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☆☆☆☆☆

出版者:中国传媒大学出版社

作者:汪方华

出品人:

页数:346

译者:

出版时间:2008-9

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787811272017

丛书系列:

图书标签:

• 电影
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现代电影：不止是光影的交织，更是时代的镜鉴 《现代电影》并非一本枯燥的电影理论解析手册，它更像是一扇通往二十世纪末至今，影像世界变革与创新的窗口。本书将带领读者一同穿越光影的洪流，深入探寻那些塑造了我们今日观影体验的艺术思潮、技术突破以及叙事革新。它并非要梳理一部部影片的脉络，而是试图挖掘那些潜藏在镜头背后，推动电影向前发展的核心动力。 一、后古典主义的浪潮：质疑与重塑叙事结构 二十世纪末，伴随着后现代思潮的兴起，电影的叙事方式也迎来了前所未有的挑战。传统的线性叙事、宏大主题以及清晰的人物弧光，开始被解构、颠覆。《现代电影》将重点关注这一时期的“后古典主义”浪潮，分析其如何通过非线性叙事、破碎的时间线、模糊的人物动机以及对“真相”的质疑，来反映社会现实的复杂与多元。 我们将深入探讨非线性叙事的多种形式，例如闪回（flashback）与闪前（flashforward）的巧妙运用，蒙太奇的非传统组合所带来的情感冲击，以及如何通过多视角叙事来打破单一的叙事权威。例如，一些影片通过主人公记忆的片段化呈现，模糊了现实与回忆的界限，迫使观众主动参与到对故事的构建中。另一些作品则采用了“碎片化”的叙事结构，将零散的事件、人物关系编织在一起，挑战观众的逻辑推理能力，从而产生一种独特的观影体验。 本书还会剖析后古典主义如何颠覆了经典英雄主义叙事。传统的英雄人物往往拥有清晰的目标、坚定的信念和明确的善恶二元对立，而后古典主义则塑造了更多“反英雄”或“普通人”的角色。他们的动机可能更加模糊，行为可能游走在道德边缘，甚至他们的“胜利”也可能伴随着巨大的代价或虚无的空虚。这种对人性复杂性的挖掘，是对现实世界中个体困境的深刻写照。 此外，后古典主义电影还常常对宏大叙事和意识形态进行反思。它们可能不再歌颂民族主义、个人奋斗的传奇，而是关注个体在社会结构中的迷失、异化，以及对权力、资本的质疑。这种叙事转向，反映了后工业社会中个体存在的焦虑感和对确定性价值的怀疑。 二、技术革命的驱动：数字时代的视觉奇观与表达可能 数字技术的崛起，无疑是现代电影发展史上最 the 重要的变革之一。《现代电影》将系统性地探讨 CGI（计算机生成图像）、数字摄影、立体声技术以及后期制作的革新，如何彻底改变了电影的视觉呈现和创作边界。 本书将详细阐述 CGI 技术如何从最初的辅助手段，发展成为影片的核心视觉元素。从《侏罗纪公园》中栩栩如生的恐龙，到《阿凡达》中构建的潘多拉星球，《现代电影》将分析 CGI 如何突破了物理限制，为电影带来了前所未有的想象空间，创造出令人惊叹的视觉奇观。但这并非简单的技术炫耀，我们将更关注 CGI 如何被运用到叙事中，例如通过数字角色赋予影片情感深度，或通过数字场景烘托人物的心理状态。 数字摄影的普及，也为电影带来了新的美学可能性。低光照条件下的拍摄、更自由的运镜方式、以及对色彩的更精细控制，都使得影片的视觉风格更加多样化。《现代电影》将探讨数字摄影如何影响了影片的质感，例如某些影片通过颗粒感来营造复古氛围，或通过高饱和度色彩来凸显戏剧冲突。 3D 技术的回归与发展，是数字时代另一项引人注目的技术革新。《现代电影》将分析 3D 技术如何被运用到叙事中，它所带来的空间感和沉浸感，如何被用来增强观众的代入感，或创造出独特的视觉风格。当然，本书也会探讨 3D 技术在应用中遇到的挑战，以及它与叙事融合的平衡性问题。 后期制作的革新，包括数字剪辑、声音设计、以及色彩校正，都为电影创作者提供了更强大的工具。《现代电影》将分析这些技术如何提升了影片的节奏感、情感张力以及整体的艺术表现力。例如，精确的声音设计如何营造出令人窒息的紧张氛围，而细致的色彩校正则如何影响观众的情绪和对影片主题的理解。 三、类型片的演变与杂糅：跨越界限的创意表达 在现代电影的发展过程中，类型片的边界变得越来越模糊，不同类型之间的杂糅与创新成为常态。《现代电影》将深入分析这一现象，探讨科幻、奇幻、惊悚、动作、喜剧等类型如何相互渗透，催生出全新的电影形式。 我们将看到，科幻片不再仅仅是关于未来世界的畅想，而是深入探讨人工智能、基因工程、虚拟现实等前沿科技对人类社会和伦理道德的影响。奇幻片则不再局限于童话般的想象，而是融入了更黑暗、更成人化的主题，例如对权力、欲望的探索。 惊悚片和恐怖片在追求感官刺激的同时，也开始关注心理层面的恐惧，探讨人性的阴暗面和社会的病态。动作片则在追求更宏大的场面和更复杂的编排，同时也在努力融入更具深度的叙事和人物塑造。 《现代电影》将特别关注“类型杂糅”的现象，例如“科幻惊悚”、“奇幻冒险”、“黑色幽默喜剧”等。这些跨类型作品通过融合不同类型的元素，往往能创造出意想不到的艺术效果，打破观众的固有认知，带来新鲜的观影体验。例如，一部影片可能以科幻设定为背景，却有着如侦探小说般的叙事结构，同时又包含着充满哲思的对话。 这种类型片的演变和杂糅，并非简单的拼凑，而是对电影语言的不断探索和拓展。它反映了创作者在日益多元化的文化语境下，对叙事模式和表达方式的自由尝试，也满足了观众对不断创新和惊喜的需求。 四、全球化视野与文化碰撞：跨越国界的影像对话 全球化浪潮深刻地影响了现代电影的创作与传播。《现代电影》将审视这一进程，分析不同文化背景下的电影如何相互影响，以及跨国合作与文化交流为电影艺术带来的新活力。 本书将探讨好莱坞电影在全球范围内的影响力，以及其他国家和地区的电影如何以其独特的视角和叙事方式，在全球银幕上占据一席之地。例如，亚洲电影（如韩国、日本、印度）在叙事风格、视觉美学以及对社会议题的关注上，为全球电影带来了新的灵感。欧洲独立电影则以其深刻的人文关怀和独特的艺术探索，持续吸引着全球观众。 《现代电影》还会关注跨国合作的案例，分析不同文化背景下的电影人如何合作，共同打造具有全球吸引力的作品。这种合作不仅带来了技术和资源的共享，更促进了不同文化价值观的碰撞与融合。 同时，本书也将审视全球化背景下，电影所面临的文化挑战。例如，如何在保持文化独特性和原创性的同时，满足全球市场的需求？如何避免文化霸权和刻板印象的传播？这些都是现代电影需要不断思考和回应的问题。 五、主题的深化与反思：时代精神的影像回响 现代电影不仅仅是视听的盛宴，更是时代精神的折射。《现代电影》将聚焦于那些反映当代社会热点、挑战传统观念、引发深刻思考的主题。 我们将深入探讨人工智能与人类关系的议题，例如《她》中人机之间的情感纠葛，《西部世界》中关于意识觉醒的讨论。环境危机、气候变化等议题也 increasingly 成为电影关注的焦点，例如《后天》对极端天气的预警，《雪国列车》对资源枯竭的隐喻。 社会不公、贫富差距、身份认同等问题，也在现代电影中得到广泛的呈现。例如，一些影片通过描绘底层人物的生存困境，揭示社会阶层固化的问题；另一些影片则探讨性别、种族、性取向等议题，倡导多元包容的价值观。 《现代电影》还会关注那些对历史进行重新审视和解读的作品，它们可能以新的视角来呈现过去，挑战主流叙事，引发观众对历史的思考。同时，对未来进行大胆想象的作品，也展现了人类对未知世界的探索和对自身命运的追问。 总而言之，《现代电影》旨在提供一种对当下影像艺术的全面而深入的理解。它不是简单地罗列影片，而是试图揭示那些推动电影向前发展的力量，分析技术、叙事、文化和主题之间的复杂关系。通过阅读本书，读者将不仅能够更深刻地欣赏那些触动心灵的影像作品，更能理解电影如何作为一种强大的媒介，映照并塑造着我们所处的时代。

评分☆☆☆☆☆

大学图书馆里面所有关于电影的书籍我都看了一遍 这本书是为数不多的看了好几遍的 作为选片时的参考非常不错 对导演和片子的分类与分析都很到位 印象最深的是关于奥利弗斯通的那一段吧 《天生杀人狂》和《不准掉头》的影评用词非常之精准 很多电影的镜头分析也很好 这本书里...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

这本册子（我更愿意称之为册子，因为它感觉更像是一本精心编辑的资料汇编，而非传统意义上的“著作”）对于色彩的分析简直达到了痴迷的程度。它完全绕开了我们通常认为的“红-热情，蓝-忧郁”这种简单的符号学解读，转而从摄影机的滤镜选择、冲印技术，乃至于特定时代剧院灯光的物理特性来探讨色彩的情绪光谱。其中有一章专门分析了某个特定时期（我记得是五十年代中期）使用“伊斯特曼彩色胶片”所带来的那种饱和度过高的、略带“塑料感”的视觉效果，并探讨了这种技术局限性如何反向塑造了当时电影所表达的美国梦的虚假与浮华。作者甚至深入到摄影棚的布光技术，解释了伦勃朗光、蝴蝶光这些基础布光法在现代数字摄影中是如何被重新“翻译”和“误读”的。这本书要求读者拥有一定的技术背景，或者至少愿意去学习一些光化学和光学的基础知识，才能真正领会其精妙之处。它是一本写给“视觉建筑师”看的书，而非仅仅是供普通影迷消遣的读物，但对于真正想深入电影制作层面的人来说，绝对是宝藏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书纯粹是因为封面设计得太吸引我了——那种粗粝的、带着颗粒感的黑白照片，配上极简的字体，很有上世纪六七十年代欧洲艺术电影海报的韵味。然而，内容上的体验却远超我的想象。这本书的侧重点似乎完全不在于罗列“必看”的清单，而是专注于探讨“电影语言的词汇表”。它花了大量的篇幅去解构“景别”这个概念，不是简单地解释特写、中景这些术语，而是深入探讨了不同景别如何影响观众的代入感和心理距离。比如，它对比了约翰·福特在西部片中常用的“远景全景”如何构建宏大叙事下的个体渺小感，与让·雷诺阿在室内场景中频繁使用的“移动长镜头”如何营造一种无缝、沉浸式的戏剧张力。更让我惊喜的是，作者还引入了现象学美学的视角来分析银幕上的“空间感”，探讨了被遮挡的物体或画框外的空间，对想象力的激发作用。这本书读起来需要耐心，因为它要求你放慢速度，像一个制片人那样去审视每一个镜头的设计意图，而不是作为一个单纯的观众被动接受信息。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格异常的个人化，读起来就像是和一位阅片无数的、略带愤世嫉俗但又无比真诚的前辈在深夜的酒吧里聊天。它没有宏大的理论框架，而是通过一系列极其具体、甚至有些偏门的个案分析来构建其观点。比如，有一整章都在研究“雨”在不同文化语境中的电影处理方式，从黑色电影中象征的罪恶与净化，到日本新浪潮中表现的生命无常与疏离感，作者的考据极其扎实，引用的片段虽然简短，但精准到位。最打动我的是作者对“表演”一词的重新定义。他认为现代演员的表演已经越来越倾向于“存在”而非“扮演”，即演员不再试图模仿角色，而是通过肢体语言和眼神的微小变化，将自身的真实情感（或者说是被训练出的“伪真实”）渗透到角色中去，形成一种强烈的“在场感”。这让我想起了某位欧洲老戏骨的访谈，当时无法理解，现在结合书中的分析，豁然开朗。这本书的价值在于它提醒我们，电影艺术的精髓往往藏在那些最容易被忽略的细节之中，需要我们以最细致入微的目光去捕捉。

评分☆☆☆☆☆

我通常对那些试图“解构一切”的理论书籍持保留态度，因为很多时候，它们把简单的东西复杂化了，把美感磨成了冰冷的公式。但是《银幕上的哲学沉思》这本书，或者说这本书给我的感受，完全不同。它更像是一场思想的漫游，尤其是在讨论“时间性”与“观看行为”的那几章。作者巧妙地将德勒兹的“运动-影像”和“时间-影像”理论，应用到对现代商业大片中特效场面的分析上，这一点非常新颖。它指出，当影像的运动快到超越了人类的感知阈限时，影像本身就从叙事工具异化为了一种纯粹的、令人眩晕的感官刺激，这其实是对我们“观看”这一行为的深刻反思。我感觉我不再仅仅是在看一部电影的情节，而是在审视电影工业如何利用技术来操纵我们的大脑皮层。阅读过程中，我好几次停下来，盯着空白的墙壁，试图在自己的脑海中重构刚才读到的某个理论框架，并将其投射到我最近看过的某部动画片上。这本书的启发性太强了，它让我对屏幕上出现的一切都多了一层警惕和好奇。

评分☆☆☆☆☆

天哪，这本书简直是打开了一扇通往全新世界的大门！我一直以为我对电影的理解还算到位，毕竟这些年也看了不少经典老片和新兴的独立制作，但《迷雾中的光影》这本书彻底颠覆了我的认知。它没有那种教科书式的枯燥说教，而是用一种近乎诗意的语言，剖析了光线如何在胶片上“跳舞”，声音又是如何与画面“共谋”来操纵观众的情绪。尤其让我印象深刻的是其中关于“非线性叙事”的章节，作者引用了大量我闻所未闻的先锋派导演的作品作为案例，详细解读了他们如何通过打乱时间顺序来探讨记忆与现实的脆弱联系。我记得有一段描述，将蒙太奇比喻成音乐中的复调，不同镜头的并置产生了新的意义和节奏感，这个比喻非常精妙，让我久久不能忘怀。读完后，我立刻重温了好几部老电影，感觉就像是第一次“听懂”了其中的配乐和节奏，那种发现隐藏线索的兴奋感，真的无与伦比。这本书的深度和广度都超出了我的预期，它不只是在讲电影，更是在探讨人类感知和表达的极限。

评分☆☆☆☆☆

心有余而力不足，内容太单薄了。

评分☆☆☆☆☆

研究对象的界定确实很有问题 现代电影起始于《公民凯恩》 70年代之后应该叫当代电影了 类型电影和艺术电影也被混在一起谈论 很多差得十万八千里

评分☆☆☆☆☆

三星半，后两章渐入佳境，前面水准很一般，不过作者的文字还是很有才气，可以出个导演研究专辑的。

评分☆☆☆☆☆

知其然还要知其所以然，喜欢电影不够，还要能理解美在哪里，了解导演的良苦用心，学会准确理解光影艺术

评分☆☆☆☆☆

国内学者剖析1970年代之后的“现代电影”风格与特色，中外兼顾，虽然不如美国几位电影理论大家的名作，但也算资料丰富、分析到位了，最重要的评述的电影作品相当接地气，都是很常见的好片子，并没有一味追求所谓文艺片，而是深入浅出分析新时期电影的美学特点，属于很专业的影评人基础教材了。PS：作者似乎对奥利弗斯通的电影作品格外青睐，几乎在每一页都必提这位大师