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出版者:Focal Press

作者:Steve Roberts

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-07-26

价格:USD 36.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780240516653

丛书系列:

图书标签:

• 动画
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探索视觉叙事的深度：一部关于角色塑造与表演的电影理论读物 本书并非一本技术指南，也不提供具体的软件操作教程，而是深入挖掘动画角色背后至关重要的艺术与理论维度。它是一次对“生命”如何注入静态模型，使其在屏幕上栩栩如生、引人入胜的深刻探讨。 我们将一同审视那些令人难忘的动画角色，分析他们是如何通过精心设计的动作、微妙的表情以及富有层次的肢体语言，触及观众的情感深处，传递复杂的情感和故事。本书将剥离技术层面，聚焦于动画作为一种独特的表演艺术形式，是如何在视觉上构建出可信的角色。 第一部分：角色的灵魂——动作的语言 生物力学与真实性： 我们将追溯动画角色动作的根源——真实世界的物理规律。从人类的行走、奔跑、跳跃，到动物的爬行、飞翔，理解这些基础的生物力学原理，是创造可信动作的基石。本书将着重于如何将这些原理转化为富有表现力的动画，而非僵硬的模仿。我们会讨论“重量感”、“惯性”、“反作用力”等概念，以及它们在塑造角色动态时的关键作用。 节奏与时机： 动作的速度、停顿、爆发力，这些构成了一个角色动作的“节奏”。本书将分析节奏如何影响观众的情绪感知，以及恰当的时机选择如何增强动作的表现力。我们将探讨快节奏动作带来的紧张感，慢节奏动作带来的沉思与忧伤，以及在关键时刻精准把握时机所产生的戏剧性张力。 情绪的传递——身体的独白： 身体是表达情绪最直接的载体。本书将深入探讨身体姿态、步态、手势等非语言信号如何承载和传达角色的内心世界。从耸肩的沮丧，到挺胸的自信，再到紧握的拳头代表的愤怒，我们会分析这些身体语言在不同情境下的意义，以及动画师如何通过细微的调整来放大情感的表达。 第二部分：面部的情感——表情的艺术 表情的解剖学与生理学： 即使不深入解剖学细节，理解面部肌肉如何协同工作来产生不同的表情，对于动画师来说是至关重要的。本书将概述关键的面部表情，如喜悦、悲伤、愤怒、恐惧、惊讶等，并分析它们在人类面部产生的普遍规律。我们将关注如何通过眼睛、眉毛、嘴巴的协同运动，以及面部皮肤的细微变化，来准确描绘角色的情绪状态。 微表情的力量： 区别于夸张的表演，微表情往往是转瞬即逝的，却能揭示角色最真实的想法和感受。本书将探讨微表情的捕捉与表现，分析它们如何为角色增添深度和复杂性，避免角色显得过于单薄或程式化。我们将讨论如何通过一些不易察觉的眼神交流、嘴角微颤等来暗示角色的潜意识活动。 眼睛——心灵的窗户： 眼睛在角色表演中占据着核心地位。本书将详细阐述眼神的运用，包括注视的方向、眼神的焦点、瞳孔的变化，以及眼睑的开合等，如何传递角色的意图、情感和思考。我们将分析炯炯有神的目光所代表的专注与坚定，躲闪的眼神所暗示的犹豫与不安，以及失神时流露出的迷茫与脆弱。 第三部分：表演的逻辑——角色的塑造 角色的动机与目标： 每一个成功的角色都拥有清晰的动机和目标。本书将探讨如何理解角色的内在驱动力，以及这些驱动力如何影响他们的行为和反应。我们将分析角色的欲望、恐惧、信念等，以及这些元素如何共同构建起角色的行为逻辑，使其在故事中显得合乎情理。 个性的刻画——从外形到内在： 角色的个性并非仅仅体现在他们的外表，更蕴藏在他们的行为方式、语言习惯乃至思考模式中。本书将分析如何通过一系列设计来塑造角色的独特性，使其在众多角色中脱颖而出。我们会讨论如何通过角色的穿衣风格、说话的语调、处理问题的方式等来展现其是内向还是外向，是冲动还是沉稳，是乐观还是悲观。 表演的层次与变化： 优秀的角色表演并非一成不变，而是随着故事的推进、环境的改变以及与其他角色的互动而产生微妙的变化。本书将探讨如何为角色注入生命力，使其在不同情境下展现出不同的侧面。我们将分析角色在面对压力时的反应，在情感冲突时的挣扎，以及在获得胜利时的喜悦，这些变化如何让角色更加立体和真实。 叙事中的角色表演： 动画角色表演最终服务于叙事。本书将探讨动画师如何通过角色的表演来推动情节发展，揭示人物关系，以及传达故事的主题。我们将分析角色的表演如何为观众提供线索，引导观众的理解，并最终影响观众的情感体验。 本书旨在为所有对动画叙事和角色塑造感兴趣的读者提供一个全新的视角。它将引导你超越技术的光鲜外表，去感受那些触动人心的表演，去理解那些赋予角色灵魂的艺术与智慧。无论你是资深的动画爱好者，还是初涉此道的探索者，本书都将为你打开一扇通往更深层次理解的门。

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从一个纯粹的动画爱好者的角度来看，这本书简直是打开了新世界的大门。它没有过多地陷入软件的特定版本操作细节，而是聚焦于那些永恒不变的动画真理。我过去总是被那些酷炫的视觉效果所吸引，却忽略了支撑这些效果背后的核心原理。这本书用非常清晰的逻辑链条，将“想法”转化为“运动轨迹”，再由运动轨迹赋予“生命力”的过程进行了详尽的描述。它教会我的最重要的一课是：角色动画的灵魂在于观察和理解真实世界，然后用艺术的手法去提炼和夸张。书中关于“重塑运动形态”的讨论尤为精彩，它展示了如何打破常规，创造出既符合物理逻辑又充满想象力的动作。阅读这本书的过程，是一种持续的自我审视和进步，它促使我不断地去分析我欣赏的动画片段，并尝试用书中所学的方法去解构它们。这不仅仅是一本关于3D制作的书，它更像是一本关于如何成为一个更敏锐的观察者、一个更有效率的视觉叙事者的指南。每次合上书本，我都感觉自己对“动态艺术”的理解又深入了一层。

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这部关于角色动画制作的著作，简直就是一本为我量身定做的宝典！我一直对如何让静态的模型拥有生命力充满好奇，这本书从最基础的原理入手，深入浅出地讲解了3D角色动画制作的方方面面。尤其让我印象深刻的是其中对于“时间与空间”在动画中的运用的剖析，它不仅仅是告诉你如何设置关键帧，更是教会你如何去“感受”角色的动作，如何通过节奏的快慢来传达角色的情绪和意图。书中列举了大量的经典案例，那些在电影和游戏中令人惊叹的动作场面，都被拆解成了易于理解的步骤和技巧。作者似乎是毫不保留地分享了他多年的行业经验，那些在实际工作中摸爬滚打才能领悟的“窍门”，在这里都可以找到清晰的指引。对于一个渴望从“会做动作”提升到“会讲故事”的动画师来说，这本书提供的思维框架是无价之宝。它不仅关注技术层面，更注重艺术性的表达，让我明白了优秀的角色动画，本质上是一种视觉叙事。读完之后，我感觉自己的动画视野豁然开朗，对于如何赋予角色灵魂，有了一个全新的认识和实践方向。

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这本书的结构安排，展现了作者深厚的行业洞察力。它不是按照软件功能来组织的，而是完全以“动画流程”和“视觉效果”为导向。对于我们这些独立制作人来说，资源和时间都是有限的，这本书最大的价值在于帮助我们建立一套高效且高质量的制作管线。它详细拆解了从前期概念到后期精修的每一个关键节点可能遇到的陷阱，并提供了成熟的解决方案。我特别喜欢其中关于“节奏控制”那一章节的分析，它用图表和案例对比的方式，清晰地展示了不同速度的动画如何影响观众的情绪感知。作者似乎有一种魔力，能把原本晦涩难懂的动画原理，转化为大家都能理解的视觉语言。更难得的是，书中对于不同风格角色的动画处理也进行了探讨，无论是写实的人类角色，还是夸张的卡通生物，它都给出了相应的处理侧重点。这使得这本书的适用范围极其广泛，不仅仅局限于某一种特定的项目类型。阅读它，感觉就像是找到了一位经验丰富、知识渊博的导师，时刻在身旁指点迷津。

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拿起这本书时，我本以为会是一本枯燥的技术手册，没想到它更像是一场关于运动哲学的探讨。内容组织极其严谨，但叙述方式却充满活力和启发性。我特别欣赏作者在讨论“表演”而非仅仅是“运动”时的那种深入挖掘。他没有停留在表面的“走、跑、跳”这些基础动作上，而是花了大篇幅来讨论如何在这些动作中植入角色的个性、情绪波动以及潜台词。比如，书中对“重量感”和“惯性”的讲解，简直细致到了令人发指的地步——如何通过细微的身体姿态变化，让观众清晰地感受到角色是沉重的还是轻盈的，是犹豫的还是坚定的。这种对细节的极致追求，正是我在实际工作中常常感到力不从心的地方。书中提供的练习方法也非常实用，它们并非那种空泛的理论指导，而是可以直接在软件中进行验证和调试的实操方案。阅读过程像是一场马拉松式的学习，每翻过一页，都能感受到自己对3D动画这门艺术的掌控力又提升了一个档次。它成功地将复杂的物理概念和抽象的表演艺术，用非常直观的方式结合了起来。

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我是在一个信息爆炸的时代接触到这本书的，市场上充斥着各种零散的教程和快速指南，但真正能沉下心来构建完整知识体系的书籍却凤毛麟角。这部作品就是那个“定海神针”。它最大的贡献在于建立了一个坚实的理论基础，让你明白“为什么”要这样做，而不仅仅是“怎么做”。书中对角色动画中的“可信度”这一核心概念的阐述，进行了百科全书式的梳理，从生物力学到心理学，多学科交叉的分析角度令人耳目一新。我发现自己过去在处理一些复杂动作时，总是在“猜”观众的反应，而这本书提供了一套基于逻辑和观察的判断标准。特别是关于面部表情和眼神动态的章节，简直是教科书级别的深入剖析，它揭示了如何通过微小的面部肌肉变化，来传递出惊人的内心戏。这本书不是那种读完一遍就能完全掌握的快餐读物，它更像是一本需要反复查阅、时常回顾的参考工具书。每次重温，都能从中挖掘出新的理解层次，这正是优秀著作的标志。

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