中国历代艺术：绘画篇(下) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人美

作者:袁春荣

出品人:

页数:736

译者:

出版时间:1994-11

价格:996.00元

装帧:

isbn号码:9787532213863

丛书系列:中国历代艺术

图书标签:

• 艺术、设计&画册
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华夏文明的瑰宝：中国古代陶瓷艺术探微 一部深入探索中华民族千年陶瓷艺术演变、技艺精进与文化内涵的鸿篇巨制。 本书并非聚焦于中国历代绘画的流变与笔墨精神，而是将目光投向了另一种同样光辉灿烂的艺术形式——陶瓷。它以时间为轴，系统梳理了自新石器时代仰韶文化早期的陶器萌芽，直至清代末期洋彩的辉煌成就，全面展现了中国陶瓷艺术波澜壮阔的发展史诗。 全书结构严谨，内容充实，共分为六大板块，每一板块都对应着中国陶瓷史上的一个重要阶段，并深入剖析了该阶段的工艺特征、审美取向及其背后的社会文化背景。 --- 第一部分：远古的泥与火——史前至夏商的陶器起源与发展 (约公元前8000年 – 公元前1600年) 本部分着重探讨了中国陶瓷艺术的滥觞。我们首先回溯至黄河流域和长江流域的史前聚落，考察彩陶的出现，如仰韶文化中鲜艳的朱红和黑色几何纹样，分析其图案的象征意义，以及制陶技术从手制到慢轮制的关键性转变。随后，我们将视野转向龙山文化的黑陶，探讨其“蛋壳陶”所达到的超高烧成温度与精湛的拍打、打磨技术，揭示早期制陶者对火候和材料的初步掌握。 商周时期，青铜冶铸的昌盛并未掩盖制陶业的进步。本章细致描绘了印纹硬陶的出现，以及原始瓷釉的初步尝试。我们分析了商代釉陶器皿在宗教礼仪中的作用，并展示了早期几何纹饰如何逐渐过渡到对自然物象的初步模仿，为后世的装饰艺术奠定基础。 --- 第二部分：礼序的载体——魏晋南北朝至隋唐的转型与成熟 (约公元220年 – 公元907年) 这一时期是中国历史上的大变革期，陶瓷艺术也展现出前所未有的多元面貌。本卷的重点在于“南青北白”格局的形成。 在南方，越窑青瓷的成熟是关键。我们详细考察了秘色瓷的烧制工艺，分析了其“类玉”、“温润如冰”的釉色是如何通过精确控制釉中铁含量的来实现的。同时，书中配有大量拓片和断面图，剖析了唐代南方瓷器的圈足处理与刻花、划花技法的运用。 在北方，邢窑白瓷的崛起则标志着中国制瓷业在“白”的领域达到了一个高峰。本部分详述了邢窑如何利用高岭土和清洁的燃料，烧制出“类雪似霜”的白色器物，并探讨了白瓷在宗教造像和日常用具中的广泛应用，以及它对后来宋代定窑和景德镇的深刻影响。此外，唐三彩的釉色组合与复杂模制技术，也作为重要的装饰艺术分支被单独进行深入研究。 --- 第三部分：审美的高峰——宋元时期的五大名窑与民窑的繁荣 (约公元960年 – 公元1368年) 宋代被公认为是中国陶瓷艺术的审美巅峰。本章聚焦于宋代五大名窑（汝、官、哥、定、钧）的独特魅力。 汝窑部分，我们通过对传世品的细致观察，探讨了其独特的“天青”釉色是如何通过复杂的窑变和支钉烧制度实现的。钧窑的“入窑一色，出窑万彩”的窑变釉，则被置于化学和物理变化的视角下进行解读，分析其铜红釉的呈色机理。定窑的覆烧法及其精美的覆烧覆烧痕迹，以及其“泪痕”状的划花技法，构成了其鲜明的时代特征。 同时，本书也详细描绘了元代景德镇窑的崛起。元青花的创烧是陶瓷史上的一个里程碑。我们不仅关注其钴料的来源（苏麻离青），更着重分析了其宏大的器型、复杂的装饰布局（如水波纹、蕉叶纹、海水纹的组合），以及它如何作为外销瓷，将中华文化推向了世界。 --- 第四部分：技术与集权的融合——明代的青花、五彩与御窑制度 (约公元1368年 – 公元1644年) 明代陶瓷的关键词是“规范化”与“成熟”。本部分的核心在于对御窑制度的透彻分析，特别是永乐、宣德时期的青花达到了一个前所未有的高度。我们对比了明初青花的“苏麻离青”与永乐宣德时期使用国产料的风格变化，以及斗彩和五彩的创新应用。 成化斗彩，尤其是“鸡缸杯”所代表的精细勾勒、平涂填彩技法，被单独辟章详述，分析其对线条和色彩层次的极致追求。中晚明时期，民窑的克拉克瓷（Kendi Ware）作为外销瓷的代表，其纹饰布局与图案的几何化处理，体现了商业贸易对艺术风格的反向影响。 --- 第五部分：中西合璧的巅峰——清代康雍乾三朝的彩瓷艺术 (约公元1644年 – 公元1911年) 清代是制瓷技术的集大成时期，尤其是康熙、雍正、乾隆三朝，将釉彩的丰富性和描绘的精细度推向了极致。 本卷着重于对各类彩釉的系统分类与鉴别： 1. 郎窑红的“脱口、垂釉、蜡泪痕”的特征分析。 2. 粉彩（ আখ্যা彩）的出现及其细腻的晕染效果，如何取代了五彩的主导地位，成为主角。 3. 珐琅彩（原称“汇彩”），作为宫廷专属，我们探讨了其借鉴西方油画技法，实现的多层次、高光泽的釉上彩装饰特点。 此外，书中详细介绍了景德镇御窑厂在乾隆时期对历代名窑器物的摹仿与超越，以及这一时期工艺的“繁缛化”倾向，并探讨了欧洲市场（如“广彩”）对中国制瓷业的持续影响。 --- 第六部分：工艺的延伸与地方特色 本部分跳出了主流的官窑体系，考察了中国陶瓷艺术的地域多样性与特殊功能。我们详细介绍了福建德化“中国白”的乳白色泽及其雕塑艺术的成就；潮州凤凰青瓷的独特装饰手法；以及宜兴紫砂壶的泥料、造型与文人审美的结合，展示了陶瓷不仅仅是瓷器，更是丰富多样的泥土艺术。 总结： 《华夏文明的瑰宝：中国古代陶瓷艺术探微》是一本面向专业研究者、艺术史爱好者和收藏家的权威性著作。它不仅仅记录了从原始陶土到精美釉彩的千年变迁，更深入探讨了火候的秘密、釉料的化学、以及不同历史时期审美趣味的微妙转向。本书通过详实的图版、严谨的考证，为读者构建了一个立体而丰富的中国陶瓷艺术全景图。

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这本书的装帧和印刷质量简直让人眼前一亮，纸张厚实，色彩还原度极高，即便是扫描的古画细节也处理得非常到位。我特地对比了好几本不同出版社的艺术史书籍，这本书在视觉呈现上绝对是顶级的享受。比如，对于宋代院体的工笔重彩，那些丝绸上的晕染和纤维的质感，都能清晰地感受到，这对于研究者或者深度爱好者来说至关重要。不过，我个人更期待在版式设计上能有一些创新，比如在关键作品旁配上一些现代的分析图示或者X光扫描的辅助图，能帮助我们更直观地理解古代画家是如何构建画面的空间和层次感的。整体而言，它更像是一本“可供把玩的”艺术品图录，而非仅仅是学术著作，收藏价值非常高。期待未来能有更多这种高品质的印刷品面世，让那些沉睡在博物馆深处的珍品能以最真实的面貌呈现在我们眼前。光是翻阅这些高清图像，就已经能感受到历代大师们深厚的笔墨功力，光影处理的细腻，以及用色上的大胆与克制，这种直观的冲击力是任何电子资料都无法替代的。

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从内容覆盖的广度来看，这本书的选材非常宏大，几乎囊括了从早期到近代的各个重要阶段的绘画成就。特别是对于一些相对冷门，但艺术价值极高的作品的收录，让我感到惊喜。这表明作者在收集资料时做了大量的田野调查和文献梳理工作，而不是仅仅依赖于几本主流的艺术史教材。例如，其中穿插介绍的几幅辽金时期的壁画摹本，其色彩的鲜艳程度和人物造型的生动性，完全颠覆了我以往对那个时期艺术的刻板印象。这种对“被遗忘的角落”的关注，极大地丰富了读者的视野。不过，对于那些早期（如魏晋南北朝）的卷轴画或石刻线描的介绍，似乎更多地停留在图像描述层面，而对其中蕴含的哲学思想、宗教背景的阐释略显单薄。毕竟，那个时期的绘画往往是思想和信仰的载体，缺乏深厚的背景解读，图像的阅读深度就会受限。期待未来能看到更多结合考古发现和思想史研究的补充材料。

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我花了很长时间对比了书中不同时期的作品在构图上的演变，这本书在这方面做得非常细致。它清晰地展示了从唐代那种饱满、对称的构图，如何逐渐过渡到宋元时期对“留白”和“不对称”的追求，以及这种变化背后所反映的士人心态的转变。作者对于“气韵生动”这一核心概念的诠释，是通过对具体作品中线性和空间布局的解构来完成的，这比单纯的文字赞美更有说服力。比如，对于元代山水画中那种疏朗、萧散的意境，书中通过对比几幅不同尺寸的手卷和立轴，展示了媒介对构图策略的制约与解放。唯一让我感到略微遗憾的是，对于近现代绘画的衔接处理得略显仓促。虽然书名指向“历代”，但最后一部分对近现代的过渡，似乎只是匆匆一瞥，未能充分展现出传统技法在面对西方油画和现代思潮冲击时，是如何挣扎、融合与创新的。毕竟，从传统到现代的断裂与延续，是理解中国艺术史的关键一环，希望未来能有更详尽的篇幅来探讨这迷人的过渡期。

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这本书的叙事脉络处理得相当有意思，它没有采用那种平铺直叙的编年史写法，而是试图通过几个核心的艺术流派或地域风格的演变来串联起整个时期的艺术发展。这种结构的好处是，它能让读者在短时间内把握住不同阶段艺术思潮的转折点，避免了被庞杂的历史事件淹没。特别是对于明清之际的文人画与职业画派之间的张力，作者的论述角度非常新颖，不再将两者完全对立，而是深入挖掘了它们在技法上的相互借鉴与渗透。然而，美中不足的是，在论述到一些区域性、地方性的画派时，篇幅略显不足，有些地方像是点到为止，让人意犹未尽。比如，对于徽派版画风格对后期山水画的影响，如果能有更深入的图例分析，或许能构建出更完整的美学谱系。总而言之，它提供了一个非常好的框架，但如果能在个案分析上再多下点功夫，这本书的学术深度将更上一层楼。我喜欢这种尝试跳出传统框架的叙事方式，它迫使我重新审视一些既定的艺术史观点。

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这本书的语言风格非常成熟、老练，夹杂着一种学者特有的严谨与克制，但又保持着足够的文学性，读起来并不枯燥。作者在描述技法变化时，用词精准到位，比如“皴法中的飞白运用”、“墨分五色的层次过渡”等术语的解释，既专业又不晦涩，即便是初学者也能大致理解其精妙之处。最吸引我的是，作者在分析艺术家的创作意图时，常常会引用大量的私人信件或当时的文人笔记，这种“听见古人声音”的体验，极大地增强了阅读的代入感和真实性。然而，这本书的学术性可能让一些纯粹的艺术爱好者望而却步，因为它对“风格的继承与反叛”的探讨过于深入，偶尔会显得有些理论化。如果能在关键的艺术理论转折点，提供一些简化的图示或思维导图，帮助读者梳理复杂的学术脉络，那么这本书的受众面将会更广。总体来说，这是一本需要静下心来细品的书，其价值在于其论述的深度而非仅仅是知识的堆砌。

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