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☆☆☆☆☆

出版者:河南美术出版社

作者:徐利明

出品人:

页数:532

译者:

出版时间:1997-1

价格:32.00元

装帧:精装

isbn号码:9787540105310

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翰墨流光：中国传统绘画的演变与精髓 一卷跨越千年的艺术史诗，一次对中国文人心灵世界的深度探寻。 本书并非专注于书法的笔墨技法或朝代流变，而是将视角投向与书法并驾齐驱，共同构建中华民族艺术精神的另一座高峰——中国传统绘画。我们试图以一种全新的、宏观的、兼具学术严谨性与审美愉悦感的方式，系统梳理中国绘画自起源至近代的演进脉络，深入剖析不同历史时期画种的风格特征、核心观念以及对后世的深远影响。 第一部分：蒙昧初开——史前遗迹与上古雏形 本书的开端，将带领读者回到文明的源头。我们不会讨论甲骨文的结构，而是追溯岩画与陶器纹饰中蕴含的原始生命力与图腾崇拜。通过对新石器时代彩陶上抽象符号的解读，探讨早期人类如何试图捕捉和再现自然，这是中国艺术思维的“基因密码”。 随后，我们将进入青铜器时代。不同于侧重铭文的书法研究，我们聚焦于鼎器、编钟上的蟠螭、饕餮纹饰的造型语言。这些图案如何从神秘的宗教符号，逐渐演化出程式化的、具备强大装饰性和象征意义的视觉体系？这部分内容将结合考古学发现，勾勒出早期美术的宗教性与权力象征。 进入先秦时期，我们关注帛画的出现。这些稀有的、出土的早期绘画实物，如《人物御龙图》等，展示了与战国楚文化紧密相连的浪漫主义色彩与浪漫奇诡的想象力。这标志着绘画开始从器物装饰中独立出来，成为承载叙事和精神观念的载体。 第二部分：形神之辨——魏晋南北朝的观念奠基 在这一部分，我们将完全避开对王羲之、颜真卿等书法大家的具体论述，转而深入探讨“形神论”这一中国绘画哲学的基石如何在此时期被确立。 “以形写神”不仅仅是绘画的要求，更是魏晋士人精神世界的投射。我们详细分析了顾恺之的“传神写照”理论，并通过对其作品（如存世摹本）的分析，揭示早期人物画如何通过捕捉人物的内在气质而非单纯的生理特征来塑造形象。这与当时玄学盛行、士人追求个体精神自由的时代背景息息相关。 同时，佛教艺术的传入与本土化，为中国绘画注入了新的元素和技法。我们会对比分析犍陀罗、笈多风格与敦煌壁画的演变，重点阐述中国画师如何吸收印度造像的立体感、色彩晕染（如凹凸法），并最终将其“中国化”，形成具有自身韵律感的佛像画。 第三部分：盛世气象——唐代绘画的多元发展与确立 唐代是中国艺术的黄金时期，本书将此阶段的绘画分为两大核心脉络，而非笼统地描述“盛唐气象”。 一是庙堂气象与界画的兴盛： 我们将深入探讨李思训、李昭道的“金碧山水”，分析其如何以矿物颜料营造出富丽堂皇、充满宫廷气息的图景，这是一种对空间秩序和色彩表达的极致追求。同时，我们会详细解析以阎立本、吴道子为代表的人物画的革新。吴道子的“吴带当风”的线条（我们着重分析的是线条的动势与力度，而非其书法性），如何摆脱了早期壁画的板滞，赋予人物以鲜活的生命力。 二是世俗生活与风俗画的萌芽： 区别于前朝的宗教与神仙题材，唐代绘画开始关注人间烟火。张萱、周昉的仕女画，精确地描绘了唐代贵族女性的服饰、发型乃至生活场景，为后世研究唐代社会风貌提供了宝贵的视觉资料。这部分内容是理解中国绘画如何走向“入世”的关键。 第四部分：文人画的兴起与山水画的独立 宋代是传统绘画体系最终成熟的阶段，也是文人画（士人画）概念正式确立的时期。本书的重点在于解析宋徽宗的院体画与文人画之间的张力与互文关系。 我们重点讨论“格物致知”在宋代绘画中的体现，分析院体画家如范宽、郭熙等人如何通过对自然景象的细致观察与理性分析，构建出宏大、深邃的山水空间（如“高远”“平远”“深远”等构图理论）。 更关键的是，我们将详细梳理苏轼、米芾等文人对绘画的理论贡献。他们如何提出“不求形似，但求神似”，将个人性情、学识修养融入笔墨之中，从而使山水画彻底脱离了纯粹的写景或记录功能，上升到抒发主体精神的高度。这与同时期的诗词理论有着内在的同构性。 第五部分：笔墨的变革与意境的深化（元明清） 进入元代，我们关注“复古”与“叛逆”的两条暗流。虽然元四家（黄、王、倪、吴）继承了宋代文人画的精神，但他们对笔墨“意味”的强调达到了前所未有的高度。我们分析他们如何“破墨”、“积墨”，如何将书法用笔的内在韵律完全融入到山石树木的皴擦点染之中，使笔墨本身成为审美的核心。 明清时期，绘画走向了更加多元和冲突的局面： 浙派与吴门画派的技法争鸣： 讨论院体画的余绪（浙派的雄强写实）与文人画的精微（吴门画派的雅致闲适）之间的地域和风格差异。 董其昌的“南北宗”论对后世的影响： 尽管“南北宗”理论本身存在争议，但它确实在很长一段时间内成为了评价中国画发展的主流框架，本书将对其理论逻辑进行审视。 清代的“四王”与“四僧”： 分析“四王”如何致力于对前代程式的集大成与精炼，追求一种古典的典雅；而“四僧”（如石涛、八大山人）的“独抒性灵”又是如何以强烈的个性和象征手法，对僵化的传统进行反叛，预示着中国画向现代转型的可能性。 结语：永恒的回响 本书的收束并非简单地停留在晚清或民国初期的阶段，而是总结中国绘画自远古至近代的演化规律——即从“载道”到“写意”，从“写实”到“尚意”的内在逻辑线索。它展示了中国画如何通过不断地在题材、技法和哲学观念上进行自我修正与创新，最终构建了一个独立于西方油画体系的、以“笔墨精神”为核心的宏伟艺术殿堂。本书旨在为读者提供理解这一宏大体系的钥匙，而非仅仅停留在作品的简单罗列或书法的枝节辨析。

评分☆☆☆☆☆

此书以风格为体系，别开生面。但为迁就体系不免生拉硬凑，如把李北海归入钟太傅书风，令人费解。另有个别常识性错误，如写太宗推大王书风，于是初唐大家如虞、欧等皆入大王一派，实则欧由隋入唐，书风多受北碑影响，虽杂二王一脉，然皆在入唐时已然成型；虞则传自智永，固是二...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

此书以风格为体系，别开生面。但为迁就体系不免生拉硬凑，如把李北海归入钟太傅书风，令人费解。另有个别常识性错误，如写太宗推大王书风，于是初唐大家如虞、欧等皆入大王一派，实则欧由隋入唐，书风多受北碑影响，虽杂二王一脉，然皆在入唐时已然成型；虞则传自智永，固是二...

评分☆☆☆☆☆

翻开这本《中国书法风格史》，我仿佛走进了一个穿越时空的艺术长廊。起初，我对书法仅停留在“写字好看”的浅薄认知，但这本书却以一种引人入胜的方式，将我带入了书法那博大精深的殿堂。作者并没有简单地罗列历代名家的名字和作品，而是深入剖析了各个时期书法的时代背景、哲学思想、社会风尚如何深刻地影响了书写者。我惊喜地发现，篆书的古朴沉雄，不仅仅是线条的粗细变化，更是对上古时代敬天法祖、秩序井然的社会精神的凝结；隶书的蚕头燕尾，流露出汉代隶属制度下，士人阶层渴望自由又不失严谨的心态；而行书的飘逸洒脱，则像是魏晋风度下，文人雅士们纵情山水、挥洒才情的真实写照。草书的狂放不羁，更是将个体的情感抒发推向极致。本书在解读这些风格演变的同时，更关注到了文人创作的书写工具、纸张的改良、以及当时的书法理论发展，这些细节的铺垫，让整个书法史的脉络更加清晰立体，仿佛我能触摸到每一笔墨的温度，感受到书写者那一刻的情感波动。我尤其被书中对不同风格背后美学追求的阐释所打动，它让我明白，书法并非纯粹的技巧，更是一种精神的表达，一种文化品格的显现。

评分☆☆☆☆☆

初次接触《中国书法风格史》，我本以为这是一本枯燥乏味的学术著作，但出乎意料的是，它却如同一幅波澜壮阔的历史画卷，徐徐展开在我眼前。作者并非仅仅罗列史实，而是运用了一种极具故事性的笔法，将抽象的书法风格转化为生动的人物和事件。我被书中对唐代书法“尚法”与“尚意”之争的精彩论述所吸引，它不仅仅是理论上的辩论，更是当时社会思潮和审美取向的一种反映。从初唐的雍容华贵，到盛唐的雄浑壮丽，再到晚唐的颓靡，书法风格的变迁与王朝的命运紧密相连，这种宏观视角让我对书法有了更深层次的理解。书中对宋代书法“尚意”的探讨尤其深刻，作者指出，宋代书家不再满足于模仿古人，而是更加注重个性的抒发和情感的表达，苏轼的丰腴跌宕，黄庭坚的瘦劲奇崛，都体现了他们独特的艺术追求。我尤其喜欢书中对一些书家生活细节的描写，例如米芾的“石癫”行径，为冰冷的书法史增添了不少人情味，也让我看到了书法家在创作时的真性情。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我过去对书法风格的认识非常有限，总觉得隶书就那样，行书也就那样，直到我读了《中国书法风格史》，才意识到自己错得离谱。这本书真的像一个魔法盒子，每次翻开都能发现新的惊喜。作者在梳理各个时期书法风格的演变时，并非孤立地看待，而是将其置于更广阔的文化背景下进行解读。例如，它会探讨佛教传入中国对书法的影响，以及道家思想如何在书法中得以体现。我被书中关于宋徽宗瘦金体的部分深深吸引，作者并没有简单地将其归为“皇帝的玩物”，而是深入分析了瘦金体在继承晋唐传统的基础上，融入了宋代精致、严谨的审美趣味，以及徽宗本人在艺术上的造诣。书中还详细介绍了各个时期著名的书学理论，例如孙过庭的《书谱》，作者对《书谱》的解读，让我领略到了古代书法家对书法艺术的深刻洞察，以及他们对于笔法、结构、神韵的精辟论述。我特别喜欢书中对历代书家创作心态的描摹，它让我明白，每一幅成功的书法作品，都凝聚着书写者无数的思考、实践和情感投入。

评分☆☆☆☆☆

这本书彻底颠覆了我过去对书法“千篇一律”的刻板印象。我一直以为书法就是反复临摹古人的技巧，但《中国书法风格史》却以一种极为新颖的视角，将书法视为一种活态的文化符号，随着历史的河流不断演变，并吸收了不同时代的养分。作者在叙述中，巧妙地穿插了大量的历史事件、社会变迁，甚至是一些鲜为人知的文人逸事，让我惊讶地发现，王羲之的《兰亭集序》之所以成为千古绝唱，除了精湛的书法技艺，更离不开当时文人雅集的那种超然物外的旷达情怀，以及对人生易逝的感慨。而颜真卿的雄浑刚健，不仅是笔墨的力量，更是盛唐气象下，士大夫阶层忠君报国、凛然正气的体现。甚至连历史上一些被认为是“异端”的书法风格，在作者的解读下，也焕发出了新的生命力。我印象深刻的是，书中对“二王”书风的深入剖析，从“二王”继承传统，到融会创新，再到后世对其的传承与发展，构成了一条清晰的艺术 lineage。作者在解释这些演变时，大量引用了当时的诗词、散文，以及文人的尺牍，这些真实的史料，让我在阅读时，仿佛置身于那个年代，与那些伟大的书写者们一同呼吸，一同感受。

评分☆☆☆☆☆

捧读《中国书法风格史》，我完全沉浸在一种前所未有的阅读体验中。这本厚重的著作，并没有给我带来压迫感，反而像一位博学而风趣的长者，娓娓道来中国书法那跌宕起伏的千年传奇。作者的叙事方式非常巧妙，他能够将宏观的历史进程与微观的书法细节完美结合。我尤其欣赏书中对明清时期书法风格的探讨，例如帖学与碑学的兴起，以及晚明时期的个性化书风，如徐渭、傅山等人的狂放不羁，这些都让我看到了书法艺术在不断突破传统、寻求创新的过程。书中还涉及了大量的书画印相结合的艺术现象，让我看到了书法不仅仅是独立的艺术形式，更是与绘画、篆刻等其他艺术门类相互影响、相互辉映的。我被书中对清代书法的分析所吸引，作者指出，虽然清代书法出现了复古思潮，但同时也孕育了邓石如、赵之谦等碑学大家，他们的出现，为书法注入了新的活力，也为后世的书法发展开辟了新的道路。总而言之，这本书让我对中国书法有了更全面、更深刻的认识，它不仅仅是一本艺术史，更是一部文化史，一部思想史。

评分☆☆☆☆☆

是好书

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是好书

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这是本好书

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是好书

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