Porcelains with Cloissone Enamel Decoration and Famille Rose Decoration (Treasures of the Palace Mus pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Art Media Resources Ltd

作者:Palace Museum Beijing

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-04-01

价格:USD 95.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9789620752247

丛书系列:

图书标签:

• 瓷器
• 景泰蓝
• 粉彩
• 清宫
• 宫廷艺术
• 文物
• 北京故宫
• 装饰艺术
• 中国陶瓷
• 艺术史

好的，以下是一本关于中国古代瓷器装饰艺术的图书简介，聚焦于景德镇官窑的创新与演变，重点阐述青花、釉里红以及不同时期的彩绘瓷器，完全不涉及书名中提及的“铜胎珐琅彩”（Cloisonné Enamel）或“粉彩”（Famille Rose）装饰。 --- 《明清官窑瓷器装饰艺术：青花、釉里红与彩绘的流变》 内容简介： 本书深入剖析了明清两代，特别是景德镇御窑烧造的瓷器在装饰艺术上的核心成就与风格变迁。我们聚焦于中国传统釉彩的精髓——钴料的青花以及铜红料的釉里红——并细致考察了在不同朝代背景下，这些经典装饰手法的演进、技术上的突破以及审美趣味的转向。全书旨在提供一个严谨的、图像驱动的学术视角，以理解官窑瓷器如何通过色彩的运用，反映出帝国的心态、宫廷的审美指令以及工匠群体的创造力。 第一部分：永乐至宣德——青花与釉里红的奠基与成熟 明代早期的官窑烧造，标志着中国陶瓷史上的一个黄金时代。本部分首先探讨了永乐和宣德时期青花瓷器的巅峰状态。我们详细研究了进口苏麻离青料在不同烧成温度下的呈色变化，以及由此形成的“铁锈斑”特征。不同于后世的均匀施色，宣德青花的雄浑大气与纹饰布局的疏朗得体，体现了早期帝王对气势磅礴的艺术追求。 紧接着，本书深入研究了釉里红这一高难度装饰技法的成熟过程。在永乐时期，釉里红的呈色尚有不稳定的现象，但宣德时期，尤其是在刻花、印花之上施以釉里红的技法已臻成熟，其红釉的纯正度与覆盖均匀性达到了前所未有的高度。我们通过对器型结构与纹饰主题（如海水云龙纹、折枝花卉纹）的对照分析，揭示了早期官窑在技术与艺术设计上如何确立了此后数百年中国制瓷的基调。 第二部分：成化——青花与斗彩的技艺转型 成化朝是瓷器装饰发展史上一次重要的转折点。本部分重点分析了两种核心装饰手法的变化：青花的“柔和化”与斗彩的兴起。 成化时期的青花，很大程度上摆脱了永宣时期的粗犷与厚重，转而追求细腻与文静。我们探讨了使用国产平等青料后的视觉效果，其色泽由深沉的蓝黑转变为淡雅的青灰，这种“斗”的倾向，使得青花纹饰在留白的处理上更为精妙，更适宜描绘文人化的花鸟草虫题材。 此外，本书对斗彩的工艺及其在宫廷中的地位进行了专题研究。斗彩，作为釉上彩与釉下彩相结合的装饰方式，要求极高的技术控制力。本章细致地辨析了成化斗彩的填彩方式、线条的精细度以及色彩的饱和度，重点分析了“压手杯”等典型器物上，如何通过色彩的叠加与对比，实现画面层次的丰富，这标志着明代宫廷对色彩表现力的探索进入了一个全新的阶段。 第三部分：正德至嘉靖、万历——创新、世俗化与新主题的引入 中晚明时期，官窑的审美趣味开始出现变化，一方面是对前朝经典的继承，另一方面也接纳了更多世俗文化和道教、佛教题材的元素。 正德朝的青花装饰出现了一些独特的符号化趋势，特别是阿拉伯文和吉祥文字的运用，这反映了当时社会文化交流的活跃。进入嘉靖、万历时期，官窑的装饰进入了一个繁缛与程式化的阶段。本部分详述了嘉靖青花的“蓝白对比”强化现象，以及釉里红在大型器物上趋于保守的布局。 万历官窑的装饰手法尤为复杂。除了成熟的青花和釉里红组合，我们还考察了大量使用釉上五彩（不涉及粉彩）的器物。这些五彩瓷器往往色彩浓烈，题材多样，充满了祈福禳灾的世俗寓意。本书通过对比不同窑口与不同时期的五彩器，梳理了万历朝匠人如何在既定的宫廷要求下，寻求装饰语言上的突破与扩张。 第四部分：清代康熙、雍正、乾隆——釉上彩绘的集大成 清代官窑的装饰艺术达到了空前的技术高度和艺术多样性。本部分将重点放在釉上彩绘技术（如素三彩、硬彩等，不涉及粉彩）的精湛表现上。 康熙时期，制瓷业从明末的低谷中迅速恢复，青花发色青翠，被称为“康熙五彩”的釉上彩绘技艺也推陈出新。我们分析了康熙时期如何通过提高烧成温度和改进颜料配方，使釉上彩的色彩更加鲜亮，特别是对绿色和黄色的运用更加纯粹。 雍正朝，宫廷对装饰艺术的要求趋于精细和内敛，体现出一种典雅的文人趣味。本章详细分析了此时期釉上彩在追求“画意”方面的成就，许多作品的装饰手法已接近传统架上绘画的笔触与晕染效果，但在主题选择上仍保持了宫廷的庄重。 最后，本书对乾隆官窑的集大成风格进行了梳理。乾隆时期的彩绘瓷器，往往体现出“集古创新”的特点，装饰语言极其丰富，器物上融合了多种工艺元素，但其核心依然是稳定、成熟的釉下青花和各种釉上彩的精妙配合，展现出清代盛世在艺术品制作上的巅峰能力。 结论： 本书通过对青花、釉里红及传统釉上彩绘技术在明清两代的演变脉络进行深入考察，意在勾勒出景德镇官窑装饰艺术如何在技术革新、宫廷指令与时代审美的共同作用下，持续创造出辉煌成就的历史图景。每一抹颜色，每一次纹饰的布局，都是中国古代帝国工艺美学的有力见证。

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初次翻开这本书时，我立刻被那种扑面而来的历史厚重感所吸引。它呈现的不仅仅是几件精美的瓷器，更像是一部视觉化的清代宫廷生活史。那些装饰繁复的器皿，无疑是皇家威仪的象征。书中的版式设计非常大气，留白得当，使得每件展品都能在视觉上占据足够的空间，让观者能细细品味其纹饰的精妙之处。我特别注意到其中关于“粉彩”技法的阐述，那种柔和的色彩过渡和层次感，与早期青花或五彩的硬朗风格形成了鲜明的对比，显示出康雍乾三朝审美品味的演变。这本书的装帧质量也无可挑剔，纸张的质感和印刷的精度都达到了一个极高的水准，这对于呈现瓷器釉面光泽和细节纹路至关重要。坦白说，这已经超越了一般意义上的“画册”，更像是一部严谨的艺术史文献。

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老实说，我原本以为这又是一本徒有其表的“大部头”，充斥着大量的、难以分辨的相似器物。然而，这本书的编排逻辑非常清晰，它似乎是按照时间脉络和工艺特点在引导读者。最让我惊喜的是，它并没有将重点仅仅放在那些完整的、状态极佳的“明星藏品”上，反而对一些带有修复痕迹或特殊款识的器物也给予了同等的关注，这体现了一种非常诚恳和学术的态度。通过对比，我能够更好地理解不同时期烧制技术的细微差异。那种对于色彩饱和度和光影捕捉的精确性，使得即便是隔着纸张，也能感受到瓷器表面的那种温润光泽和立体感。这本书的阅读体验是极其沉浸式的，仿佛你正置身于一座安静、光线柔和的展厅之中，慢慢欣赏着每一件传世之作。

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作为一名业余的艺术史研究者，我通常对那些过于“流行”的艺术品类持保留态度，但这本书成功地将我从那些刻板印象中拉了出来。它聚焦的那些带有掐丝珐琅装饰的瓷器，其工艺的复杂程度令人叹为观止，简直是“技术的美学化”的极致体现。书中的文字描述虽然克制，但专业性极强，对于不同时期、不同纹饰的风格演变都有着精准的定位。我特别喜欢它对几件罕见器物的独家解读，那些细节只有在如此高质量的出版物中才能被捕捉到。这本书的价值在于其稀有性和权威性，它提供了一个近距离、无损耗地接触这些国之重宝的机会。对于那些真正热爱并致力于研究中国古代复杂装饰艺术的人来说，这本书带来的知识增益是巨大的，远非网上随便能找到的图片资料可以比拟。

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这本书的出版无疑是对中国传统工艺的一次致敬。我特别欣赏它对于装饰图案中文化寓意的挖掘，例如那些寓意吉祥的蝙蝠、宝相花、缠枝莲等，不仅仅是图案，更是古代社会价值观念的载体。我发现，那些融入了珐琅工艺的瓷器，往往在造型上也会更加追求繁复和华贵，这在书中的器形展示中得到了充分的体现。翻阅过程中，我几次停下来，仔细研究那些细如发丝的珐琅线条，思考匠人们是如何在高温烧制中保持这些细节的完整性。这本书的排版和印刷质量，严格遵循了顶级艺术出版物的标准，色彩还原度极高，这对于研究釉彩间的微妙差异至关重要。它提供了一个深入洞察宫廷审美风尚和技术巅峰的绝佳窗口，让人由衷地感叹中华民族在陶瓷艺术上的巅峰成就。

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这本关于中国陶瓷的画册，简直让人爱不释手！我一直对明清时期的工艺美术情有独钟，特别是那些色彩斑斓、工艺精湛的瓷器。这本书的选材极其讲究，每一幅高清的图片都仿佛能让你触摸到瓷胎的温润和釉彩的细腻。我尤其欣赏它对“掐丝珐琅”工艺的深入解读，那些繁复的金属丝勾勒出的图案，与瓷胎上的彩绘完美结合，展现出一种奢华又不失典雅的气质。光是看着那些瓶、盘、碗上的龙凤呈祥、花鸟鱼虫，就能感受到古代工匠们倾注的心血和高超的技艺。这本书不仅仅是图片的堆砌，它背后蕴含的文化信息量也相当大，对于想了解清代宫廷用瓷的收藏者或爱好者来说，绝对是案头必备的宝典。每一次翻阅，都能有新的发现和感悟，那种被历史和艺术震撼的感觉，是看普通图录无法比拟的。

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