中国古代瓷器鉴赏辞典 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:新华出版社

作者:余继明

出品人:

页数:51,340页

译者:

出版时间:1992

价格:30.90

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isbn号码:9787501116379

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东方神韵：中国古典园林艺术的千年流变 图书简介 本书旨在深入剖析中国古典园林艺术自萌芽至鼎盛，直至近代演变的全过程。我们不聚焦于任何单一的艺术门类，而是将目光投向这片独具东方哲思的“凝固的诗歌”与“流动的山水”。全书以宏大的历史叙事为骨架，以精微的造园思想为血肉，力图呈现中国园林艺术的独特审美体系、地域风格差异及其背后深厚的文化内涵。 第一部：源起与雏形——自然模仿的初始探索 中国古典园林并非凭空出现，其根源可追溯至先秦时期的贵族狩猎园囿与隐逸山林的思想。本部分将考察上古“囿”和“苑”的形制演变，阐释古代帝王对自然景物的占有欲与模拟自然初期的朴拙美学。重点探讨先秦道家思想，特别是庄子“逍遥游”对后世文人园林中追求“真趣”与“天人合一”境界的奠基性影响。我们将细致梳理秦汉时期宫苑的规模与功能，如阿房宫苑囿、未央宫离宫，分析其军事防御功能与礼仪象征意义，并引入对汉代神仙思想——“方丈、瀛洲”的模拟，作为古典园林中虚构仙境营造的早期样本。 第二部：魏晋风度与宗教影响——审美觉醒与山水意境的构建 魏晋南北朝是古典园林审美观念发生质变的时期。一方面，士族阶层对山水的迷恋达到了前所未有的高度，竹林七贤的“清谈”与对自然野趣的推崇，直接催生了注重个体情感表达的小型私家园林。本部分将深入分析这一时期文人士大夫对“清、幽、淡、远”境界的追求，并着重探讨佛教传入对园林空间布局的间接影响——例如，寺庙的禅定空间对后世园林中静谧水景和框景处理的启发。我们将引用谢灵运的诗句，阐释“缘情填景”的创作手法如何将主观情感投射于客观山水之中，标志着中国园林从纯粹的实用性向纯粹的艺术性转化的关键一步。 第三部：唐宋鼎盛——皇家气派与文人情趣的交融 唐代是中国园林艺术的第一个高峰期，其特点是气魄宏大与意境深远并存。本书将详细描绘大明宫太液池、兴庆宫沉香亭等皇家园林的恢弘格局，分析唐代对异域（如南海、西域）物种的引进与造景技术的提升。重点将放在宋代，宋代是私家园林真正成熟的时期，理论体系开始建立。我们将聚焦于苏轼、米芾等文人对“借景”和“咫尺之内再造乾坤”的理论贡献，探讨宋徽宗时期园林艺术与书画、文学的深度结合。例如，如何通过叠石、理水（特别是湖泊的开凿与驳岸处理）来模仿宋人画卷中“平远、高远、深远”的视觉效果。 第四部：明清集大成——流派纷呈与工艺的极致 明清两代是中国古典园林艺术风格的定型期，此时形成了以江南园林（如苏州园林）为代表的精细婉约派和以北方园林（如皇家园林）为代表的恢弘规范派。 江南园林的精致化： 本部分将细致剖析“咫尺山林”的艺术手法，着重分析如下几个方面： 1. 空间处理： 运用漏窗、花墙、游廊，打破封闭感，实现空间层次的叠宕起伏。 2. 水体哲学： 分析江南园林对“活水”的追求，如何通过曲折的水道营造“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”的体验。 3. 意境营造： 以拙政园、留园、网师园为例，解读其如何通过匾额、楹联、诗词，将文人哲理巧妙融入建筑装饰与景观小品之中。 北方园林的规范化： 对颐和园、圆明园等皇家园林，重点分析其对称轴线、中轴线上的殿宇建筑群与两侧园林景观的有机结合，探讨其礼制功能与权势象征意义。 第五部：工艺技术与元素解析 本章将独立于历史脉络，对构成中国园林的几大核心要素进行技术和艺术层面的解析，以揭示其“可解构”的内在逻辑： 叠石艺术： 探讨太湖石、灵璧石的采石背景、审美选择（如“瘦、透、漏、皱”），以及堆叠技艺（如“干山”与“湿山”）与力学平衡。 理水工艺： 分析驳岸的技法（如“抛撒法”、“叠砌法”），水池的深度控制，以及引入活水、循环水系统的工程学考量。 植物配置： 探讨中国园林中植物的象征意义（如松、竹、梅的“岁寒三友”），以及如何通过花木配置实现四季有景的动态变化。 建筑构件： 详述月洞门、景墙、亭、轩、榭的结构特点及其在框景、对景、障景中的功能性作用。 第六部：近代转型与当代遗产保护 清末民初，西方园林思想的传入对传统园林构成了冲击。本章将探讨传统园林在面对现代化进程中的挣扎与适应，分析部分近代园林中出现的折衷主义风格。最后，本书将回归当代，讨论中国古典园林作为世界文化遗产所面临的保护挑战，包括材料老化、环境污染以及如何平衡历史真实性与现代景观需求之间的关系，以期为传承和弘扬这一独特艺术形式提供理论支撑。 本书特色： 本书超越了简单的园林图录或断代史梳理，它将园林视为一个综合性的文化载体，贯穿着哲学、文学、绘画、建筑、水利工程等多重学科知识。全书语言力求学术性与可读性并重，通过详实的案例分析和对古代文献的引用，为读者构建一个立体的、可感知的中国古典园林艺术世界。

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坦白讲，我是一位对传统工艺有着近乎痴迷的“细节控”，而这本书恰恰满足了我这种近乎苛刻的求知欲。它不仅仅是介绍“青花”和“粉彩”，而是深入剖析了钴料的产地来源、不同烧制温度对蓝色的影响，甚至提到了不同时期对进口苏麻离青和国产料的混合使用策略。最让我佩服的是，它对一些非常小众但极具学术价值的瓷种也有所涉猎，比如一些早期藩属国或边疆地区的仿制瓷，这些内容在其他主流鉴赏书籍中往往被一带而过。这种“不放过任何一个角落”的学术精神，让整部作品的覆盖面达到了一个惊人的广度与深度。我特别喜欢其中关于“器物造型演变与社会需求”的论述，它将审美从孤立的艺术品分析中解放出来，置于更广阔的社会背景下考察。比如，元代大件器物增多的原因，与当时游牧民族文化对宏大器皿的偏好不无关系，而明清时期对瓶、尊造型的细微调整，则反映了宫廷礼制和文人生活情趣的变化。阅读这本书，就像是跟随一位学识渊博的导师，沿着历史长河溯流而上，亲眼见证那些穿越千年依然熠熠生辉的瓷器艺术是如何诞生、兴盛并最终影响世界的。

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说实话，我买这本书的初衷是想找一本能快速查阅、解决燃眉之急的“字典”式工具书，没想到它带来的却是深度的沉浸体验。我原本以为“辞典”这个词意味着条目罗列、枯燥乏味，但这本书的结构设计非常巧妙。它不仅收录了从新石器时代陶器到清代彩瓷的几乎所有重要门类和品种，更难得的是，它对每类瓷器的“铭款”和“底足处理”做了极其详尽的图文分析。我曾被一件明代青花瓷的款识困扰多年，市场上各种说法都有，但这本书里清晰地展示了永乐和宣德年间款识的笔法差异，以及不同时期落款位置的变化规律。这种注重“细节中的魔鬼”的编辑理念，极大地增强了本书的权威性和实用性。它不仅仅是告诉你“这是什么”，更重要的是告诉你“为什么是这样”，甚至包括不同地域的工匠在烧制特定品种时，所采用的特定配方和烧制温度范围的理论推测。这种知识的密度和严谨性，让这本书超越了普通收藏指南的范畴，更像是一部微观的陶瓷工艺史。每次翻到涉及具体纹饰的章节，我都会忍不住停下来，去揣摩那些匠人是如何将神话传说、山水花鸟，通过釉下彩或釉上彩的方式，赋予冰冷的瓷胎以生命力的。

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这本书的排版设计，说实话，一开始让我有些许疑虑，因为它非常厚重，内容也极其庞杂，担心阅读起来会显得笨拙。但实际使用中发现，这套设计团队显然是下了大功夫的。每一页的布局都清晰得如同科学图谱，即便是跨页展示一件大型的梅瓶或琮式瓶时，图像的衔接也处理得毫无违和感。而且，它的索引系统做得极其人性化。我可以直接通过“年代”、“窑口”、“器型”甚至“纹饰名称”进行多维度检索，这对于像我这样偶尔需要快速确认某个术语或特定器物特征的人来说，简直是效率的保证。我最近在整理家中几件不太确定的老物件，这本书的“瑕疵与作伪辨识”部分成了我的秘密武器。它不像有些鉴赏书籍只罗列“应该是什么样”，而是详细展示了“模仿者容易犯错的地方”。比如，对于釉面缩孔、胎土淘洗程度不到位等技术性缺陷的描述，非常具体，甚至配有微距放大的示意图。这种注重实战经验的编写手法，让这本书的使用价值大大提升，它已经从一本单纯的知识书，变成了一本实用的“工作手册”。

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这本厚重的工具书摆在我的书桌上，光是掂量一下它的分量，就知道里面必然是乾坤浩瀚。我一开始是抱着学习的心态去翻阅的，想系统梳理一下中国陶瓷史的脉络。没想到，它的编排方式出乎意料的实用和直观。书中对于不同时期、不同窑口的特征描述，简直就是为我们这些初学者量身定做的“暗号表”。比如，当我看到关于宋代五大名窑的介绍时，那种对釉色细微差异的捕捉，简直令人叹为观止。哥窑的“金丝铁线”，汝窑的“雨过天青云破处”，文字的描绘已经足够生动，更关键的是，配图的质量极高，不同光线下对釉面光泽的还原度非常准确。我记得有一次去参加一个民间藏品交流会，对着一个貌似“官窑”的器物犯了难，回来后对照书里关于官窑开片特征的详细图解和说明，才发现自己对“厚釉”的理解还停留在表面。这本书不是那种故作高深的学术著作，它更像是一位经验丰富的老行家，耐心地手把手教你如何分辨真伪、如何欣赏那些隐藏在繁复花纹背后的时代精神。每一次翻阅，都能发现新的细节，感觉自己的“火眼金睛”又提升了一个档次。那种通过文字触摸历史、通过图像洞察工艺的满足感，是其他艺术类书籍难以比拟的。

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对于一个对中国传统美学抱有浓厚兴趣的爱好者来说，这本书简直就是打开了通往一个绚烂的色彩与造型殿堂的大门。我最欣赏的一点是，它没有将鉴赏局限于技术层面，而是深入挖掘了不同历史时期审美趣味的变迁。例如，唐三彩的富丽堂皇与宋代极简主义的内敛含蓄形成了鲜明的对比，书中对这种“时代精神”的提炼非常到位。我记得有一章专门讲“明清官窑的装饰主题”，从早期对道教、佛教符号的偏爱，到后期对世俗生活场景和吉祥纹饰的大量运用，这种文化脉络的梳理，让人在欣赏精美瓷器的同时，也能感受到中国社会数百年来的思想流动。更让我惊喜的是，书中还涉及了大量“外销瓷”的内容，分析了欧洲贵族对东方审美的接受和改造过程，这让我对瓷器在全球贸易史中的地位有了更立体的认识。读完相关章节后，我再去观看博物馆里的陈列，眼光不再只是停留在器物的完整性上，而是会去思考：这件器物上的龙纹，是承袭了元代那种霸气的风格，还是已经开始走向清代那种工笔细致的风格？这种带着历史感和文化穿透力的阅读体验，是无价之宝。

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