Virtuelle Kunst in Geschichte Und Gegenwart pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Reimer

作者:Oliver Grau

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-01

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9783496012306

丛书系列:

图书标签:

• 虚拟艺术
• 艺术史
• 当代艺术
• 数字艺术
• 媒体艺术
• 艺术哲学
• 文化研究
• 技术与艺术
• 艺术理论
• 图像学

探寻数字时代的视觉嬗变：当代艺术与技术交织的叙事 书名： 虚拟现实、生成艺术与人机共创：数字媒介的本体论转向 内容简介： 本书旨在对21世纪以来，随着计算能力飞速发展和互联网深度渗透，艺术领域所经历的深刻结构性变化进行系统性的考察与批判性分析。我们不再将艺术视为一种纯粹的物质性表达或个人情感的投射，而是将其置于一个由算法、数据流和沉浸式技术共同构建的复杂网络之中。本书的核心论点在于，数字媒介的介入不仅仅是提供了一种新的创作工具或展示平台，它从根本上重塑了艺术的本体论地位、创作主体性以及观众的体验机制。 全书分为四个主要部分，力图构建一个多层次、跨学科的分析框架： 第一部分：媒介考古学——从模拟到数字的本体论断裂 本部分将追溯数字技术对艺术领域产生影响的历史脉络，超越对“数字艺术”或“新媒体艺术”的简单归类。我们关注的是媒介转型本身带来的知识论冲击。 1.1 屏幕作为新的知识场域： 我们探讨了从早期的电子屏幕（如阴极射线管）到如今的超高分辨率OLED显示屏，屏幕如何从一个简单的信息输出端口，演变为一个具有自身逻辑和视觉语法的前景空间。屏幕不仅是观看的媒介，它自身即是作品的物质基础。此处重点分析了早期计算机图形学（如AARON系统）如何挑战了“作者意图”的传统概念，并引入了“过程即作品”的观念。 1.2 算法的诗学与不可见性： 重点解析了生成艺术（Generative Art）的发展，特别是基于L-系统、元胞自动机和深度学习模型的创作实践。我们不再仅仅分析最终的图像或声音，而是深入探究驱动生成过程的代码结构和潜在的数学美学。算法不再是工具，它成为了共同创作者，其决策过程（尽管基于逻辑）却往往呈现出“不可预测的复杂性”，这迫使我们重新思考艺术的“偶然性”与“必然性”之间的界限。 1.3 数据流的具身化： 本章探讨了“数据”——这一抽象的概念实体——如何通过可视化、数据雕塑或沉浸式装置被“具身化”。我们研究了艺术家如何利用大数据集的结构、缺失或偏见，来揭示权力结构和信息不对称，使纯粹的非物质信息转化为具有物理或感知重量的艺术对象。 第二部分：沉浸式体验与感官的重构 数字技术最显著的影响之一在于其创造了全新的感知环境。本部分聚焦于沉浸式技术（如VR/AR/MR）如何颠覆了传统的“画廊空间”和“剧场距离”。 2.1 距离的消融与“在场”的困境： 虚拟现实（VR）技术使得观众不再是观看客体，而是成为环境的参与者。我们探讨了这种“在场感”的心理学基础，以及它如何模糊了现实与模拟的界限。在VR艺术中，空间不再是有限的物理容器，而是无限可塑的计算空间。挑战在于，这种极致的沉浸感是否反而削弱了批判性距离？ 2.2 增强现实（AR）作为文化叠加层： AR技术将数字信息叠加到物理世界之上，创造了“双重现实”。本章分析了AR艺术如何介入公共空间，挑战了城市景观的既有秩序。通过将虚拟雕塑放置在历史建筑之上，艺术家们在进行空间干预，引发了关于“场域特异性”（Site-Specificity）的新讨论——当场域被虚拟元素渗透时，其特异性如何定义？ 2.3 交互性与非线性叙事： 交互性不再是简单的按钮点击，而是深层次的反馈回路。我们考察了基于生物反馈、眼动追踪或身体姿态感应的艺术作品，分析它们如何构建起一种“共生式叙事”，其中观众的行为直接影响作品的演化路径，从而质疑了叙事终点的既有权威性。 第三部分：人工智能时代的艺术主体性危机 本书将专门开辟章节，探讨生成式人工智能（Generative AI），特别是大型语言模型（LLMs）和扩散模型（Diffusion Models）对“创造力”概念的冲击。 3.1 创作的“黑箱”与知识产权的重估： AI生成图像和文本的爆炸式增长，引发了关于“风格窃取”和“原创性”的激烈辩论。我们分析了AI训练数据的来源和潜在偏见，以及由此产生的艺术品是否真正具有“意图性”。AI模型通过对海量历史数据的统计学习进行“模仿”和“重组”，这使得传统上依赖于个人经验和独特视角的主体性概念面临挑战。 3.2 人机共创（Cocreation）的伦理边界： 本部分研究了艺术家与AI系统之间日益紧密的工作关系。当艺术家负责提出提示词（Prompt Engineering）和进行后期筛选时，谁才是最终的“作者”？我们探讨了这种合作模式下，艺术家的角色如何从“执行者”转变为“策展人”或“系统调优师”，以及这种转变对艺术教育和职业路径的深远影响。 3.3 模仿与新奇：深度伪造（Deepfake）的审美政治学： 深入分析了AI驱动的面孔和声音合成技术在艺术实践中的应用。我们考察了艺术家如何利用深度伪造技术，对名人、历史人物或虚构角色进行“复活”和“再语境化”，从而揭示了媒体真实性的脆弱性，并探讨了这种“可信的虚假性”对社会信任体系的审美和政治后果。 第四部分：数字遗存与艺术的未来形态 最后一部分将目光投向数字艺术的持久性、可访问性以及其在历史语境中的定位。 4.1 易失的媒介与保存的困境： 硬件的快速淘汰、软件的迭代和文件格式的过时，构成了数字艺术保存的“数字黑洞”。我们研究了“媒介考古学”在艺术保护领域中的实践，包括模拟迁移、软件仿真和“概念归档”等策略，并讨论了艺术品在技术更迭中的“概念完整性”应如何保障。 4.2 区块链与数字稀缺性（Scarcity）： 非同质化代币（NFT）现象被视为对数字信息无限可复制性的技术性反击。本书批判性地分析了NFT如何试图通过技术手段人为制造数字稀缺性，以及这种机制对艺术品市场价值和流通方式的重塑。我们考察了区块链技术如何影响艺术品的所有权、出处（Provenance）和可验证性，同时不回避其环境成本和投机风险。 4.3 走向分布式艺术生态： 展望未来，本书认为数字艺术的未来形态将是更加分散化、去中心化和情境化的。未来的艺术实践可能更多地发生在去中心化自治组织（DAOs）和共享计算环境中，艺术的价值将越来越依赖于社区的共识和持续的激活，而非单一的物理锚点。 本书面向艺术史学家、媒介理论研究者、计算机科学家以及对当代文化现象有深入兴趣的普通读者。它拒绝将数字艺术视为一种“风格”，而是将其视为一种认知模式的转变，迫使我们重新定义何为“观看”、“创作”与“存在”本身。

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这本书在比较不同文化背景下虚拟艺术的发展轨迹时，展现出了一种显著的欧洲中心主义倾向。虽然无可厚非，作者的学术背景使得其论述自然倾向于德语区和欧美语境下的艺术运动。但对于当代艺术的全球化趋势而言，这种侧重无疑是一个明显的局限。我非常希望看到书中能有更多的篇幅去探讨亚洲，特别是东亚地区，在早期计算机艺术和当前沉浸式媒体艺术领域所做出的独特贡献和哲学差异。比如，日本的电子艺术先驱们是如何将传统美学融入数字媒介的，或者中国当代艺术家在面对快速城市化和科技迭代时，对虚拟空间所采取的独特批判路径。这些多元化的声音在书中几乎是缺席的，或者仅仅是以脚注的形式一带而过，这使得整本书对“当代”的界定显得不够完整和具有全球视野。作为一本试图涵盖“历史与现在”的著作，缺乏这种跨文化的视角，让其论述的厚度在国际语境下打了折扣，像是一份非常详尽的区域研究报告，而非一部包罗万象的全球通史。

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这本书，说实话，入手的时候抱着挺大的期望，毕竟这个主题听起来就够硬核，关于虚拟艺术在历史和当代的交汇点，这本应该能给我带来一些全新的视角，关于媒介的演变如何重塑我们的审美体验。然而，读完之后，我得说，这本书在某些方面达到了预期，但在其他方面，它似乎有些力不从心，或者说，它采取了一种过于学术化、略显晦涩的处理方式。我特别期待能看到对早期数字艺术先驱者们，比如那些在七八十年代就开始探索计算机图形学的艺术家们的深入剖析，他们的实验性工作是如何在当时的技术限制下萌芽的。书中提到了几位关键人物，但分析往往停留在表层，更多是罗列他们的作品和当时的社会背景，而缺乏对他们创作思想和技术瓶颈突破的细致挖掘。例如，当谈到沉浸式体验的先声时，我希望能看到关于早期虚拟现实原型机如何影响艺术家思维的更具操作性的描述，而不仅仅是概念上的探讨。这就像是站在一个巨大的宝库门口，看到了指示牌，却只允许你在外围走马观花，无法真正深入到那些充满创意的核心区域去探究细节。整体而言，它为入门者提供了一个尚算完整的框架，但对于已经有一定了解的读者来说，新鲜感和深度挖掘的满足感稍显不足，更像是一本扎实的教科书，而非一次酣畅淋漓的学术冒险。

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坦率地说，这本书的章节结构安排是其最令人沮丧的部分之一。虽然理论上是按时间线或主题划分，但在实际阅读中，主题的重叠和论述的冗余感非常明显。有些核心概念，比如“在场性”（Presence）或“超验性”（Transcendence），在三个不同的章节中被反复定义和讨论，每次引入的视角略有不同，但核心的论点并未得到实质性的推进。这使得阅读的节奏被打乱，给人一种在原地踏步的感觉。我不得不承认，这本书在梳理“虚拟”这个模糊概念的哲学渊源上是下了苦功的，但这种“反复锤炼”的写作手法在面向大众读者或者跨学科研究者时，反而会消耗掉读者的耐心。如果能将相似主题的论述进行更精炼的整合，将更多的篇幅解放出来去探讨技术伦理、人工智能对艺术创作的颠覆性影响等更具前瞻性的议题，这本书的价值和可读性会大大提升。目前的状态，更像是一个学者对自己多年积累的研究资料进行了细致但略显繁琐的整理汇编，缺乏那种“一气呵成”的叙事力量和精准的焦点。

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我花了好几个周末才断断续续啃完这本书，最大的感受是，它非常注重理论的建构，引用的文献汗牛充栋，这一点对于学术研究者来说无疑是优点，体现了作者扎实的学识功底。然而，这种理论的堆砌有时反而成了阅读的障碍。很多章节充斥着晦涩的德语术语（当然考虑到原著的语境，这是可以理解的），而且这些理论间的衔接常常显得生硬和跳跃。比如，当作者从福柯的异托邦概念转向探讨交互式装置的观众参与性时，中间的论证过程非常跳跃，我需要反复回溯前面的定义才能勉强跟上思路。更遗憾的是，书中对具体艺术家的访谈或者第一手资料的引用相对较少，使得这本书的讨论更像是高屋建瓴的宏大叙事，缺少了艺术家个人声音的鲜活性和温度。一个关于“虚拟”的如此动态的主题，本应充满实验精神和即时反馈的能量，但这本书的呈现方式却偏向于一种静态的、高度结构化的文本分析。它更像是一份详尽的学术报告，而不是一次引人入胜的对话，对于希望从实践层面汲取灵感的创作者来说，这本书提供的工具箱可能略显沉重和不易上手。

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这本书的装帧和排版确实令人印象深刻，纸张的质感很好，印刷清晰，尤其那些关于当代数字装置艺术的彩图，色彩还原度很高，这点在讨论视觉艺术的书籍中至关重要。但是，内容上的推进速度和侧重点让我感到有些困惑和不适应。作者似乎花费了过多的笔墨去梳理一个冗长且有些陈旧的艺术史脉络，试图将虚拟艺术的根源追溯到非常早期的哲学思辨中，这使得前半部分读起来像是在啃一本厚重的哲学导论，而不是一本聚焦于特定艺术媒介的专业书籍。当我真正期待进入到对NFT艺术、元宇宙空间构建这些热门且前沿的话题时，篇幅却被急剧压缩，或者说，讨论显得有些保守和滞后，仿佛对这些最新现象的介入不够果断和深入。这种时间分配上的失衡，让这本书的“现在”感大打折扣。我更希望看到的是一种辩证的、激进的批判性思考，去探讨这些新技术对艺术本体论提出的挑战，而不是仅仅对现象进行描绘和归类。读完后，我感觉这本书在“历史”的沉淀上做得不错，但在捕捉“当下”的脉搏和预测未来的走向方面，显得有些犹豫不决，缺乏那种穿透时代迷雾的洞察力。

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