摄影小史+机械复制时代的艺术作品 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:江苏人民出版社

作者:[德] 瓦尔特·本雅明

出品人:

页数:157

译者:王才勇

出版时间:2006-7

价格:18.00

装帧:平装

isbn号码:9787214038869

丛书系列:汉译大众精品文库

图书标签:

• 本雅明
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《摄影简史：光影的凝固与时代的变迁》 引言 摄影，作为一项捕捉瞬间、记录现实的艺术与技术，自诞生以来便深刻地影响着人类的认知方式、文化传承乃至社会结构。它既是科学探索的结晶，也是艺术表达的载体，更是历史叙事的有力工具。从早期模糊的影像到如今高清的数字画面，摄影技术的发展史，是一部不断挑战极限、拓展边界的创新史，也是一部折射人类社会变迁、思想演进的宏大画卷。本书《摄影简史：光影的凝固与时代的变迁》旨在梳理摄影艺术从萌芽、发展到成熟的完整脉络，深入剖析其背后所蕴含的技术革新、美学演变和社会文化影响，带领读者一同回溯那些决定影像命运的经典时刻，感受光影凝固下的时代脉搏。 第一章：摄影的诞生：黑暗中的一次伟大探索 在摄影术出现之前，人类便已对“复制现实”充满渴望。暗箱（Camera Obscura）的原理早在古希腊时期就被发现，它能够将外部景物投影到室内，为后来的摄影成像奠定了基础。然而，真正意义上的摄影，需要找到一种能够将光线在物体上反射的影像永久固定下来的化学方法。 19世纪初，化学家和发明家们在这一领域展开了激烈的探索。法国的尼塞福尔·尼埃普斯（Nicéphore Niépce）在1826年或1827年成功拍摄了世界上第一张永久性照片——《窗外的景致》。他使用沥青涂在金属板上，通过长时间曝光（约8小时）记录下窗外的景象。尽管成像模糊，曝光时间极长，但这一突破性的成果标志着摄影时代的真正开启。 随后，路易·达盖尔（Louis Daguerre）继承并发展了尼埃普斯的实验，发明了达盖尔银版摄影法（Daguerreotype）。这种方法通过抛光的镀银铜版，利用碘蒸气使其感光，再用汞蒸气显影，最后用海波（硫代硫酸钠）定影，可以获得清晰、细腻、带有精美金属光泽的影像。1839年，达盖尔公布了他的发明，震惊了世界。达盖尔银版照片的出现，不仅在技术上实现了飞跃，也极大地激发了人们对摄影的兴趣。 几乎同时期，英国的威廉·亨利·福克斯·塔尔博特（William Henry Fox Talbot）也独立研发出了照相制版法（Calotype）。塔尔博特的方法是将纸浸泡在氯化银溶液中，使其感光，然后通过化学反应获得一张负像底片，再将底片与另一张感光纸紧密接触，通过曝光获得正像照片。与达盖尔银版摄影法一次成像不同，塔尔博特的照相制版法可以复制多张照片，为现代摄影的“底片-印相”模式奠定了基础。尽管塔尔博特的方法在初期成像质量上略逊于达盖尔银版，但其复制性优势最终使其成为主流。 第二章：摄影的普及与风格的奠定：记录者、艺术家与社会风貌 随着摄影技术的不断完善和改进，摄影开始走向大众。感光材料的进步，如湿版火棉胶摄影法（Wet Collodion Process）的出现，大大缩短了曝光时间，提高了成像质量，使得拍摄更加便捷。1888年，乔治·伊士曼（George Eastman）创立了柯达公司（Kodak），推出了预装胶卷的盒式相机。他一句“你只需按快门，剩下的交给我们”的广告语，极大地降低了摄影的门槛，将摄影从少数专业人士的领域推向了普通大众，真正开启了“人人都能拍照”的时代。 摄影术的普及，使得影像记录的功能得到极大发挥。纪实摄影应运而生，它以其客观、直接的特点，成为历史事件、社会状况、人物肖像的珍贵见证。从克里米亚战争中的罗杰·芬顿（Roger Fenton），到美国南北战争中的马修·布雷迪（Mathew Brady）及其团队，再到记录工业革命和社会变革的雅各布·莱斯（Jacob Riis），这些摄影师用镜头揭示了时代的真相，引发了广泛的社会关注和讨论。 与此同时，摄影艺术的探索也从未停歇。早期，一些摄影师试图模仿绘画的风格，追求“美的”和“崇高的”画面，形成了“绘画主义摄影”（Pictorialism）。他们通过特殊的显影、印相技术，以及对构图、光影的精心设计，试图让摄影摆脱其“技术工具”的标签，跻身艺术殿堂。阿尔弗雷德·斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz）便是这一流派的重要代表人物，他创办了《相机公报》（Camera Work）杂志，积极倡导摄影的艺术地位，并推动了现代主义摄影的发展。 第三章：现代摄影的崛起：形式的革新与观念的拓展 20世纪初，随着现代艺术的兴起，摄影艺术也迎来了深刻的变革。新的摄影流派和风格层出不穷，摄影师们开始突破传统的束缚，探索摄影自身的语言和表现力。 “精确摄影”（Straight Photography）的出现，是对绘画主义摄影的一种反拨。以保罗·斯特兰德（Paul Strand）、爱德华·韦斯顿（Edward Weston）等为代表的摄影师，强调摄影的客观性，摒弃过度加工，追求画面细节的清晰、色彩的真实，以及构图的简洁和形式感。他们认为，摄影最强大的力量在于其对现实的精确呈现，在于其独特的“观看”方式。 “纽约摄影学院”（New York School）的出现，更是将现代摄影推向了新的高度。这个松散的群体汇聚了包括斯蒂格利茨、安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）、韦斯顿、曼·雷（Man Ray）、李·弗里德兰德（Lee Friedlander）等众多影响深远的摄影师。他们虽然风格各异，但都致力于探索摄影的现代性，将摄影的观察视角、形式语言与社会现实、个人情感相结合。 功能主义摄影的兴起，也为摄影开辟了新的道路。在设计、建筑、广告等领域，摄影被赋予了更强大的实用性。黑白分明、线条锐利的纪实风格，以及对细节的精准捕捉，使得摄影成为传播信息、推广产品、记录设计的有效工具。 抽象摄影的探索，则进一步拓展了摄影的边界。通过移轴、焦外成像、多重曝光等技术，摄影师们试图摆脱对具体物体的模仿，转向对光线、色彩、形态本身的表现，创造出具有绘画般写意效果或纯粹形式感的作品。 第四章：纪实摄影的黄金时代与社会变革的见证 20世纪，特别是两次世界大战及其之间的时期，是纪实摄影的黄金时代。在这一时期，摄影不仅记录了战争的残酷、社会的苦难，也成为了推动社会变革的重要力量。 “生活杂志”（Life Magazine）的创刊，对纪实摄影的发展产生了深远影响。它开创了以摄影为主导的叙事方式，通过大量的图片报道，将世界各地的新闻、事件、人物呈现在读者面前。沃克·埃文斯（Walker Evans）在20世纪30年代大萧条时期拍摄的美国农民肖像，以其平静、尊严的姿态，成为了那个时代最经典的影像之一。多萝西娅·兰格（Dorothea Lange）拍摄的“移民母亲”系列，更是以其深刻的人文关怀和强烈的感染力，成为了摄影史上的不朽之作。 “马格南图片社”（Magnum Photos）的成立，标志着纪实摄影师们在职业发展和作品呈现上的重要里程碑。罗伯特·卡帕（Robert Capa）、亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）、乔治·罗杰（George Rodger）等创始人，以其敏锐的观察力、卓越的技巧和对新闻事件的深入参与，为世界留下了无数珍贵的历史影像。卡帕的名言“如果你的照片不够好，那是因为你离得不够近”，成为了许多纪实摄影师的座右铭。 第五章：色彩的革命与当代摄影的多元化 尽管黑白摄影在很长一段时间内占据主导地位，但彩色摄影技术也在不断发展。20世纪中期，彩色胶卷的成熟和普及，使得摄影师们可以更真实地捕捉世界的色彩。从最初略显饱和、失真的色彩，到后来更加逼真、细腻的色彩还原，色彩的运用极大地丰富了摄影的表现力。 伊尔文·潘（Irving Penn）、理查德·阿威顿（Richard Avedon）等时尚摄影大师，巧妙地运用色彩和构图，将摄影带入了时尚杂志的殿堂，塑造了当代的审美潮流。 进入20世纪后期和21世纪，摄影迎来了前所未有的多元化发展。数字摄影技术的出现，彻底改变了摄影的生产、传播和观看方式。任何人都可以通过手机等设备轻松拍摄、编辑和分享照片，摄影的门槛进一步降低，参与者更加广泛。 观念摄影成为当代摄影的重要分支。摄影师不再仅仅满足于记录现实，而是开始运用摄影作为一种媒介，表达思想、探讨社会问题、挑战观看方式。辛迪·舍曼（Cindy Sherman）通过自拍一系列不同角色的女性形象，深刻地揭示了性别身份、社会角色等议题。安德烈亚斯·古尔斯基（Andreas Gursky）则以其宏大、细致的画面，展现了全球化时代的消费文化和人类活动的壮观景象。 第六章：摄影的未来：技术、艺术与社会之间的对话 如今，摄影技术仍在飞速发展，人工智能、虚拟现实等技术正在与摄影发生深刻的融合。AI图像生成技术，正在挑战我们对“真实”的定义，也为艺术创作提供了新的可能性。 然而，无论技术如何变迁，摄影的核心价值——捕捉瞬间、记录时代、表达情感、引发思考——始终不变。从早期笨重的相机到如今轻便的智能手机，从手动的曝光控制到自动的智能对焦，技术的进步始终服务于摄影师的创作意图。 《摄影简史：光影的凝固与时代的变迁》不仅仅是对摄影技术史的梳理，更是对摄影与人类社会、文化、艺术之间相互作用的深入探讨。它提醒我们，每一张照片背后，都凝结着一个时代的光影，一段被凝固的时光，一个被记录的故事。理解摄影的历史，就是理解我们自身以及我们所处的时代。这部简史，希望能够激发读者对摄影更深层次的认识和热爱，去发现和创造属于自己的影像故事，去用镜头记录和理解这个日新月异的世界。

评分☆☆☆☆☆

本不习惯发言，但看到诸位的评论，我感同身受，立马注册发表一下本人想法，此译本实在是太糟糕了，不少错别字不说，翻译简直让人如云里雾里，越看越费解，着实不如读原本来的痛快。  

评分☆☆☆☆☆

本雅明对于电影时代的预知是天才的，他的理论书有些晦涩，有时追求行文暧昧，不过，仍是充满了智慧。对他收藏的摄影作品同样感到兴趣。  

评分☆☆☆☆☆

看到“王才勇”这三个字就知道这本书能翻译成什么样了。没买的建议别买，没读的建议不要读了。不就是《摄影小史+机械复制时代的艺术作品》两篇小文么，有很多译本，都读起来至少“正常”吧。记住，见到“王才勇”这三个字的译本，题目再吸引人，作者再大牌，也不要上当。  

评分☆☆☆☆☆

本雅明对于电影时代的预知是天才的，他的理论书有些晦涩，有时追求行文暧昧，不过，仍是充满了智慧。对他收藏的摄影作品同样感到兴趣。  

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功底非常扎实，读起来有一种沉浸式的体验，简直不像在阅读一本理论书籍，更像是在品鉴一篇篇精心打磨的散文。作者对词语的运用精确而富有张力，尤其是在描述那些难以言喻的视觉经验时，那种文字的画面感极强。比如说，他对早期摄影作品中“静止”与“永恒”之间微妙张力的描绘，用了好几个排比句式，读完后我仿佛真的能感受到时间在胶片上被凝固的那种奇异的质感。这种语言的密度和美感，让我在阅读过程中时不时需要停下来，回味一下刚才那句话的精妙之处。它不追求快餐式的知识灌输，而是鼓励读者慢下来，去“感受”历史和理论的重量。对于那些追求阅读体验的读者来说，这本书绝对是视觉和智力上的双重盛宴。

评分☆☆☆☆☆

这本《摄影小史+机械复制时代的艺术作品》的装帧设计实在让人眼前一亮，封面那种老照片的颗粒感和现代设计的简洁线条完美结合，一下子就抓住了我的注意力。我原本以为这会是一本枯燥的学术著作，结果翻开第一页就被那种娓娓道来的叙事节奏吸引住了。作者显然对摄影史有着深厚的感情，他没有堆砌晦涩难懂的术语，而是像一个老朋友一样，带着你穿梭于那些关键的历史节点。比如，他讲述早期湿版摄影的繁琐过程时，那种“现场感”简直要把我拉回那个世纪中叶的影棚里，让我能真切体会到每一张照片诞生背后的不易。尤其是关于早期肖像摄影师如何利用光线和构图来捕捉人物“灵魂”的那一段论述，细腻入微，让我对那些看似简单的老照片产生了全新的敬畏。这本书的厉害之处在于，它不只是记录“发生了什么”，更深层次地挖掘了技术变革如何重塑了我们感知世界的方式。每次合上书本，都会忍不住拿起手机，试图用一种全新的、更具批判性的眼光去审视那些每天刷到的无数影像。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是思维被极大地拓宽了。书中对于“机械复制”这一概念的阐述，简直是点醒了我这个长期生活在数字洪流中的人。我一直觉得，摄影就是按快门，是瞬间的捕捉，但作者通过对本雅明原著的深度解读和自己的延伸思考，让我明白了，当复制变得廉价和无限时，“原作”的灵韵究竟流向了何方？书中的分析非常犀利，它没有简单地歌颂技术的进步，反而冷静地剖析了这种“去中心化”对艺术价值体系带来的冲击。我尤其喜欢作者对比传统绘画与早期摄影作品时所采用的视角——那种关于“光晕”和“灵光”消逝的讨论，充满了诗意的忧伤。这不仅仅是艺术史，更是一部关于现代性焦虑的编年史。它迫使我停下来思考，我手机里存着的那几千张照片，哪一张是“灵光闪现”之作，而哪一张只是无意义的数据堆砌？这种对自我影像消费习惯的反思，远超出了阅读一本历史书籍的预期。

评分☆☆☆☆☆

最让我赞赏的是，这本书的视野从未局限于传统的“艺术史”范畴。它勇敢地将焦点投向了大众文化、广告、以及我们日常生活中那些看似不起眼的图像生产机制。作者对于“复制技术如何改变了我们对真实性的认知”的探讨，特别有现实意义。他没有把重点放在谁是第一个发明某种技术上，而是着力分析了这种技术“普及后”对社会结构和个人身份认同产生的蝴蝶效应。这种宏观的、社会学的视角，使得全书的论述拥有了极强的穿透力。它让我意识到，我们今天面对的“深度伪造”和信息泛滥的困境，其实早在一战后的艺术思潮中就已经埋下了伏笔。这本书就像一个高倍望远镜，不仅能清晰地观察到历史的细节，还能预见当下和未来的视觉挑战。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，它不是一个线性的时间轴，而更像是一张不断交叉重叠的网。作者在讲述某个技术发明时，总能迅速将视角拉回到当时的社会文化背景，形成一种多维度的解读。例如，在讨论纪实摄影的兴起时，书中不仅分析了媒介本身的特性，还深入探讨了摄影如何被用作社会改革的工具，以及随之而来的伦理困境。那种对权力与图像之间关系的审视，极其老道和深刻。我感觉作者仿佛是一位经验丰富的老导游，他知道哪些风景是必看的经典机位，也清楚地指出了那些容易被游客忽略，却蕴含着真正历史厚度的隐秘角落。这种叙事策略让阅读过程充满了惊喜，总是在你以为已经掌握了某个阶段的脉络时，又被引入了一个意想不到但至关重要的讨论分支。

评分☆☆☆☆☆

没怎么读懂-_- 全靠译者序。不过里面的图很棒。那些银版老照片，看起来真是很不错呐

评分☆☆☆☆☆

没怎么读懂-_- 全靠译者序。不过里面的图很棒。那些银版老照片，看起来真是很不错呐

评分☆☆☆☆☆

本雅明的摄影小史很具有启发性,而机械复制时代的艺术作品则说明了就算好评论也必须要被一改而再改.

评分☆☆☆☆☆

本雅明对摄影和电影的分析极有前瞻性，有些话题至今仍未过时。不过本雅明置身于法西斯主义兴起的年代，他对以电影为代表的大众文化的兴起未免显得过于悲观。他对法西斯美学的批判是深刻的，但文化工业并不必然导致法西斯专制。鼓吹无产阶级全面接收电影，企图以文化反制政治是一条因果颠倒的路数。另：本书翻译实在生涩。

评分☆☆☆☆☆

汗。。四年前就开始读各种读不进去今天才读完。真是脑子发育成熟了才能进去的深刻文字。这本书对于一个不了解电影或是电影史的人来说，只会觉得不知所云；而对于一个没有哲学思维和兴趣的人而言，大概又索然无味。本雅明的文字里流淌一股狂傲，然而他的观点又那么先锋、尖锐；令在这些文字在大半个世纪后被一个在东方文明中成长起来的人读到时，那种不被时间所洗褪的对影像、本质的犀利洞悉，引起阅读之人惊颤。