具体描述
这部文集和《礼仪中的美术》都由三联书店出版，但涵盖的历史时期和讨论的美术作品则有早晚和性质的不同。
前者有着比较明确的历史框架和内容的凝聚感，本集则以概念和方法为主导，所关注的是这些概念和方法之间的关系以及在阐释历史现象、披露历史逻辑中的潜力。
总的说来，这些文章的目的是希望开阔美术史研究的思维，通过探索新的观念和方法，使这个学科的内涵更为丰富和复杂。从这个角度看，每一篇文章可以说都是开放性的：其目的不在于达到某个铁定的结论，而是希望引出更多的思考和讨论。
作者简介
巫 鸿（Wu Hung） 早年任职于故宫博物院书画组、金石组，获中央美术学院美术史系硕士。1987年获哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位，后在该系任教， 1994年获终身教授职位。同年受聘主持芝加哥大学亚洲艺术的教学、研究项目，执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2002年建立东亚艺术研究中心并任主任。
巫鸿的著作包括对中国古代、现代艺术及美术史理论和方法论的多项研究。其著作《武梁祠：中国古代画像艺术的思想性》（The Wu Liang Shrine: The Ideology of Early Chinese Pictorial Art, 1989）获1989年全美亚洲学年会最佳著作奖；《中国古代美术和建筑中的纪念碑性》（Monumentality in Early Chinese Art and Architecture, 1995）获评1996年杰出学术出版物，被列为20世纪90年代最有意义的艺术学著作之一；《重屏：中国绘画的媒介和表现》（The Double Screen: Medium and Representation in Chinese Painting，1996）获全美最佳美术史著作提名。参与编写的重要著作包括《中国绘画三千年》（1997）、《剑桥中国先秦史》（1999）等。多次回国客座讲学，发起“汉唐之间”中国古代美术史、考古学研究系列国际讨论会，并主编三册论文集。
近年来致力于中国现当代艺术的研究与交流。策划展览《瞬间：90年代末的中国实验艺术》（1998）、《在中国展览实验艺术》（2000）、《重新解读：中国实验艺术十年（1990—2000）——首届广州当代艺术三年展》（2002）、 《过去和未来之间：中国新影像展》（2004）、《“美”的协商》（2005）等，并撰写和编辑有关专著。所培养的学生现多在美国各知名学府执中国美术史教席。
目录信息
读后感
初中时骑车去圆明园，记得那是第一次看见大水法的废墟吧？被那种美震慑住了。 读巫鸿的《时空中的美术》中“废墟的内化：传统中国文化中对‘往昔’的视觉感受和审美”，脑子里突然回忆起那个秋天，天特别蓝，大水法旁边的白桦林，叶子金黄色，白桦树树皮上的“大眼睛”…… ...
评分艺术品的物质性（materiality）是巫鸿全部理论的核心概念，与此相对的概念我没有在书中找到，暂且套用符号学的术语，称为“所指”（可能reference更好），或者干脆叫作“表达”。而艺术品自身的物质性好像有点模糊的镜片，多少限制或者影响了我们对艺术家表达的感知，因而必须...
评分艺术品的物质性（materiality）是巫鸿全部理论的核心概念，与此相对的概念我没有在书中找到，暂且套用符号学的术语，称为“所指”（可能reference更好），或者干脆叫作“表达”。而艺术品自身的物质性好像有点模糊的镜片，多少限制或者影响了我们对艺术家表达的感知，因而必须...
评分艺术品的物质性（materiality）是巫鸿全部理论的核心概念，与此相对的概念我没有在书中找到，暂且套用符号学的术语，称为“所指”（可能reference更好），或者干脆叫作“表达”。而艺术品自身的物质性好像有点模糊的镜片，多少限制或者影响了我们对艺术家表达的感知，因而必须...
评分初中时骑车去圆明园，记得那是第一次看见大水法的废墟吧？被那种美震慑住了。 读巫鸿的《时空中的美术》中“废墟的内化：传统中国文化中对‘往昔’的视觉感受和审美”，脑子里突然回忆起那个秋天，天特别蓝，大水法旁边的白桦林，叶子金黄色，白桦树树皮上的“大眼睛”…… ...
用户评价
《时空中的美术》这本书，是一次令人愉悦的智力冒险。它不仅仅是关于艺术，更是关于人类的创造力，关于我们在时间长河中留下的印记。 我尤其欣赏书中对于“非主流艺术”的关注。我过去总是将目光投向那些被奉为经典的艺术大师和作品，但这本书却引导我去关注那些被历史遗忘的、或者被边缘化的艺术形式。比如，书中对民间艺术、工艺美术的探讨，让我看到了普通人的生活智慧和审美情趣。这些作品虽然没有流传下来“大名”，但它们同样承载着那个时代的温度和情感，同样是人类艺术宝库中不可或缺的一部分。这种包容性的视角，让我对“艺术”的定义有了更广阔的理解。
评分《时空中的美术》这本书，说实话，我一开始是被书名吸引的。那种既有宏大叙事感，又带着一丝神秘色彩的名字，很容易让人联想到穿越时空去欣赏那些不朽的艺术杰作，仿佛能与那些伟大的艺术家进行一场跨越千年的对话。当我拿到书，翻开第一页，那种期待感瞬间被一种更为深沉的、探索性的好奇所取代。作者并没有简单地罗列那些耳熟能详的名作，而是将视角投向了艺术创作背后那些不为人知的“时空”维度。我发现，这本书不仅仅是在讲“美术”，更是在讲“美术”如何被时间塑造，又如何反过来影响时间。 比如，书中关于古希腊雕塑的那一部分，我之前一直认为它们就是完美比例的典范，是纯粹美的象征。但作者却通过考证当时社会结构、哲学思想、甚至科技水平，生动地描绘了为什么古希腊人会对那种理想化的身体形态如此着迷。我甚至能想象到，在那个阳光炽热的雅典广场上，工匠们一边打磨石料，一边倾听哲学家关于“善”与“美”的辩论。他们的每一次凿击，都不仅仅是为了塑造一块石头，更是为了将那个时代的精神烙印在永恒的石材上。书中对罗马帝国时期建筑艺术的解读也同样令人耳目一新，我以往只看到那些宏伟的斗兽场和神庙的规模，但作者却深刻剖析了罗马人如何运用先进的工程技术，如拱券和混凝土，来征服空间，从而塑造出一种象征着帝国力量与秩序的视觉语言。这种从技术、政治、文化多角度解读艺术的方法，让我对那些“熟悉”的艺术品产生了全新的认知，仿佛重新认识了它们。
评分《时空中的美术》这本书，带给我的震撼，远不止于知识的堆叠，更多的是一种思维方式的启迪。在阅读之前，我习惯于将艺术史看作是一条线性的、时间顺序的河流，每个时代都有其独特的风格和代表人物。然而，这本书却打破了我这种固有的认知框架，它像一个技艺精湛的时间旅行者，带着我穿梭于不同时空，却又将那些看似毫不相干的艺术现象巧妙地连接起来。 书中关于文艺复兴时期对古典艺术的“复兴”的论述，让我深刻理解了“借鉴”与“创新”的微妙界限。作者并没有简单地将这视为一次简单的模仿，而是深入挖掘了当时社会对失落的古典文明的怀旧情结，以及新兴的学术思潮如何促使艺术家们以全新的视角去解读古人的智慧。我仿佛看到，达·芬奇在解剖人体时，脑海中浮现的是古罗马雕塑的完美比例；米开朗琪罗在创作大卫时，心中回响的是古希腊英雄的传说。这种跨越时空的对话，是如此的迷人。更令我印象深刻的是，作者还探讨了技术进步对艺术形式的颠覆性影响。例如，油画颜料的发明，是如何让画家摆脱了蛋彩画的局限，从而创造出更为细腻、丰富的色彩层次和光影效果，这又反过来影响了画家们对现实世界的感知和表现方式。这种多维度、深层次的分析，让我觉得艺术史不再是枯燥的年代划分，而是一个充满活度、相互影响的动态过程。
评分《时空中的美术》这本书，给我带来的，是一种“全局观”的视角。我不再局限于某个时期、某个流派，而是能够将艺术的发展置于一个更广阔的时间维度和文化背景下去审视。 书中关于“社会变革与艺术演进”的章节，让我对艺术的社会功能有了更深刻的认识。我看到了，在那些社会动荡、革命变革的年代，艺术往往会成为反抗的号角，成为变革的旗帜。例如，苏联的构成主义艺术，就是在那个伟大的革命年代应运而生，它用简洁的几何图形和强烈的色彩，去呼唤新时代的到来。而当社会趋于稳定，艺术的表达方式也会随之发生变化。这种将艺术与社会发展紧密联系起来的分析，让我看到了艺术的价值，不仅仅在于其审美层面，更在于其作为社会观察者和参与者的重要作用。
评分我必须承认，《时空中的美术》这本书，在很大程度上颠覆了我过去对艺术史的理解。我一直以为，艺术的演进是遵循某种必然的规律，是每个时代艺术家们在画布上、石块上、或者是建筑的骨架上，孤立地创造出各自的杰作。但这本书却让我看到，艺术从来都不是孤立存在的，它深深地根植于它所处的时空土壤之中，并且与那个时空的每一个细枝末节都息息相关。 书中关于“宗教与艺术”的章节，尤其让我印象深刻。我一直以为，宗教艺术仅仅是表达信仰的工具，但作者却通过对中世纪哥特式教堂的细致剖析，揭示了建筑本身是如何承载着神学思想的。那些高耸的尖顶，仿佛要刺破苍穹，与上帝对话；那些色彩斑斓的彩色玻璃窗，在阳光的照耀下，将圣经故事一一呈现，给虔诚的信徒带来精神的慰藉。我甚至能想象到，在那个黑暗的中世纪，这些宏伟的建筑不仅仅是宗教的场所，更是知识的殿堂，是普通人窥探神圣世界的一扇窗户。而当时间步入文艺复兴，教会的权力受到挑战，人文主义兴起，艺术家的创作重心也随之转移。他们开始关注人本身，关注世俗生活的美好，这又促使了绘画和雕塑题材的极大丰富。作者将这种社会思潮的变迁与艺术风格的演变如此紧密地联系起来，让我看到艺术背后更深层次的驱动力，而不仅仅是艺术家个人的才华。
评分坦白说，《时空中的美术》这本书，让我对“经典”有了全新的定义。我过去总是认为，那些流传下来的艺术名作，就是恒久不变的经典。但这本书却告诉我，经典之所以成为经典，不仅仅是因为作品本身的卓越，更因为它能够与不同时代的观众产生共鸣，能够在历史的长河中不断被重新解读和赋予新的意义。 书中关于“后现代艺术”的讨论，尤其让我感到振奋。我过去常常觉得，后现代艺术有些难以理解，甚至有些“怪异”。但作者却通过分析后现代艺术对传统艺术范式的解构与颠覆，揭示了它对当下社会现实的深刻反思。我开始理解，为什么艺术家们会运用拼贴、挪用、戏仿等手法，去挑战权威，去模糊艺术与生活的界限。这种对当下艺术的解读，让我看到了艺术在不断变化的世界中的生命力。
评分《时空中的美术》这本书，与其说是一本艺术史读物，不如说是一本关于“时间”如何塑造“美”的哲学随笔。我过去对艺术的认知，很大程度上停留在作品的“美学”层面，关注的是色彩、线条、构图的和谐。但这本书却引领我超越了这些表象，去探究艺术作品背后更深层的时间印记。 书中对于印象派绘画的分析，让我对“瞬间”有了全新的理解。我一直认为，印象派艺术家们捕捉的是光影的变幻，是自然景物的瞬间印象。但作者却指出，这种对“瞬间”的追求，恰恰是那个工业革命蓬勃发展，城市生活节奏加快的时代的产物。人们的生活变得匆忙，对视觉体验也提出了新的要求。印象派画家们用短促的笔触、鲜明的色彩，去记录那些转瞬即逝的景象，这与那个时代人们的心态形成了绝妙的呼应。我甚至能联想到，在19世纪的巴黎街头，马车匆匆而过，人群熙熙攘攘，而画家们则站在街角，用画笔捕捉下这些流动的光影，试图留住那个稍纵即逝的瞬间。这种将艺术创作置于具体历史语境中进行解读的方法，让我感到既有学术的严谨，又不失文学的感染力。
评分我之所以如此推荐《时空中的美术》这本书，是因为它 truly 颠覆了我对艺术的认知，而且是以一种我从未预料到的方式。它不仅仅是信息量的堆砌，更重要的是它提供了一种思考艺术的方式。 我非常喜欢书中将艺术作品与观众的“互动”放在一个重要的位置。我过去总是认为，艺术创作是艺术家单方面的行为，观众只是被动的接受者。但这本书却让我意识到，艺术的意义，很大程度上是在观众的解读和体验中形成的。不同时代的观众，带着不同的文化背景和生活经验去观看同一件艺术品，都会产生不同的感受和理解。这种“互动性”的强调，让我觉得艺术是活的，是不断与观众对话的。我甚至开始回想起自己观看某些画作时的感受，以及那些感受是如何随着我的成长而变化的。这种对观众能动性的强调，让我觉得这本书更加贴近我们的真实生活。
评分我对《时空中的美术》这本书的评价，可以用“豁然开朗”来形容。它并没有给我提供大量枯燥的史料，而是以一种非常生动、引人入胜的方式，带领我重新审视了艺术史。我过去常常觉得，艺术的演进是一种线性的、单向的发展，但这本书却让我看到了艺术之间的复杂联系，以及它们如何受到不同时空因素的影响。 书中关于“风格的变迁”那一部分，让我印象特别深刻。我以往认为，风格的改变往往是某个天才艺术家的出现，或者是某个运动的兴起。但作者却揭示了，许多风格的转变，其实是悄无声息的，是社会、技术、哲学思想等多种因素共同作用的结果。例如，在摄影术出现之前，绘画承担着记录现实的功能。但当摄影术成熟后，绘画的重心便开始转向表达情感和主观体验，这才有了抽象艺术的萌芽。这种对艺术史发展内在逻辑的深入挖掘，让我对艺术的演进有了更为辩证和深刻的理解。我不再将艺术史看作是一部简单的“杰作集”，而是看作一个充满活力、不断演变的有机体。
评分《时空中的美术》这本书，我读得很慢，因为它每一个章节都像一个引人入胜的故事，让我沉醉其中，反复回味。它让我意识到，艺术品不仅仅是静态的物质存在，它们更是其所处时代的精神载体，是凝固的历史瞬间。 我尤其喜欢书中关于“东方艺术与西方艺术的对话”那一章。我一直以来都对东西方艺术的差异感到好奇，但却缺乏一个清晰的理解框架。作者通过梳理自古以来，东西方艺术在思想观念、审美取向、技法表现等方面的相互影响和借鉴，为我打开了一扇新的大门。我开始理解，为什么中国的山水画讲究“气韵生动”，而西方的肖像画则更注重“形神兼备”；为什么日本的浮世绘会对欧洲印象派产生如此大的影响。这种跨文化的视角，让我看到了艺术的普遍性与多样性，也让我对不同文明的智慧有了更深的敬意。
评分时间的纪念碑，十二钗
评分可能是翻译语境的问题，有些内容不是太领会，但是画屏等文章真是让人眼前一亮！
评分废墟、时间纪念碑等几章新鲜且有趣，其他很多之前读过专著，内容有重复。部分学者中文名没有翻译，关于屏风的几章内容有重叠。
评分补标
评分时间的纪念碑，十二钗
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