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出版者:湖南美术出版社

作者:马永建

出品人:

页数:299

译者:

出版时间:2018-4

价格:78

装帧:平装

isbn号码:9787535680143

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《古典雕塑的秘密：从雅典到文艺复兴的形体叙事》 这是一部深入探讨西方古典雕塑发展脉络的权威著作。 本书旨在超越单纯的艺术史罗列，聚焦于古典时期雕塑如何通过对人体、神祇和叙事手法的革新，构建起一套完整而富有生命力的视觉语言体系。我们将一同揭开那些沉默的石头和青铜背后，隐藏的哲学思考、社会结构以及艺术家们对于“完美”不懈的追求。 第一部分：黄金时代的荣光——希腊雕塑的诞生与成熟 (约 450 字) 第一章：从僵硬到生命的觉醒：古风时期与严峻时期的过渡 我们将首先追溯雕塑艺术的源头。从埃及影响下的古风时期（Archaic Period）的“库罗斯”（Kouros）和“科瑞”（Kore）的程式化微笑与正面性，到公元前五世纪中叶，波留克列特斯（Polykleitos）提出“律动”（Symmetria）概念的革命性突破。重点分析《掷铁饼者》如何首次实现了对动态平衡的精准捕捉，以及“古典平衡”在宁静外表下蕴含的内在张力。 第二章：巅峰的演绎：盛期古典的理想主义与人性化 盛期古典（High Classical Period）是希腊雕塑的巅峰。菲狄亚斯（Phidias）在帕特农神庙上的创作，如何将神祇塑造成具有崇高威严而又可感知的完美人类形态。本章将深入剖析“湿衣褶”技法（Wet Drapery）对身体形态的强调作用，以及雕塑如何从对“神性”的描绘，转向对“英雄主义”和“理想人性”的颂扬。 第三章：情感的涌动：晚期古典与希腊化时期的戏剧性 公元前四世纪，雕塑开始转向对个体情感和更复杂叙事的表达。普拉克西特列斯（Praxiteles）的柔和曲线（如《克尼多斯的阿佛洛狄忒》）标志着一种新的“感性美”的出现。随后，亚历山大大帝后的希腊化时期（Hellenistic Period）带来了前所未有的情感冲击。《萨莫色雷斯的胜利女神》的动态气势、《拉奥孔群像》的痛苦挣扎，都展示了雕塑如何成为承载宏大戏剧冲突的媒介，并开始关注边缘人物和衰老、病态等“非理想”题材。 第二部分：帝国的镜像——罗马雕塑的实用性与肖像的权力 (约 400 字) 第四章：从模仿到征服：伊特鲁里亚与罗马共和时期的真实记录 罗马雕塑的起点是对希腊艺术的继承与改造。本章对比了希腊的理想化肖像与罗马共和时期（Republican Rome）对手部“真实性”（Verism）的偏好。我们将研究“头颅肖像”（Imagines Maiorum）如何在政治和社会层面发挥作用，即通过夸张的皱纹和坚毅的表情，来彰显家族的德行与历史的厚重。 第五章：帝国叙事：浮雕中的历史与权力宣示 罗马雕塑的核心成就之一在于其纪念性建筑上的浮雕叙事。我们将详细解读图拉真纪功柱（Trajan's Column）的连续螺旋叙事，以及安敦宁·皮乌斯神庙的祭祀浮雕。这些作品并非简单的历史记录，而是经过精心编排的政治宣传，旨在构建一个稳定、有序且拥有天命的帝国形象。 第六章：皇帝的形象工程：从奥古斯都到君士坦丁 罗马皇帝的肖像被视为国家权力的延伸。分析奥古斯都（Augustus of Prima Porta）如何巧妙地融入希腊古典元素来包装其军事和神圣地位，以及雕塑如何随着帝国后期的转型，逐渐从追求写实转向带有象征主义和仪式感的表达。 第三部分：传统的复兴与蜕变——中世纪前的回响 (约 350 字) 第七章：古典的消逝与转译：早期基督教与拜占庭的符号学 随着古典文明的衰落，雕塑的重心从三维的实体转向二维的叙事平面。本章探讨古典技艺如何在早期基督教艺术中被“驯化”和“符号化”。石棺浮雕中对人物比例的简化、对空间透视的放弃，以及对精神性叙事的强化，预示着中世纪艺术的到来。 第八章：拜占庭的辉煌：珠宝镶嵌与金属浮雕的精微世界 拜占庭帝国（Byzantine Empire）的雕塑遗产主要体现在小型工艺品和金属浮雕中。我们将考察象牙雕刻、金银器皿上的微型浮雕，它们如何继承了希腊化时期的细腻刻画能力，但完全服务于神学教义，强调圣徒和君王的“不朽光环”。 第四部分：文艺复兴的再发现——古典精神的回归与超越 (约 300 字) 第九章：人文主义的曙光：雕塑家对人体解剖学的“科学”回归 文艺复兴（Renaissance）标志着对古典原典的全面回归。多那太罗（Donatello）如何通过其《大卫》重新发明了裸体雕塑，融合了古典的比例与哥特式的忧郁。本章聚焦于艺术家们如何结合新发现的古罗马遗迹和新兴的人文主义哲学，将雕塑从建筑的附属品中解放出来。 第十章：盛期文艺复兴的完美主义：米开朗基罗的“未完成”与“精神” 米开朗基罗（Michelangelo）的出现将古典雕塑推向了新的高潮。我们将细致分析《大卫》如何超越了希腊的理想美，注入了强烈的意志和内在冲突；《摩西》如何体现了“内在精神的外化”。同时，我们将探讨他那著名的“未完成”（Non-finito）作品，它们如何揭示了艺术家在试图从石块中解放形体的过程中所经历的挣扎与形而上的追求。 --- 总结： 本书不仅是一部风格分析的指南，更是一部关于人类如何通过石头和铜来定义自身、组织社会、表达信仰和追求永恒之美的编年史。它将引导读者以全新的视角，重新审视那些被我们视为“经典”的作品，理解它们是如何一步步从神性的象征，蜕变为充满人性光辉的艺术成就。我们关注的焦点是“形体叙事”的演变，而非当代的媒介实验或装置艺术的抽象表达。

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初次接触《当代艺术20讲》，我的第一感觉是，这本书的题目颇具野心，涵盖“20讲”的内容，很容易让人联想到一场系统的、深入的学术讲座。然而，实际阅读过程中，我发现它所呈现出的，远不止于课堂上的条条框框。作者以一种极为灵活且富有感染力的方式，将纷繁复杂的当代艺术概念，梳理得条理清晰，仿佛一位经验老到的策展人，为读者精心策划了一场别开生面的艺术之旅。 书中对于艺术史上的关键转折点以及涌现出的重要流派，都有着精准而生动的描绘。我尤其欣赏作者在分析作品时，那种不拘泥于单一维度的视角。他会同时考量作品的视觉语言、媒介创新、观念表达，以及它们所处的社会、政治、经济语境。这种全局观，使得读者能够全面地理解一件作品的生成机制和多重意义，而不仅仅是停留在表面的视觉冲击。 更难能可贵的是，作者在阐述过程中，穿插了许多鲜活的案例和趣闻轶事，将那些原本可能被认为严肃刻板的艺术史事件，变得生动有趣。读到某些片段时，我甚至会忍俊不禁，仿佛身临其境地感受到了艺术家们创作时的灵感火花，以及他们所面临的挑战与挣扎。这种人性化的叙事，极大地拉近了读者与艺术之间的距离。 这本书的语言风格也堪称一大亮点。它既有学术的严谨性，又饱含文学的诗意。作者善于运用丰富的词汇和精妙的修辞，将抽象的艺术理念具象化，让读者在轻松愉悦的阅读体验中，潜移默化地吸收知识。我常常在读到某个精彩的段落时，忍不住反复品味，并将其中的观点与我日常所见所闻联系起来。 总体而言，《当代艺术20讲》不仅为我提供了一个了解当代艺术的窗口，更重要的是，它激发了我深入探索的兴趣。它不仅仅是一本“介绍书”，更是一本“启迪书”，它教会我如何去“看”艺术，如何去“想”艺术，以及如何将艺术的视角融入到对世界的理解之中。它让我明白，当代艺术并非遥不可及，而是与我们每个人都息息相关。

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拿到《当代艺术20讲》这本书，我本来抱着一种“旁观者”的心态，打算借此来“了解”一下当代艺术，但没想到，它却以一种极其个人化和深入骨髓的方式，改变了我对艺术的认知。这本书并不是简单地罗列作品和艺术家，而是更像一场与艺术史对话的旅程，而且这场对话，充满了智慧的火花和情感的共鸣。 作者的写作视角非常独特，他并不回避当代艺术中那些可能令人感到困惑甚至排斥的部分，而是以一种近乎“辩护”的姿态，试图去解读其中的逻辑和价值。他会深入挖掘艺术家创作背后的动机，以及这些作品如何挑战了传统的审美观念，又如何反映了当下社会中种种复杂而深刻的问题。我尤其喜欢他对于一些“争议性”作品的解读，他并没有急于下定论，而是提供了一种理解的维度，让我能够站在更高的角度去审视。 书中对于不同艺术媒介和表现手法的讲解，也非常细致到位。从绘画、雕塑到装置、影像，再到行为艺术，每一个环节都涉及得恰到好处。作者不仅仅是描述这些媒介的特点，更重要的是，他会分析艺术家是如何利用这些媒介来传递信息，以及这些媒介本身又蕴含着怎样的艺术史意义。这种对细节的关注，让我对各种艺术形式有了更清晰的认识。 而且，这本书的叙事节奏把握得非常好，既有引人入胜的故事性，又不失学术的严谨性。作者在讲解过程中，常常会引入一些相关的历史事件、社会思潮，甚至是哲学理论，将艺术置于一个更广阔的文化背景下去解读。这种跨学科的视野，极大地拓展了我对当代艺术的理解边界。 我感觉，这本书不仅仅是教会了我“知道”当代艺术是什么，更重要的是，它教会了我“感受”当代艺术。它让我意识到，艺术不仅仅是视觉的享受，更是思想的碰撞，是情感的表达，是与时代对话的一种方式。读完这本书，我不再仅仅是一个旁观者，而是开始尝试去成为一个更积极的参与者，去思考，去感受，去与这个精彩的艺术世界建立更深层次的联系。

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初拿到《当代艺术20讲》这本书，说实话，我心里还是有点忐忑的。我对当代艺术的印象，大多来自于新闻报道里那些常常让人摸不着头脑的作品，总觉得它跟我的生活有点距离，似乎是属于少数“懂行”的人的领域。但翻开这本书，我发现我的担忧完全是多余的。这本书的写作方式非常接地气，作者不是高高在上地讲授，而是像一个耐心的朋友，用一种非常平易近人的语言，一点一点地剖析那些看似复杂难懂的艺术现象。 书中对于一些知名艺术家的作品解读，尤其让我印象深刻。他会从作品的材质、构图、色彩入手，然后深入到作品所反映的社会现实、文化背景，甚至艺术家的个人经历。这种多角度的分析，让原本可能显得“高冷”的作品，一下子变得鲜活起来，我开始能够理解艺术家为什么会选择这样的表达方式，以及这些作品是如何与我们所处的时代产生共鸣的。 特别让我惊喜的是，作者在讨论一些比较前卫的艺术形式时，并没有简单地给出结论，而是鼓励读者去独立思考，去形成自己的判断。他会提出一些非常有启发性的问题，引导你去探索作品的更多可能性，这种开放式的讨论，让我觉得这本书不仅仅是在传授知识，更是在培养一种批判性思维的能力。 而且，这本书的排版设计也非常考究，精美的插图搭配恰到好处的文字，让阅读体验非常愉悦。每次翻开，都能在视觉和文字上获得双重享受。很多时候，我会被一幅画吸引，然后作者的解读又恰好点出了我心中模糊的感受，这种“心有灵犀”的感觉，真的非常棒。 总的来说，《当代艺术20讲》这本书，不仅仅是一本关于当代艺术的入门读物，更像是一场关于视觉文化和时代精神的深度对话。它帮助我打破了对当代艺术的刻板印象，让我看到了艺术的无限可能，也让我对自己身处的时代有了更深刻的认识。它就像一盏明灯，照亮了我对艺术探索的道路，让我愿意继续在这个充满惊喜的领域里不断前行。

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《当代艺术20讲》这本书，在我手中仿佛变成了一个可以穿越时空的“任意门”，每一次翻开，都可能被带到某个充满奇思妙想的艺术现场。作者的笔触，不像很多学术著作那样冰冷干燥，而是充满了人性的温度和对艺术的赤诚热爱。他不仅仅是在介绍艺术作品，更像是在与读者分享他心中那些触动人心的艺术瞬间。 书中对于一些艺术家的创作历程和他们所经历的挑战，有着非常细腻的描绘。我尤其被那些在不被理解的孤独中坚持创作的艺术家所打动。作者通过他们的故事，让我看到了艺术背后的坚持与不易，也让我明白了，很多伟大的艺术作品，并非一蹴而就，而是经历了一个漫长而艰难的孕育过程。 让我感到特别受用的，是作者在解释一些抽象概念时的独到之处。他不会生硬地抛出定义，而是通过一系列富有逻辑的论证和生动的比喻，将那些晦涩难懂的艺术理论，化解得通俗易懂。我经常会在读到某个段落时，豁然开朗，仿佛脑海中原本模糊的光点，突然汇聚成了一束清晰的光芒。 而且，这本书的章节编排也非常有意思。虽然是“20讲”，但每讲之间并没有生硬的界限，而是像河流一样，自然地流淌，相互呼应。你会发现，前一讲的某个观点，在后一讲中得到了进一步的深化和拓展，形成了一个有机整体。这种连贯的学习体验，让我感觉像是在搭建一座知识的城堡，每一块砖石都稳固而有序。 读完这本书，我感觉自己对当代艺术的理解，不再是停留在“看热闹”的层面，而是上升到了“看门道”的层次。我学会了如何去审视作品背后的思想，如何去感受艺术家想要传达的情感，以及如何去理解艺术在当下社会中所扮演的角色。这本书就像一个忠实的伙伴，陪我一起探索艺术的奥秘，让我对这个充满无限可能的领域，充满了敬畏和好奇。

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这本书的名字叫《当代艺术20讲》，我拿到手的时候，其实对“20讲”这个概念还有点模糊，以为是那种一讲一讲特别独立的，可能不太连贯。但翻开之后，惊喜连连。它不是那种干巴巴的理论堆砌，而是像一个经验丰富的向导，带着你一步步走进那个五彩斑斓又时而令人困惑的当代艺术世界。一开始，我担心自己没有太多艺术史基础，会不会看不懂，但作者的语言非常亲切，避免了大量晦涩的术语，而是用了很多生动的比喻和生活化的例子，让你一下子就能抓住核心。 比如，讲到某个艺术家如何运用日常物品来表达深刻的社会议题时，我突然觉得，艺术离我原来想象的那么遥远。作者并没有停留在介绍作品本身，更重要的是，他会引导你去思考，为什么艺术家要这样做？他想传达什么？这个作品在当时的社会背景下又有什么意义？这种层层递进的解读方式，让我感觉自己也在参与到艺术的对话中，而不是被动地接受信息。 而且，这本书的结构也非常巧妙。虽然叫“20讲”，但它并不显得零散，反而有一种内在的逻辑线索。你会发现，前面讲到的某个概念，在后面又会被巧妙地提及和延伸，形成一个完整的知识网络。这种循序渐进的学习体验，让我在不知不觉中，对当代艺术的各种流派、重要事件和关键人物都有了更深入的了解。 更值得一提的是，作者在字里行间透露出的那种对艺术的热情和洞察力，真的会感染到你。你不会觉得这是在读一本教科书，更像是和一位博学多识的朋友在进行一次深入的交流。他会分享自己对作品的理解，也会提出一些引发思考的问题，让你忍不住要停下来，自己也去琢磨琢磨。 读完之后，我感觉自己看艺术展的眼光都变了。以前可能就是走马观花，看到一些奇形怪状的东西就过去了，现在则会尝试去理解作品背后的故事和意图，甚至能和身边的朋友聊上几句关于艺术的看法。这本书就像一把钥匙，为我打开了一扇了解当代艺术的大门，让我对这个领域充满了好奇和探索的欲望。

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感觉是《当代艺术的主题》内容的扩充，但是语言更精简，流畅好读，记录了大量的艺术家和代表作（带图片，还是彩图）

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马永建总是能用清晰的逻辑，精妙的语言把复杂的事情说得简单而清楚。

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现代艺术鼻祖马塞尔杜尚，后现代艺术鼻祖博伊斯都有讲到。但是当代艺术被认为是鼻祖的森达达却什么也没说过。我不知道是国内外对这一点有偏见，还是涉及到了那种政治上的“禁地”。看完了发现以前对现代艺术的很多方面都不是很了解，现在略有理解。就如书里写到的“块茎”结构，当代艺术呈现出一种无规律，无统一的方向。最后引用一句话，当今的艺术，什么都是，谁都能做，却无人能评价。

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简明深入的讨论了各个流派以及发展史。涵盖的范围比较广。但是整个书的脉络不是很清楚。是时间还是？森村泰昌对西方名画的挪用和调侃很有新意，也透出作者对日本文化的自信。当代艺术从观念出发，淡化形式，是当代艺术的一个特征。

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稍显学术，个人认为太一本正经了，与现代艺术的气质显得格格不入，说起来内容还是不错