内心的挣扎与解放。书中对康定斯基和蒙德里安等先驱者的论述尤其精彩，作者并没有停留在对他们作品的简单描述上，而是深入挖掘了他们背后的哲学基础——那种试图用纯粹的线条和色彩来表达精神世界的野心。阅读过程中，我感觉自己像是在解构一幅复杂的密码图，每深入一层，对艺术的理解就多了一份厚度。尽管有些章节涉及到的美学理论晦涩难懂，需要反复揣摩，但正是这种挑战性，让阅读体验充满了智力上的满足感。我尤其欣赏作者对“非再现性”这一概念的精妙阐释，那不仅仅是一种绘画技巧的转变，更是一场对人类感知方式的革命性探讨。

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从图书馆借来的这本厚重的书，给我带来的震撼是多层次的。首先是其扎实的研究基础，作者引用的参考文献列表长得令人咋舌，看得出这是一项倾注了数年心血的成果。这本书的结构安排非常清晰，以时间线索为骨架，但又巧妙地穿插了基于主题的专题讨论，避免了叙事的单调。我个人对书中关于“媒介转换”的讨论印象深刻，探讨了从画布到装置艺术，抽象概念是如何适应和重塑新材料的。作者的观点犀利而富有洞察力，尤其是在批判那些将抽象艺术过度符号化和商业化的现象时，措辞严谨，立场鲜明。这本书读完后，我感到自己对艺术批评的语汇库也得到了极大的扩充，能够更精确地表达自己对视觉经验的感受。它成功地将晦涩的理论转化为可以被大众理解和欣赏的知识体系，是一部真正意义上的学术普及杰作，非常值得推荐给任何对当代艺术思潮感到好奇的求知者。

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老实说，我原本以为这是一本会让我昏昏欲睡的理论大部头，毕竟“抽象”这个词汇本身就带有一种疏离感。然而，这本书的叙事节奏掌握得相当巧妙，它像一部精心剪辑的纪录片，在严肃的学术探讨和引人入胜的个案分析之间游走自如。比如，它用了相当大的篇幅去分析战后美国抽象表现主义的勃兴，那种在宏大历史背景下，艺术家们如何通过画布宣泄集体情绪的描述，读起来简直让人热血沸腾。作者没有回避那些争议性的观点，比如对“艺术的终结”的讨论，而是以一种开放式的姿态，引导读者进行批判性思考。我的阅读习惯是做大量的批注和标记，这本书几乎被我标注得面目全非，因为里面有太多值得反复咀嚼的金句。它不仅仅是关于绘画的，更是一部关于人类精神如何试图在物质世界中寻找出口的史诗。读完后，我发现自己看任何现代艺术作品时的“滤镜”都发生了彻底的改变，更加关注其内在的结构和情感的张力。

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以较清晰的结构，阐明了一个本质上也较为清晰的对象结构。抽象的基本着力点都有所顾及，适合概略性的观看。

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以较清晰的结构，阐明了一个本质上也较为清晰的对象结构。抽象的基本着力点都有所顾及，适合概略性的观看。

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后面没仔细看

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启蒙书

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台湾的艺术家。此书讲理论有不够深。作为概论还行。